RESEÑA: Can-Can, Teatro Union ✭✭

Julian Eaves reseña Can-Can, actualmente en cartel en el Union Theatre.

Foto: Scott Rylander Can-Can!   Union Theatre 2 estrellas Reservar entradas Para quienes esperaban ver el magnífico musical de Cole Porter sobre una vida desenfrenada en el París fin de siècle, este espectáculo será una decepción.  No hay ni una nota de su maravillosa música, ni una sílaba de sus ingeniosas y elegantes letras.  En su lugar, nos encontramos con un pequeño subtítulo que nos informa de que será «El nuevo musical de Offenbach».  Así que uno va al teatro esperando algo así como un espectáculo de “grandes éxitos” que reutilice la música del legendario compositor francés de opereta (probablemente más conocido por el número homónimo de su obra más popular, «Orfeo en los infiernos»).  Pero tampoco es eso.  No; en cuanto tienes el programa en las manos descubres por fin que en realidad se trata de un pasticcio, que reúne una colección de canciones de una selección amplísima de compositores de opereta, la mayoría estadounidenses, austriacos, británicos o checos: solo una cuarta parte de los números son de Offenbach.  Y la falta de conexión francesa no acaba ahí: el «libreto» está a años luz de ese mundo, pues se basa en el viejo clásico de Pinero, «Trelawny of the Wells», una historia que explora el esnobismo social británico de una forma que a la opereta francesa le importaría bien poco.  El adaptador, el infatigable Phil Willmott, está convencido de su viabilidad y simplemente toma la trama y los personajes y los trasplanta a la Francia de la Tercera República de la década de 1890.  Bueno, no; no hace solo eso.  En el proceso, además, elimina gran parte de la comedia ligera de la obra británica y la sustituye por una atmósfera sombría, más bien triste, convirtiéndola en una amarga parábola sobre la ambición frustrada y los prejuicios metropolitanos, realzada (y de qué manera) por la rígida dirección de Phil Setren y la iluminación a menudo lúgubre y llena de sombras de Matthew Swithinbank. Grace Manley y James Alexander Chew en Can-Can! Foto: Scott Rylander\ Es una auténtima pena, porque el arranque promete muchísimo.  Pero, claro, ahí manda una inteligencia creativa totalmente distinta.  El trabajo del coreógrafo, Adam Haigh, es la única razón por la que deberías ir a ver esta producción —y yo creo que deberías, pese a todos sus demás defectos.  Sus escenas musicales son una delicia absoluta, y el número de apertura es un buen ejemplo.  Haciendo un uso muy hábil del flexible montaje de Justin Williams y Johnny Rust —un arco de proscenio sobre un camión (de lo mejor que han hecho hasta la fecha)—, Haigh nos catapulta a un auténtico «huracán» de actividad teatral que recuerda a los mejores planos-secuencia de un Fellini en su versión más gozosa y despreocupada.  Es maravilloso ver el escenario bullendo con un reparto relativamente enorme de 17 intérpretes, todos haciendo cosas meticulosamente detalladas y, al parecer, completamente en su elemento.  Con una compañía mayoritariamente joven, la mayoría al inicio de sus carreras, esto es justo lo que necesitan cuando trabajan en aventuras de este tipo.  Desde el primer momento te ganan y uno se encariña con sus muchos encantos juveniles —oportunamente apuntalados por la presencia de los más curtidos Richard Harfst, PK Taylor, Mark Garfield y Corinna Marlowe.  Ojalá el resto de la producción mantuviera este tono. James Alexander Chew, Emily Barnett Salter, Kathy Peacock y Kasey Claybourn en Can-Can! Foto: Scott Rylander En cambio, en realidad todo recae en los números de baile para levantar el ánimo.  Y lo levantan: Haigh sabe, de verdad, cómo organizar a sus fuerzas y crear efectos exuberantes, en un momento haciéndonos pensar en la «Gaîté Parisienne» de Massine, y al siguiente evocando los intrincados movimientos de Balanchine dentro de los grupos, o incluso «Un americano en París» de Gene Kelly: algo muy difícil de conseguir, y que Haigh logra aquí con un control casi pictórico.  Esta es coreografía de primer nivel, y su final —que merece la espera— es un auténtico despliegue pirotécnico de energía y efectos explosivos.  Sí, tiene la costumbre de pasar de 0 a 100 en un segundo: hay momentos en los que se echa de menos una velocidad más lenta, una frase más legato, o simplemente una pausa y quietud; por ejemplo, las vistosas diabluras del pas de deux de los amantes en el segundo acto serían más envolventes si se construyeran de forma un poco más seductora.  Sea como sea, el reparto tiene todas las oportunidades para lucir su virtuosismo: docenas y docenas de saltos para los chicos (James Alexander-Chew te deja sin aliento), sorpresas constantes generadas por ángulos de entrada que cambian sin parar, y algunos efectos realmente llamativos para las chicas.  Es una gozada. Damjan Mrackovich con Kathy Peacock en Can-Can!. Foto: Scott Rylander Está claro que la compañía ha sido elegida por su capacidad para hacer justicia a las exigencias que les plantea su coreógrafo.  Pero esto es una opereta y también se les exige cantar, y la música que deben interpretar no es precisamente sencilla.  Melódica, sí, pero exige mucho a la voz.  La simple verdad es que este material necesita voces más fuertes y más desarrolladas.  Solo en los números corales, donde pueden sumar las voces, suenan realmente cómodos.  En el resto, en los números individuales, a veces resulta alarmante comprobar lo sobrecargados que están por la línea musical, las exigencias del apoyo, los peligros de una afinación correcta y una dicción inteligible.  Incluso en este espacio tan reducido, algunos tienen problemas para proyectar por encima del acompañamiento de un solo instrumento (la directora musical, Rosa Lennox, que a menudo también se mete en dificultades con el pequeño piano encajado a un lado del escenario: parece sentirse más cómoda con el clarinete que también toca).  Los arreglos musicales son de Richard Baker, y ha hecho lo que ha podido para fusionar los elementos dispares del paladar musical del espectáculo en una «partitura» (incluyendo varias secciones que dependen de la reproducción de sonidos orquestales pregrabados), pero sigue siendo un desfile de «grandes éxitos»: sin apenas recitativo, conjunto o scena, y con una dependencia excesiva de la simple repetición de estribillos; inevitablemente, la falta de variedad formal crea una uniformidad de efecto que se vuelve predecible y, poco a poco, le roba energía al espectáculo. Foto: Scott Rylander Esto, de nuevo, no ayuda al reparto a sacar el máximo partido de la ocasión.  Hace poco, en Berlín, una reimaginación rompedora de «The White Horse Inn» demostró lo posible que es tomar una gran opereta clásica y reformularla con un lenguaje de entretenimiento más contemporáneo y —sobre todo— para que encaje con las voces y los estilos de hoy.  Con un reparto como este, ese habría sido un enfoque más sensato —y constructivo.  En su lugar, Damjan Mrakovich, como el protagonista romántico Christian Bontoux, tiene que forzar la voz para hacer cosas para las que claramente no está preparada; frente a él, Jane, de Kathy Peacock, aporta mucha técnica sólida, pero qué crueldad hacerla debutar con la melodía ascendente y sostenida de Hanna Glawari del «Vals de La viuda alegre», un número escrito para una mujer físicamente bastante más madura.  Y así sucesivamente.  Emily Barnett-Salter nos ofrece una interpretación desmadrada de la vulgar Yvette, pero la música la obliga a empujar la voz de una forma que no puede ser cómoda.  El sórdido número drag de Taylor, Goulue, es una delicia —en una especie de versión de saldo de «La jaula de las locas»—, pero su música necesita replantearse.  Podría seguir, pero creo que la idea está clara. El reparto de Can-Can! Foto: Scott Rylander Uno se anima cada vez que llega un número de baile, pero las esperas entre medias pueden hacerse largas.  Mientras tanto, hay que escuchar bastante diálogo algo acartonado.  Parte del reparto hace lo que puede para reforzar sus caracterizaciones, pero el texto no les facilita demasiado las cosas.  «Trelawny» se estrenó con críticas tibias y, cuando se ha repuesto desde entonces, los productores han procurado contar con repartos de mucho peso, con intérpretes con la experiencia y la habilidad necesarias para sortear sus muchas debilidades.  En lugar de lucir a esta compañía tan trabajadora, un texto como este no les hace ningún favor.  Es estupendo ver a tanta gente bailando los grandes números espectaculares, y ojalá el espectáculo hubiera tomado esa fortaleza como punto de partida y se hubiera construido mucho más a su alrededor.  El vestuario de Penn O'Gara es elegante y podría haber salido de cualquier galería impresionista, pero el director parece menos cómodo con esta mezcla de alta burguesía y demi-monde: con demasiada frecuencia se les deja ahí plantados, dando tumbos sin un sentido claro de la acción, sin habitar sus papeles en absoluto.  Los números bailados están ejecutados con pericia, pero la interpretación, en comparación, queda basta e inacabada.  En última instancia, el teatro trata de la relación entre quienes están en el escenario y quienes están en la platea; por suerte, alguien del equipo creativo parece haberlo entendido —aunque su logro no hace sino subrayar las carencias en otros departamentos. Hasta el 9 de marzo de 2019

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