レビュー：キャン・キャン、ユニオン・シアター ✭✭

ジュリアン・イーヴスが、ユニオン・シアターで上演中の『Can-Can』をレビュー。

写真：スコット・ライランド Can-Can!   ユニオン・シアター 2つ星 チケットを予約 コール・ポーターによる、世紀末パリの奔放な暮らしを描いた華麗なミュージカルを期待している方には、残念ながら本作は肩透かしになるでしょう。ここには彼の素晴らしい音楽の一節も、機知に富んだエレガントな歌詞の一言もありません。代わりに提示されるのは「新しいオッフェンバック・ミュージカル」という小さな副題。つまり観客は、伝説的なフランスのオペレッタ作曲家の楽曲を再利用した“カタログ的”な構成――（おそらく最も有名なのは代表作『地獄のオルフェウス』に登場する同名のナンバーでしょう）――を予想して劇場へ足を運ぶわけです。ところが、それですらない。いいえ、さらにプログラムを手に取ってようやく分かるのは、これは実のところパスティッチョ形式で、幅広いオペレッタ作曲家の楽曲を寄せ集めたものだということ。しかも多くはアメリカ、オーストリア、イギリス、チェコの作曲家で、オッフェンバックの曲は全体の4分の1ほどしかありません。そしてフランス要素の希薄さはそこに留まりません。「脚本（ブック）」はその界隈からは程遠く、元ネタはピネロの古典的定番『ウェルズのトリローニー（Trelawny of the Wells）』。フランス・オペレッタならまず気にしないような、イギリス社会のスノビズムを掘り下げる物語です。とはいえ、翻案を手がけた働き者のフィル・ウィルモットはその成立可能性を信じ、筋と人物をそのまま持ち上げて、1890年代・第三共和政期フランスへ移植します。――いや、ただ移しただけではありません。その過程で、原作にあった軽妙な喜劇性の大半を削ぎ落とし、代わりに陰鬱でどこか物悲しい空気を注入。都会の偏見と叶わぬ野心をめぐる苦い寓話へと変えてしまいました。フィル・セトレンの硬直した演出と、マシュー・スウィズィンバンクのしばしば不穏な影を落とす照明が、それをさらに強めています。 グレイス・マンリーとジェームズ・アレクサンダー・チュー出演『Can-Can!』 写真：スコット・ライランド\ これは本当に惜しい。というのも、幕開けは大いに期待を持たせるからです。ただし、その瞬間の創造的な頭脳は別の人物にあります。振付家アダム・ヘイの仕事こそが、このプロダクションを観るべき最大の理由――そして他に欠点が多くても、私は「観るべきだ」と思います。彼の音楽シーンの見せ方は実に痛快で、前座的なオープニングはその好例。ジャスティン・ウィリアムズとジョニー・ラストによる、トラックに載った柔軟なプロセニアム・アーチの舞台装置（これまでで最高の出来のひとつ）を巧みに使い、ヘイは私たちを一気に“嵐”のような舞台活動へ放り込みます。最も陽気で肩の力が抜けたフェリーニの名トラッキングショットを思い出させるほどです。総勢17人という比較的大人数のキャストが、細部まで行き届いた動きをしながら、まるで水を得た魚のように舞台を躍動させる様子は見事。若手中心で、これからキャリアを築く面々が多い座組にとって、こうした作品で必要なのはまさにこれです。序盤から観客の心を掴み、若々しい魅力にこちらも自然と温まっていく――そこにベテランのリチャード・ハーフスト、PKテイラー、マーク・ガーフィールド、コリーナ・マーロウが良い歯止めをかけてくれます。あとはこのムードが最後まで続けばよかったのですが。 ジェームズ・アレクサンダー・チュー、エミリー・バーネット＝ソルター、キャシー・ピーコック、ケイシー・クレイボーン出演『Can-Can!』 写真：スコット・ライランド ところが、心を持ち上げてくれるのは結局ダンス・ナンバー頼みです。そして実際に持ち上げてくれる。ヘイは自分の戦力の束ね方を熟知していて、圧倒的に豊かな効果を生み出します。ある瞬間にはマッシーンの『ガイテ・パリジェンヌ』を、次の瞬間にはバランシンの群舞の精緻な動き、あるいはジーン・ケリーの『巴里のアメリカ人』を想起させる――これは非常に難しい芸当ですが、ヘイは絵筆を操るようなコントロールでやってのけています。振付は最高水準。そして待つ価値のあるフィナーレは、エネルギーと炸裂する効果の花火大会です。確かに彼は、0から60へ一秒で加速する癖がある。もっとゆっくりした速度、よりレガートなフレーズ、あるいは単なる“間”と静止が欲しくなる瞬間もあります。例えば第二幕、恋人たちのパ・ド・ドゥの派手な悪ふざけは、もう少し官能的に積み上げていけば、より惹きつけられたはずです。とはいえ、キャストには存分に離れ業を披露する機会が与えられます。男性陣には何十回ものジャンプ（ジェームズ・アレクサンダー＝チューは息を呑むほど）、絶えず変わるアプローチ角度で生まれる驚きの連続、女性陣には実に派手な見せ場。至福です。 ダミアン・ムラコヴィッチとキャシー・ピーコック出演『Can-Can!』 写真：スコット・ライランド 振付の要求に応えられる力で選ばれたカンパニーであることは間違いありません。しかしこれはオペレッタで、歌うことも求められます。そして課される音楽は決して易しくない。旋律は耳に残るものの、声への要求は高いのです。率直に言えば、この素材にはもっと強く鍛えられた声が必要。合唱ナンバーで声を重ねられる場面だけは、ようやくしっくり聴こえますが、個人ナンバーでは、旋律線の負荷、支えの要求、正確な音程、言葉の明瞭さ――そうした難所にどれほど追い詰められているかが、時に心配になるほどです。この小さな空間でも、単独の伴奏に対して声を通すのに苦労する人がいます（音楽監督のローザ・レノックスも、舞台脇に置かれた小さなピアノではしばしば危うく、むしろ彼女が同時に演奏するクラリネットの方が手馴れているように見える）。編曲はリチャード・ベイカー。録音されたオーケストラ音の再生に依存する部分も含め、寄せ集めの音楽的パレットをひとつの「スコア」へまとめようと努めていますが、それでもなお「名曲集のパレード」に過ぎない印象です。レチタティーヴォやアンサンブル、シェーナといった形式面の工夫が乏しく、リフレインの単純反復に頼りがちで、必然的に形の多様性が欠けて均質な効果となり、予測可能になって次第に作品の勢いを削いでいきます。 写真：スコット・ライランド これでは、キャストが持ち味を最大限に発揮する助けにもなりません。最近ベルリンで上演された、画期的に再構築された『白馬亭にて（The White Horse Inn）』は、大作クラシック・オペレッタを現代的エンタメの様式で作り替え、何よりも今日の声とスタイルに合わせることがどれほど可能かを示しました。このキャストであれば、そちらの方がより理にかなった、建設的なアプローチだったでしょう。ところが本作では、ロマンティックな主役クリスチャン・ボントゥを演じるダミアン・ムラコヴィッチが、明らかに向いていないことを無理に声にやらせねばならない。相手役のキャシー・ピーコック演じるジェーンは確かな技術を聴かせますが、デビューで『メリー・ウィドウ・ワルツ』のハンナ・グラヴァリの高く舞い上がる旋律を歌わせるとは酷です。あのナンバーは、もっと身体的に成熟した女性のために書かれたもの。……と、同様の例はいくらでも挙げられます。エミリー・バーネット＝ソルターは下品なイヴェットをはじけるように演じますが、音楽は彼女に無理な発声を強い、快適とは言い難いでしょう。テイラーによる安っぽいドラァグ・アクトのグールーは、いわば“低予算版『ラ・カージュ・オ・フォール』”のような味わいで愉快ですが、彼女の曲も再考が必要です。これ以上続けなくても、主旨は伝わるはず。 『Can-Can!』キャスト 写真：スコット・ライランド ダンス・ナンバーが来るたびに気分は上向くのですが、その間隔が長い。そしてその間には、ぎこちない台詞をかなり聞かされます。キャストの中には役作りを厚くしようと努力する人もいますが、脚本がほとんど助けてくれません。『トリローニー』は初演時に評判が芳しくなく、のちの再演では、プロデューサーはその弱点を渡り切れる経験と技術を持つ、強力なキャスティングに細心の注意を払ってきました。けれどもこの脚本は、懸命に働くこのキャストを活かすどころか不親切です。大人数が壮観なビッグナンバーを踊る姿は本当に見事で、もし作品がその強みを手がかりに、もっとダンスを中心に組み立てられていたらと思わずにいられません。ペン・オガーラの衣裳は見映えがして、印象派の画廊から抜け出してきたよう。ただ演出家は、上流ブルジョワと半社交界（デミモンド）という混淆の扱いに居心地の悪さがあるようで、しばしば俳優たちはただ立ち尽くし、方向性を失い、役を生きられていません。踊りのナンバーは見事に仕上がっている一方、芝居は粗く未完成のまま。結局、劇場とは舞台上の人々と客席との関係性の芸術です。幸いにも、そのことを理解しているクリエイティブが一人はいる――ただ、その達成が他部門の不足をいっそう際立たせてしまうのですが。 2019年3月9日まで

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