CRITIQUE : Can-Can, Union Theatre ✭✭

Photo : Scott Rylander Can-Can!   Union Theatre 2 Étoiles Réserver des billets Pour tous ceux qui espèrent voir le merveilleux musical de Cole Porter sur la vie tumultueuse du Paris de la fin du siècle, ce spectacle sera une déception.  Il n'y a pas une note de sa magnifique musique ici, ni une syllabe de ses paroles spirituelles et élégantes.  À la place, on nous informe par un petit sous-titre que ce sera 'Le Nouveau Musical Offenbach'.  Ainsi, on assiste au théâtre en s'attendant à une sorte de spectacle de répertoire utilisant la musique du légendaire compositeur français d'opérette, probablement mieux connu pour son numéro du même nom tiré de son spectacle le plus populaire, 'Orphée aux Enfers'.  Mais ce n'est pas ça non plus.  Non; à la place, quand vous obtenez un programme, vous découvrez finalement qu'il s'agit en réalité d'une affaire pastiche, rassemblant une collection de chansons par une sélection très large de compositeurs d'opérette, dont la plupart sont américains, autrichiens, britanniques ou tchèques: seulement un quart des morceaux sont d'Offenbach.  Et le manque de lien avec la France ne s'arrête pas là : le 'livret' est bien loin de ce milieu, étant tiré du vieux cheval de bataille de Pinero, 'Trelawny of the Wells', une histoire qui explore le snobisme social britannique dont l'opérette française se moque éperdument.  L'adaptateur, l'indomptable Phil Willmott, est convaincu de sa viabilité, cependant, et il transpose tout simplement l'intrigue et les personnages dans la France de la Troisième République des années 1890.  Eh bien, non; il ne fait pas que cela.  Dans le processus, il enlève également la plupart de la comédie légère de la pièce britannique et la remplace par une atmosphère sombre et plutôt triste, en faisant une parabole amère d'ambition ratée et de préjugés métropolitains, accentuée par la direction rigide de Phil Setren et l'éclairage souvent sombre et menaçant de Matthew Swithinbank.

Grace Manley et James Alexander Chew dans Can-Can! Photo : Scott Rylander\

C'est vraiment dommage, car l'ouverture promet tant.  Mais ensuite, c'est entre les mains d'une intelligence créative totalement différente.  Le travail du chorégraphe, Adam Haigh, est la seule raison pour laquelle vous devriez voir cette production - et je pense que vous devriez, malgré tous ses autres défauts.  Ses mises en scène musicales sont un vrai délice, et le lève-rideau en est un parfait exemple.  Faisant un usage habile de la mise en scène flexible de proscenium sur camion de Justin Williams et Johnny Rust (l'une de leurs meilleures à ce jour), Haigh nous catapulte dans un véritable 'ouragan' d'activité théâtrale qui rappelle les meilleurs travellings de Fellini à son apogée joyeuse et insouciante.  C'est merveilleux de voir la scène vibrer avec un casting relativement grand de 17 personnes, tous soignant méticuleusement les détails et semblant complètement dans leur élément.  Avec une troupe principalement jeune, la plupart débutant leur carrière, c'est exactement ce dont ils ont besoin pour travailler sur des projets de ce genre.  Dès le départ, ils vous séduisent et vous vous attachez à leurs nombreux charmes juvéniles - gentiment adoucis par la présence des plus expérimentés Richard Harfst, PK Taylor, Mark Garfield et Corinna Marlowe.  Si seulement le reste de la production pouvait maintenir cette ambiance.

James Alexander Chew, Emily Barnett Salter, Kathy Peacock, et Kasey Claybourn dans Can-Can! Photo : Scott Rylander

Au lieu de cela, tout repose vraiment sur les numéros de danse pour élever les cœurs.  Et ils réussissent à le faire : Haigh sait vraiment comment marquer ses forces et créer des effets totalement somptueux, un moment nous rappelant 'Gaîté Parisienne' de Massine, et l'instant suivant évoquant les mouvements complexes de Balanchine au sein des groupes, voire même 'Un Américain à Paris' de Gene Kelly - un défi très délicat à relever, et que Haigh réussit ici avec un contrôle véritablement pictural.  C'est une chorégraphie du plus haut niveau, et son final - qui vaut la peine d'être attendu - est un vrai feu d'artifice d'énergie et d'effets explosifs.  Oui, il a tendance à passer de 0 à 60 en une seconde : parfois on aspire à une vitesse plus lente, une phrase plus legato, ou simplement une pause et un peu de calme - par exemple, les acrobaties ostentatoires du pas de deux pour les amoureux dans le deuxième acte seraient peut-être plus captivantes si elles étaient abordées de manière plus séduisante.  Quoi qu'il en soit, le casting obtient toutes les opportunités de montrer leurs prouesses en bravoure - des dizaines et des dizaines de sauts pour les garçons (James Alexander-Chew vous coupe le souffle), des surprises constantes générées par des angles d'approche en constante évolution, et des effets vraiment tape-à-l'œil pour les filles.  C'est le bonheur pur.

Damjan Mrackovich avec Kathy Peacock dans Can-Can!. Photo : Scott Rylander

Le casting a définitivement été choisi pour leur capacité à faire honneur aux exigences de leur chorégraphe.  Mais c'est une opérette et ils doivent aussi chanter, et la musique qu'on leur demande de jouer n'est pas chose facile.  Mélodieuse, oui, mais elle fait beaucoup de demandes à la voix.  La simple vérité est que ce matériel nécessite des voix plus fortes et mieux développées.  Seulement dans les numéros de chœur, où ils peuvent combiner leurs voix, retrouvent-ils une véritable assurance.  Ailleurs, dans les numéros individuels, il est parfois alarmant de découvrir à quel point ils sont surchargés par la ligne musicale, les exigences du soutien, les dangers de l'intonation correcte et de la diction intelligible.  Même dans ce petit espace, certains peinent à projeter leurs voix par-dessus l'accompagnement d'un seul instrument (MD Rosa Lennox, qui elle-même rencontre souvent des difficultés avec le petit piano coincé sur le côté de la scène : elle semble plus à l'aise avec la clarinette qu'elle joue également).  Les arrangements musicaux sont signés Richard Baker et il a fait ce qu'il pouvait pour fusionner les éléments disparates de la palette musicale du spectacle en une 'partition' (incluant plusieurs sections dépendantes de la lecture de sons orchestraux préenregistrés), mais cela reste juste un défilé de 'meilleurs tubes' : sans beaucoup de récitatifs, d'ensemble, de scène, et une dépendance excessive à la simple répétition des refrains, inévitablement, le manque de variété dans la forme crée une uniformité d'effet qui devient prévisible et sape progressivement le spectacle de son énergie.

Photo : Scott Rylander

Cela, encore une fois, n'aide pas le casting à tirer le meilleur parti de l'occasion.  Récemment, à Berlin, une réinvention révolutionnaire de 'L'Auberge du Cheval Blanc' a montré à quel point il est possible de prendre une grande opérette classique et de la refaçonner dans le style de divertissement contemporain, et - surtout - pour qu'elle convienne aux voix et styles d'aujourd'hui.  Avec un casting comme celui-ci, cela aurait peut-être été une approche plus sensée - et constructive.  Au lieu de cela, Damjan Mrakovich dans le rôle principal romantique, Christian Bontoux, doit forcer sa voix à faire des choses auxquelles elle n'est manifestement pas adaptée; jouant en face de lui, Jane de Kathy Peacock offre beaucoup de technique sonore, mais il est cruel de faire ses débuts avec la mélodie montante et ascendante de Hanna Glawari du 'Merry Widow Waltz', un numéro écrit pour une femme définitivement beaucoup plus mature physiquement.  Et ainsi de suite.  Emily Barnett-Salter nous livre une performance débridée en Yvette vulgaire, mais la musique la pousse à forcer sa voix d'une manière qui ne peut être confortable.  Le numéro de drag audacieux de Taylor, Goulue, est un délice - dans un genre de 'Cage aux Folles' de bas étage - mais sa musique nécessite une révision.  Je pourrais continuer, mais je pense que le point a été fait.

La troupe de Can-Can! Photo : Scott Rylander

On se réjouit à chaque fois qu'un numéro de danse apparaît, mais l'attente entre ces moments peut être longue.  Pendant ce temps, vous devez écouter beaucoup de dialogues plutôt guindés.  Certains membres de la troupe font ce qu'ils peuvent pour renforcer leurs caractérisations, mais le script ne leur rend pas vraiment service.  'Trelawny' a ouvert sur des critiques tièdes et lorsqu'il a été repris depuis, les producteurs ont pris soin d'assurer une distribution hautement performante avec des artistes qui ont l'expérience et l'habileté nécessaires pour naviguer à travers ses nombreuses faiblesses.  Plutôt que de mettre en valeur cette troupe qui travaille dur, un script comme celui-ci n'est pas très généreux avec eux.  Il est merveilleux de voir une telle foule danser les grands numéros spectaculaires, et si seulement le spectacle avait pu prendre cette force comme indice et se bâtir davantage autour d'eux.  Les costumes de Penn O'Gara sont élégants, et pourraient provenir de n'importe quelle galerie d'art impressionniste, mais le réalisateur semble moins à l'aise avec ce mélange de haute-bourgeoisie et de demi-mondains : trop souvent, ils sont laissés debout, cherchant désespérément un sens de la direction, n'habitant pas du tout leurs rôles.  Les numéros dansés sont exécutés de manière experte, mais le jeu d'acteur est par contraste laissée brut et inachevé.  En fin de compte, le théâtre concerne la relation entre ceux qui sont sur scène et ceux qui sont dans le public ; heureusement, un des membres de l'équipe créative semble l'avoir compris - sa réalisation, cependant, ne sert qu'à mettre en lumière les déficiences dans d'autres départements.

Jusqu'au 9 mars 2019