RESEÑA: El albergue del caballo blanco, Teatro Renaissance Berlín ✭✭✭✭✭

Julian Eaves reseña The White Horse Inn, actualmente en cartel en el Renaissance Theater de Berlín.

The White Horse Inn (Im Weissen Roessl)Renaissance Theater, Berlín 5 estrellas Reservar entradas Cuando esta opereta grandilocuente (o comedia musical) se estrenó por primera vez en 1930, se convirtió en una sensación internacional.  Se tradujo de inmediato al inglés y se amplió considerablemente con mucho material nuevo; al año siguiente llegó al London Coliseum, donde se mantuvo durante 651 funciones —una temporada larguísima para la época— y ofrecía el hoy inimaginable espectáculo de un reparto de 160 intérpretes, tres bandas y un enorme coro.  Cameron Mackintosh, presumiblemente, aún estará intentando descifrar cómo consiguió además recuperar íntegramente su presupuesto de 60.000 libras antes incluso de estrenarse.  Repleta de melodías espléndidas de Ralph Benatzky, Robert Stolz y Bruno Granichstaedten, con letras cultas y poéticas de Robert Gilbert y un libreto aportado por Hans Mueller-Einigen y Erik Charrell a partir de una obra original de Oscar Blumenthal y Gustav Kadelberg, es un testimonio de colaboración exitosa.  Pero lo último que probablemente habías oído de ella fue cuando aparecía en chistes ocasionales de gente como Hinge and Brackett, como símbolo de todo lo que ya se ha desvanecido en el pasado, objeto de una burla avergonzada. Nada de eso puede prepararte para lo que el emprendedor Renaissance Theater de Berlín ha resucitado.  Sorpresa de la temporada estival del año pasado, regresa este agosto y seguro que vuelve a ser enormemente popular.  Pero en una forma y con un estilo que no podrían estar más lejos de su manifestación original. Con un reparto de solo nueve, el espectáculo empieza tal y como piensa continuar: derribando todas y cada una de las ideas preconcebidas que pudieras haber traído al teatro.  En una especie de crepúsculo sensual, la compañía —con una mezcla de indumentaria austríaca contemporánea y tradicional— se encarama al borde del escenario, con los pies colgando hacia el público, y entrega la melodía más famosa del show, antaño conocida como un vals de brío, como una nana entrecortada y en un susurro.  Una soprano se entusiasma y quiere subir el volumen, pero el resto del conjunto la frena: ese es el primer chiste de la producción —y hay muchos más—, aunque todos persiguen el mismo propósito inteligente: obligarnos a detenernos, escuchar y prestar atención a lo que sucede y a cómo se comporta la gente.  Así, oímos cada palabra del texto finamente trabajado (Hannah Arendt era una gran admiradora de Gilbert, comparándolo nada menos que con Heinrich Heine) y nos vemos impulsados hacia un mundo imaginario exuberante, donde los sueños realmente se hacen realidad.  Y, aun así, es también un mundo en el que debemos ser muy conscientes de nuestra conducta y de cómo nos relacionamos con los demás.  Es un inicio brillante del director Torsten Fisher, el primero de muchos golpes de maestría que convierten esta producción en una de las más sorprendentemente memorables que he visto. Cuando se alza la meticulosa iluminación de Gerhard Littau, vemos no solo el espléndido diseño de Herbert Schaefer y Vasilis Triantafillopoulos del interior de madera de una posada alpina generosamente proporcionada, aunque sencilla y hogareña, sino también a la banda folclórica de cinco músicos en escena que nos llevará por un viaje musical inolvidable: una especie de mini-orquesta con piano, acordeón, viola, armónica (Harry Ermer —también director musical y arreglista—), percusión, dulcémele, flauta (Volker Fry), violonchelo, trompeta (Johannes Severin), violines (Angelika Feckl), con contrabajo y tuba (Otwin Zipp/Dirk Schmigotzki).  En manos de estos intérpretes extraordinarios, la partitura, aunque preserva fielmente las líneas cantadas de las voces de los personajes (y en ocasiones hace referencia a algunos de los numerosos episodios corales de escritura densa, donde la armonía a seis voces era más la norma que la excepción), atraviesa una variedad caleidoscópica de estilos e idiomas musicales, que abarca desde lo himnódico hasta el rap, pasando por el folk, el Schlager, el rock'n'roll y, por supuesto, los ritmos familiares de la opereta austro-germánica. Es un viaje tan vigorizante y emocionante como cualquier caminata por las colinas y montañas del Salzkammergut que rodean el precioso Wolfgangsee, en cuya orilla estrecha se acurrucaba el antaño coqueto «gran hotel» del título, hace tiempo demolido y sustituido por un complejo gigantesco más adecuado para albergar a los miles de visitantes hambrientos de nostalgia que acuden cada verano, entre los cuales me complace poder contarme.  Pero este montaje te permite ver más allá del resplandor del sol sobre las aguas del lago; te permite mirar dentro de los corazones de quienes viven y trabajan aquí, y de quienes solo pasan de camino en sus migraciones estacionales.  Destaca entre ellos el personaje central —y el gran atractivo para cualquiera que quiera ver esta función—: el espantoso Sigismund Suelzheimer, una caricatura grotesca del «spiesser», el berlinés de clase media, que una vez al año quiere escapar de la mugre y la monotonía de la gran ciudad para refugiarse en un idilio rural... con la condición de que todo, y eso significa absolutamente todo, permanezca exactamente como lo tenía en Berlín.  La imposibilidad de hacer realidad esa fantasía es el motor principal que impulsa la comedia de la trama, y resulta enormemente placentero estar en un teatro lleno de berlineses viéndose reflejados en esta figura y riéndose no solo de su importancia desmedida, sino también de la suya propia, y de su terca inflexibilidad.  De hecho, deja de parecer teatro y se convierte más bien en terapia de grupo. En torno a esta personalidad ganadora —dotada de una credibilidad estruendosa en la fulgurante encarnación de Ralph Morgenstern (que lo interpreta como una especie de mezcla entre el rey Lear y Don Pasquale)— gira un sistema de otros fascinantes retratos de personajes.  La dueña del establecimiento, Josepha (Winnie Boewe, una presencia a tener muy en cuenta), está más que dispuesta a mezclar negocios y placer, pero juega con las atenciones de su camarero, Leopold (el hermosísimamente melifluo y atractivo Andreas Bieber), en favor del huésped socialmente superior, el abogado Dr Otto Siedler (el apuesto Tonio Arango), que casualmente representa al padre de... Suelzheimer, quien de inmediato desarrolla interés por la posadera.  El enredo se completa con el afecto naciente del despechado Leopold y Ottilie (la deliciosa soubrette, Annemarie Bruentjen), hija de otro huésped, el industrial Wilhelm Giesecke (una representación aún más grotesca de la cursilería burguesa prusiana, Boris Aljinovic), que a su vez quiere casarla con Suelzheimer, transformando así una rivalidad empresarial en una fusión.  Así queda preparado el escenario para muchas complicaciones románticas, por no hablar de la farsa.  La secuencia narrativa se entrelaza a la perfección con una sucesión de números musicales encantadores y llenos de carácter, a los que la coreografía de Karl Alfred Schreiner se adapta de forma brillante a los patrones cambiantes de sus relaciones y fortunas, y se sincroniza a la perfección con el ritmo ágil con el que Fischer conduce los giros y vueltas de la comedia.  La versátil compañía se completa con otro huésped, el profesor Hinzelmann (Walter Kreye), Klaerchen, su hija (Nadine Schori), y la maravilla del yodel que es Angelika Milster (en una variedad de papeles). Tampoco hace falta hablar alemán con fluidez para seguir todo esto: se proyectan sobretítulos en inglés para que todos los vean, aunque tendrás que leer rápido: el diálogo va a toda pastilla y está cargado de chistes.  Incluso hay una misteriosa aparición del antiguo emperador y rey austrohúngaro, el archiduque Franz-Joseph II.  Su «manifestación» adquiere un aire casi místico, una aparición de una época ya pasada, casi un deus ex machina que llega para arreglar la trama y hacer posible un final feliz.  Nos vuelve a recordar aquel inicio en penumbra: aquí, en Wolfgangsee, nos tambaleamos al borde de este mundo y de otro, un mundo de felicidad pura, donde perdemos el corazón y que —una vez nos marchamos— nos echa de menos con un amargo y dulce dolor de separación compartido.  Casi como el propio acto del coito, la tristeza al terminar las vacaciones solo sirve para intensificar nuestra deliciosa apreciación de sus alegrías y refuerza nuestro deseo de repetir la experiencia.  ¡El próximo verano!

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