CRITIQUE : Can-Can, Union Theatre ✭✭

Julian Eaves critique Can-Can, actuellement joué au Union Theatre.

Photo : Scott Rylander Can-Can!   Union Theatre 2 Étoiles Réserver des billets Pour tous ceux qui espèrent voir la magnifique comédie musicale de Cole Porter sur la vie débridée dans le Paris de la fin du siècle, ce spectacle sera une déception.  Il n'y a pas une note de sa merveilleuse musique ici, ni une syllabe de ses paroles spirituelles et élégantes.  À la place, nous avons un petit sous-titre nous informant qu'il s'agira du 'Nouveau Musical Offenbach'.  Ainsi, on se rend au théâtre en s'attendant à une sorte de spectacle de catalogue réutilisant la musique du légendaire compositeur d'opérette français (probablement mieux connu pour son numéro du même nom provenant de son spectacle le plus populaire, 'Orphée aux Enfers').  Mais ce n'est pas cela non plus.  Non; à la place, lorsque vous obtenez un programme, vous découvrez enfin qu'il s'agit en réalité d'une affaire pastiche, rassemblant une collection de chansons d'une sélection très large de compositeurs d'opérette, la plupart d'entre eux étant américains, autrichiens, britanniques ou tchèques : seul un quart des numéros sont d'Offenbach.  Et le manque de connexion française ne s'arrête pas là : le 'livre' est à des kilomètres de ce milieu, étant tiré du vieux cheval de bataille de Pinero, 'Trelawny des Théâtres', une histoire qui explore la snobisme social britannique d'une manière dont l'opérette française se soucie peu.  L'adaptateur, l'indomptable Phil Willmott, est convaincu de sa viabilité, cependant, et il se contente de soulever l'intrigue et les personnages et de les transplanter dans la France de la Troisième République des années 1890.  Eh bien, non; il ne fait pas que cela.  Dans le processus, il enlève également la plupart de la comédie légère de la pièce britannique et la remplace par une atmosphère sombre et plutôt mélancolique, en faisant une parabole amère d'ambition échouée et de préjugés métropolitains, accentuée sans fin par la direction rigide de Phil Setren et l'éclairage souvent sinistre de Matthew Swithinbank. Grace Manley et James Alexander Chew dans Can-Can! Photo : Scott Rylander\ C'est bien dommage, car l'ouverture promet tant.  Mais ensuite, elle est entre les mains d'une intelligence créative différente.  Le travail du chorégraphe, Adam Haigh, est la seule raison pour laquelle vous devriez aller voir cette production - et je pense que vous devriez, malgré tous ses autres défauts.  Ses mises en scène musicales sont un pur délice, et le lever de rideau en est un exemple frappant.  Utilisant habilement la mise en scène proscenium-arch-sur-un-camion de Justin Williams et Johnny Rust (l'une de leurs meilleures à ce jour), Haigh nous catapulte dans un véritable 'ouragan' d'activité théâtrale qui rappelle les meilleures prises de vue en mouvement de Fellini à son plus joyeux et insouciant.  C'est merveilleux de voir la scène bourdonnant avec un casting relativement gigantesque de 17 personnes, chacune réalisant des actions méticuleusement détaillées et semblant complètement dans leur élément.  Avec une compagnie principalement jeune, la plupart d'entre eux débutant leur carrière, c'est exactement ce dont ils ont besoin lorsqu'ils travaillent sur des projets de ce genre.  Dès le début, ils vous séduisent et vous vous attachez à leurs nombreux charmes juvéniles - aidé par la présence des plus expérimentés Richard Harfst, PK Taylor, Mark Garfield et Corinna Marlowe.  Si seulement le reste de la production soutenait cette ambiance. James Alexander Chew, Emily Barnett Salter, Kathy Peacock et Kasey Claybourn dans Can-Can! Photo : Scott Rylander Au lieu de cela, tout repose vraiment sur les numéros de danse pour soulever les cœurs.  Et ils soulèvent nos cœurs : Haigh sait vraiment, vraiment comment diriger ses forces et créer des effets absolument luxueux, un moment nous faisant penser à 'Gaîté Parisienne' de Massine, et le suivant rappelant les mouvements complexes de Balanchine dans des groupes, ou même 'Un Américain à Paris' de Gene Kelly - une chose très délicate à réaliser, et que Haigh réussit ici avec un contrôle presque pictural.  C'est une chorégraphie du plus haut ordre, et sa finale - vaut la peine d'attendre - est un véritable feu d'artifice d'énergie et d'effets explosifs.  Oui, il a l'habitude de passer de 0 à 60 en une seconde : il y a des moments où l'on aspire à une vitesse plus lente, une phrase plus legato, ou simplement une pause et un silence - par exemple, les acrobaties tape-à-l'œil du pas de deux pour les amoureux dans le deuxième acte pourraient être plus prenantes si elles étaient construites de manière plus séduisante.  Quoi qu'il en soit, le casting a toutes les opportunités de montrer leurs tours de bravoure - des dizaines et des dizaines de sauts pour les garçons (James Alexander-Chew vous coupe le souffle), des surprises constantes générées par des angles d'approche sans cesse changeants, et des effets vraiment impressionnants pour les filles.  C'est du bonheur. Damjan Mrackovich avec Kathy Peacock dans Can-Can!. Photo : Scott Rylander La compagnie a certainement été choisie pour sa capacité à rendre justice aux exigences que leur chorégraphe leur impose.  Mais c'est une opérette et ils doivent également chanter, et la musique qu'on leur demande de performer n'est pas facile.  Mélodieuse, oui, mais elle fait beaucoup de demandes vocalement.  La simple vérité est que ce matériel a besoin de voix plus fortes et plus développées.  Ce n'est que dans les numéros choraux, où ils peuvent combiner leurs voix, qu'ils semblent vraiment chez eux.  Ailleurs, dans les numéros individuels, il est parfois alarmant de découvrir à quel point ils sont surchargés par la ligne musicale, les exigences du support, les dangers de l'intonation correcte et de la locution intelligible.  Même dans cet espace réduit, certains peinent à faire porter leur voix par-dessus l'accompagnement d'un seul instrument (MD Rosa Lennox, qui se retrouve souvent elle-même en difficulté avec le petit piano placé sur le côté de la scène : elle semble plus à l'aise avec la clarinette qu'elle joue également).  Les arrangements musicaux sont de Richard Baker et il a fait ce qu'il pouvait pour fusionner les éléments disparates de la palette musicale du spectacle en une 'partition' (y compris plusieurs sections dépendantes de la lecture de sons orchestraux préenregistrés), mais c'est toujours juste une parade de 'meilleurs succès' : sans beaucoup de récitatifs, d'ensembles, de scène, et une dépendance excessive à la simple répétition de refrains, inévitablement, le manque de variété dans la forme crée une uniformité de l'effet qui devient prévisible et épuise progressivement le spectacle de son énergie. Photo : Scott Rylander Cela, encore une fois, n'aide pas le casting à tirer le meilleur parti de l'occasion.  Récemment, à Berlin, une réinvention révolutionnaire de 'L'Auberge du Cheval Blanc' a montré à quel point il est possible de prendre une grande opérette classique et de la refaçonner dans le mode de divertissement contemporain, et - surtout - pour qu'elle s'adapte aux voix et styles d'aujourd'hui.  Avec un casting comme celui-ci, cela aurait pu être une approche plus sensée - et constructive.  Au lieu de cela, Damjan Mrakovich en tant que le rôle principal romantique, Christian Bontoux, doit forcer sa voix à faire des choses pour lesquelles elle n'est clairement pas adaptée ; jouant face à lui, Jane de Kathy Peacock nous offre beaucoup de technique sonore, mais comme il est cruel de la faire débuter avec la mélodie montante et ascendante de Hanna Glawari dans la valse de 'La Veuve Joyeuse', un numéro écrit pour une femme beaucoup plus physiquement mature.  Et ainsi de suite.  Emily Barnett-Salter nous offre une performance débridée en tant que la vulgaire Yvette, mais la musique la pousse à utiliser sa voix d'une manière qui ne peut pas être confortable.  L'acte de drag tapageur de Taylor, Goulue, est un délice - d'une façon un peu 'Cage aux Folles' à petit budget - mais sa musique a besoin d'une redéfinition.  Je pourrais continuer, mais je pense que l'idée est passée. Le casting de Can-Can! Photo : Scott Rylander On retrouve le sourire à chaque fois qu'un numéro de danse arrive, mais les attentes entre temps peuvent être longues.  Pendant ce temps, il vous faut écouter beaucoup de dialogues plutôt guindés.  Certains des acteurs font ce qu'ils peuvent pour renforcer leurs caractérisations, mais le script ne leur rend pas service.  'Trelawny' a été accueilli avec des critiques mitigées à son ouverture et lorsqu'il a été repris depuis, les producteurs ont été prudents pour lui donner un casting de haut vol avec des interprètes qui ont l'expérience et les compétences pour naviguer dans ses nombreuses faiblesses.  Plutôt que de mettre en valeur ce casting travailleur, cependant, un script comme celui-ci ne leur est pas aimable.  C'est merveilleux de voir une telle grande foule danser les numéros spectaculaires, et si seulement le spectacle avait pu prendre cette force comme son signal et se construire davantage autour d'eux.  Les costumes de Penn O'Gara sont élégants, et pourraient être sortis de n'importe quelle galerie d'art impressionniste, mais le metteur en scène semble moins à l'aise avec ce mélange de haute-bourgeoisie et de demi-mondains : trop souvent ils sont laissés à se tenir là, en quête de toute notion de direction, sans vraiment habiter leurs rôles.  Les numéros dansés sont exécutés avec brio, mais le jeu d'acteur est en revanche laissé brut et inachevé.  Finalement, le théâtre concerne la relation entre qui est sur scène et qui est dans le public ; heureusement, l'un des membres de l'équipe créative semble avoir compris cela - sa réussite, cependant, ne sert qu'à mettre en évidence les lacunes dans d'autres départements. Jusqu'au 9 mars 2019

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