리뷰: 캉캉, 유니언 극장 ✭✭

줄리안 이브스가 현재 유니온 극장에서 공연 중인 Can-Can을 리뷰합니다.

사진: Scott Rylander 캉캉!   유니온 극장 ★★☆☆☆ 티켓 예매 콜 포터가 벨 에포크(세기말) 파리의 방탕한 삶을 그려낸 그 화려한 뮤지컬을 기대하고 온 관객이라면, 이번 공연은 실망스러울 수밖에 없습니다.  포터의 근사한 음악은 단 한 음도 들리지 않고, 재치와 우아함이 돋보이는 가사도 한 마디도 없습니다.  대신 ‘새로운 오펜바흐 뮤지컬(The New Offenbach Musical)’이라는 작은 부제가 우리를 맞이합니다.  그래서 관객은 전설적인 프랑스 오페레타 작곡가의 기존 레퍼토리를 재활용한, 일종의 백카탈로그(하이라이트) 쇼를 예상하게 되죠(아마도 그의 대표작 ‘지옥의 오르페우스’에 들어 있는 동명 넘버로 가장 잘 알려진 그 오펜바흐 말입니다).  하지만 그것도 아닙니다.  아니요; 프로그램을 손에 쥐고 나서야 비로소, 이 공연이 사실 ‘파스티초’—여러 오페레타 작곡가들의 곡을 한데 모아 꿰맞춘—형식이라는 걸 알게 됩니다.  그것도 작곡가가 매우 폭넓게 섞여 있는데, 대부분 미국·오스트리아·영국·체코 출신이며, 오펜바흐의 곡은 전체의 4분의 1 정도에 불과합니다.  프랑스적 연결고리의 부재는 거기서 끝나지 않습니다.  ‘대본(book)’은 그 시대·그 분위기와는 한참 떨어져 있는데, 피네로의 오래된 단골 레퍼토리인 Trelawny of the Wells에서 가져온 줄거리이기 때문입니다.  이 이야기는 프랑스 오페레타가 별로 신경 쓰지 않을 법한, 영국식 사회적 속물근성을 파고듭니다.  하지만 각색을 맡은, 정말 지치지 않는 필 윌모트는 이 조합이 가능하다고 확신한 듯 보이고, 줄거리와 인물들을 통째로 들어 1890년대 제3공화국 시기의 프랑스로 옮겨 심습니다.  그런데, 음, 아니요; 단지 옮겨 심기만 한 게 아닙니다.  그 과정에서 원작 영국 희곡의 경쾌한 희극성을 대부분 덜어내고, 우울하고 다소 비애에 잠긴 공기를 대신 채워 넣습니다.  그 결과, 이 작품은 좌절된 야망과 대도시의 편견에 대한 씁쓸한 우화가 되어버리는데, 필 세트런의 경직된 연출과 매슈 스위든뱅크의 종종 음울하게 어두운 조명이 그 분위기를 한층 더 강화합니다. 그레이스 맨리와 제임스 알렉산더 추, Can-Can! 중. 사진: Scott Rylander\ 정말 안타까운 일입니다. 오프닝은 기대감을 한껏 끌어올리기 때문이죠.  다만 그 대목만큼은 완전히 다른 창작적 지성이 손에 쥐고 있습니다.  안무가 아담 헤이그의 작업은 이 프로덕션을 보러 가야 할 단 하나의 이유이며, 솔직히 말해 다른 결함에도 불구하고 저는 가보라고 권하고 싶습니다.  그의 무대 위 음악적 구성은 절대적인 즐거움이며, 막을 여는 도입부가 그 대표적인 사례입니다.  저스틴 윌리엄스와 조니 러스트의 유연한 ‘트럭 위 프로시니엄 아치’ 무대(지금까지 작업 중에서도 손꼽히는 성과)를 영리하게 활용해, 헤이그는 우리를 진정한 ‘허리케인’ 같은 무대 활동 속으로 내던집니다. 그 활기는 펠리니가 가장 유쾌하고 자유분방할 때의 최고의 트래킹 숏을 떠올리게 하죠.  17명에 이르는 비교적 큰 출연진이 무대를 윙윙거리게 만들며, 모두가 세밀하게 짜인 동작을 수행하고 마치 물 만난 듯 제자리를 찾은 모습은 정말 멋집니다.  대체로 젊은 배우들이고, 상당수가 커리어를 막 시작하는 단계인 만큼, 이런 종류의 작업을 할 때야말로 꼭 필요한 경험입니다.  시작부터 관객의 마음을 사로잡고, 그들의 젊은 매력에 자연스레 정이 갑니다—여기에 더해, 노련한 리처드 하르프스트, PK 테일러, 마크 가필드, 코리나 말로가 버티고 있어 든든하기도 하고요.  문제는, 나머지 제작 전반이 이 분위기를 끝까지 유지하지 못한다는 점입니다. 제임스 알렉산더 추, 에밀리 바넷-솔터, 캐시 피콕, 케이시 클레이본, Can-Can! 중. 사진: Scott Rylander 대신, 결국 마음을 끌어올리는 건 춤 장면들입니다.  그리고 정말로 끌어올립니다. 헤이그는 자신의 ‘전력’을 어떻게 배치해야 하는지, 그리고 어떻게 완전히 풍성한 효과를 만들어내는지 정말, 정말 잘 압니다.  어떤 순간에는 마신의 Gaite Parisienne을 떠올리게 했다가, 다음 순간에는 발란신이 군무 안에서 만들어내는 정교한 움직임이 겹쳐 보이고, 심지어 진 켈리의 An American in Paris까지 연상시킵니다—이런 걸 한 작품 안에서 설득력 있게 해내는 건 대단히 어려운데, 헤이그는 거의 회화적이라고 부를 만큼 정확한 통제력으로 성공해냅니다.  최상급 안무이며, 기다릴 가치가 충분한 피날레는 에너지와 폭발적 효과가 난무하는 불꽃놀이 그 자체입니다.  다만, 0에서 60까지 1초 만에 가속하는 버릇이 있긴 합니다. 때로는 더 느린 속도, 더 레가토한 프레이즈, 혹은 그냥 잠깐의 멈춤과 정적이 그리워지죠—예를 들어 2막에서 연인들을 위한 파드되의 요란한 장난기 넘치는 부분은, 좀 더 유혹적으로 차근차근 쌓아 올렸다면 훨씬 몰입감이 있었을 겁니다.  그럼에도 불구하고, 출연진은 기교를 뽐낼 기회를 마음껏 얻습니다—남자 배우들의 점프가 수십 번, 수십 번 이어지고(제임스 알렉산더-추는 숨이 멎을 정도), 끝없이 바뀌는 진입 각도에서 끊임없이 놀라움이 만들어지며, 여자 배우들을 위한 번쩍이는 효과들도 가득합니다.  황홀합니다. 다미안 므라코비치와 캐시 피콕, Can-Can! 중. 사진: Scott Rylander 출연진은 분명 안무가가 요구하는 강도와 수준을 소화할 수 있는 능력을 기준으로 캐스팅되었습니다.  하지만 이건 오페레타이고, 그들은 노래도 해야 합니다. 게다가 요구되는 음악은 결코 쉬운 재료가 아닙니다.  선율은 아름답지만, 목소리에 요구하는 바가 많습니다.  솔직히 말해, 이 레퍼토리에는 더 강하고 더 성숙한 성량과 기량이 필요합니다.  합창 넘버처럼 여러 목소리를 합칠 때에만, 비로소 편안하게 자기 옷을 입은 듯 들립니다.  반면 개인 넘버에서는, 음악 선율이 얼마나 부담이 되는지—호흡 지지, 정확한 음정, 또렷한 발음의 위험 요소까지—때로는 놀랄 정도로 적나라하게 드러납니다.  이 작은 공간에서도, 일부는 단일 악기 반주(음악감독 로사 레녹스—무대 옆에 숨겨둔 듯 놓인 작은 피아노로 종종 고전하는데, 그녀는 함께 연주하는 클라리넷 쪽이 더 편해 보입니다) 위로 목소리를 뚫어 투사하는 데 애를 먹습니다.  음악 편곡은 리처드 베이커가 맡았고, 서로 이질적인 음악적 요소들을 하나의 ‘스코어’로 엮기 위해 할 수 있는 한 최선을 다했습니다(사전 녹음된 오케스트라 사운드 재생에 기대는 구간도 여러 곳 포함).  하지만 결국 ‘베스트 히트 모음’의 행렬일 뿐입니다. 레치타티보, 앙상블, 시나(Scena) 같은 형식적 다양성이 부족하고, 후렴의 단순 반복에 과도하게 의존하다 보니, 형태의 변주가 사라져 효과가 균일해지고, 예측 가능해지며, 시간이 흐를수록 공연의 에너지를 조금씩 갉아먹습니다. 사진: Scott Rylander 이 점은 또한 출연진이 무대를 최대한으로 활용하는 데 도움이 되지 않습니다.  최근 베를린에서는 The White Horse Inn을 혁신적으로 재해석한 프로덕션이, 대형 클래식 오페레타를 오늘날의 보다 동시대적인 엔터테인먼트 문법으로 얼마든지 재단할 수 있음을 보여줬습니다. 무엇보다도, 오늘의 목소리와 스타일에 맞게 ‘맞춤’하는 것이 가능하다는 걸요.  이런 캐스트라면, 그쪽이 훨씬 더 합리적이고—또 건설적인—접근이었을 겁니다.  그런데 이 작품에서는 로맨틱한 남주인공 크리스티앙 봉투로 출연한 다미안 므라코비치가, 분명히 자신의 성향에 맞지 않는 것들을 억지로 목소리에 시키고 있습니다.  그와 마주 서는 캐시 피콕의 제인은 탄탄한 테크닉으로 버티지만, 데뷔 무대에서 ‘메리 위도 왈츠’의 한나 글라바리처럼 상승하고 치솟는 멜로디를 부르게 하다니, 너무 가혹합니다. 그 넘버는 확실히 더 육체적으로 성숙한 여성에게 쓰인 곡이니까요.  그 밖에도 마찬가지입니다.  에밀리 바넷-솔터는 저속한 이베트 역으로 과감한 연기를 보여주지만, 음악은 그녀가 목소리를 무리하게 밀어붙이게 만들어 결코 편안할 수 없게 합니다.  테일러의 퇴폐적 드랙 넘버 ‘굴루’는 즐겁습니다—어딘가 저예산 La Cage aux Folles 같은 매력으로요—하지만 그를 위한 음악은 재고가 필요합니다.  더 말할 수도 있겠지만, 요지는 충분히 전해졌을 겁니다. Can-Can! 출연진. 사진: Scott Rylander 춤 장면이 나올 때마다 기분이 환해지지만, 그 사이사이의 기다림은 길게 느껴집니다.  그 동안 꽤 뻣뻣한 대사도 많이 들어야 하죠.  일부 배우들은 어떻게든 캐릭터를 두껍게 만들려 애쓰지만, 대본이 그들에게 유리하게 작동하진 않습니다.  Trelawny는 초연 당시 평이 미지근했고, 이후 재공연될 때마다 프로듀서들은 경험과 기량으로 작품의 약점을 돌파할 수 있는 ‘강력한 캐스팅’에 신중을 기해왔습니다.  하지만 이번에는 부지런한 이 캐스트를 돋보이게 하기보다는, 이런 대본이 그들에게 지나치게 가혹합니다.  대규모 군무가 스펙터클한 큰 넘버들을 춤추는 장면을 보는 건 정말 근사합니다. 공연이 그 강점을 힌트로 삼아, 그 장면들을 중심으로 더 많이 구축되었다면 얼마나 좋았을까요.  펜 오가라의 의상은 멋스럽고, 마치 인상파 미술관에서 막 걸어 나온 듯합니다. 하지만 연출은 상류 부르주아와 데미몽드(사교계 주변부)의 혼합을 다루는 데 덜 편안해 보입니다. 너무 자주, 배우들은 그저 서성이고, 방향감을 잃은 채, 역할 안으로 전혀 들어가지 못합니다.  춤 장면은 전문가답게 수행되지만, 연기는 그에 비해 거칠고 미완성으로 남습니다.  결국 연극은 무대 위 사람들과 객석의 관계에 관한 예술입니다. 다행히 창작진 중 누군가는 그 사실을 이해한 듯합니다—하지만 그 성취는, 다른 부서들의 결핍을 오히려 더 도드라지게 만들 뿐입니다. 2019년 3월 9일까지

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