CRITIQUE : L'Auberge du Cheval Blanc, Théâtre de la Renaissance Berlin ✭✭✭✭✭

Théâtre de la Renaissance, Berlin 5 Étoiles Réserver des Billets

Quand cette opérette grandiloquente (ou comédie musicale) est apparue pour la première fois en 1930, elle est devenue une sensation internationale. Immédiatement traduite en anglais et largement enrichie avec de nombreux nouveaux matériaux, elle a été jouée au London Coliseum l'année suivante, où elle est restée pendant 651 représentations - une longue série à l'époque - et offrait l'unique spectacle, maintenant inimaginable, d'un casting de 160 personnes, trois orchestres et un énorme chœur. Cameron Macintosh essaie probablement encore de comprendre comment elle a également réussi à rentabiliser son budget de 60 000 £ avant même de commencer. Bourrée de magnifiques airs de Ralph Benatzky, Robert Stolz et Bruno Granichstaedten, avec des paroles littéraires et poétiques de Robert Gilbert et un livret fourni par Hans Mueller-Einigen et Erik Charrell à partir d'une pièce originale par Oscar Blumenthal et Gustav Kadelberg, c'est un témoignage de collaboration réussie. Mais la dernière fois que vous en avez probablement entendu parler, c'est quand elle apparaissait dans des blagues occasionnelles par des gens comme Hinge et Brackett, comme un symbole de tout ce qui a maintenant disparu dans le passé, un objet de ridicule gênant. Rien de tout cela ne pouvait vous préparer à ce que le théâtre entreprenant de la Renaissance de Berlin a ressuscité. Le succès surprise de la saison estivale de l'année dernière, elle revient cet août et est sûr de redevenir extrêmement populaire. Mais d'une manière et forme qui ne pourraient pas être plus éloignées de sa manifestation originale. Avec un casting de seulement neuf personnes, le spectacle commence comme il entend continuer, en renversant chaque préconception que vous auriez pu apporter avec vous au théâtre. Dans une sorte de crépuscule sulfureux, la compagnie - dans un mélange de tenues contemporaines et traditionnelles autrichiennes - est perchée sur le bord de la scène, les pieds pendant vers le public, et délivre le plus célèbre air du spectacle, autrefois connu comme une valse tapageuse, comme une berceuse haletante et chuchotée. Une soprano s'excite et veut monter le volume, mais le reste de l'ensemble la freine : c'est la première blague de la production - et il y en a beaucoup d'autres à suivre - mais elles servent toutes le même but réfléchi : nous faire arrêter, écouter et prêter attention à ce qui se passe et comment les gens se comportent. De cette façon, nous entendons chaque mot du texte finement travaillé (Hannah Arendt était une grande admiratrice de Gilbert, le comparant à nul autre qu'Heinrich Heine), et nous sommes propulsés dans un monde luxuriant de l'imagination, où les rêves deviennent vraiment réalité. Pourtant, c'est aussi un monde où nous devons être très attentifs à notre conduite et à nos interactions les uns avec les autres. C'est une ouverture brillante du metteur en scène Torsten Fisher, le premier de nombreux coups de maître qui font de cette production l'une des plus remarquablement mémorables que j'ai vues. Alors que l'éclairage méticuleux de Gerhard Littau s'allume, nous voyons non seulement le design impressionnant en bois de l'intérieur d'une auberge alpine généreusement proportionnée mais encore simple et accueillante par Herbert Schaefer et Vasilis Triantafillopoulos, mais aussi le groupe folklorique de cinq musiciens sur scène qui nous emmènera dans un voyage musical inoubliable : c'est une sorte de mini-orchestre comprenant piano, accordéon, alto, harmonica (Harry Ermer - également directeur musical et arrangeur), percussion, cymbalum, flûte (Volker Fry), violoncelle, trompette (Johannes Severin), violons (Angelika Feckl), avec contrebasse et tuba (Otwin Zipp/Dirk Schmigotzki). Entre les mains de ces musiciens remarquables, la partition, tout en préservant fidèlement les lignes chantées des personnages (et en référencant occasionnellement certains des nombreux épisodes choraux densément orchestrés, où l'harmonisation à six voix était plus la règle que l'exception), passe à travers une variété kaléidoscopique de styles et idiomes musicaux, comprenant tout, du chant religieux au rap, en passant par le folk, le Schlager, le rock'n'roll et, bien sûr, les rythmes familiers de l'opérette austro-germanique. C'est un voyage aussi vivifiant et stimulant que n'importe quelle randonnée dans les collines et montagnes du Salzkammergut qui entourent le joli petit Wolfgangsee, contre le rivage surpeuplé duquel est niché le 'grand hôtel' d'autrefois, maintenant démoli depuis longtemps et remplacé par un bâtiment gargantuesque mieux adapté à contenir les milliers de visiteurs nostalgiques qui s'y pressent chaque été, et parmi lesquels je me fais un plaisir de m'y compter. Mais ce spectacle vous permet de voir au-delà de l'éblouissement du soleil sur les eaux du lac ; il vous permet de voir dans les cœurs de ceux qui vivent et travaillent ici, et de ceux qui ne font que passer lors de leurs migrations saisonnières. Exceptionnel parmi ces derniers est le personnage central - et l'attrait principal pour quiconque souhaitant voir ce spectacle - le terrible Sigismond Suelzheimer, une caricature grotesque du Berliner de la classe moyenne 'spiesser', qui une fois par an souhaite échapper à la saleté et à la morosité de la grande ville et s'évader dans un idyllique rural... à condition que tout, absolument tout, reste exactement tel qu'il l'était à Berlin. L'impossibilité pour lui de réaliser ce fantasme est le moteur principal de la comédie du récit, et c'est un grand plaisir de s'asseoir dans un théâtre rempli de Berlinois se voyant incarnés par ce personnage et riant non seulement de son importance personnelle mais aussi de leur propre importance personnelle et leur inflexibilité obstinée. En fait, cela cesse d'être du théâtre et devient plus comme une thérapie de groupe. Autour de cette personnalité gagnante - incarnée avec une crédibilité retentissante par Ralph Morgenstern (qui le joue comme un mélange de Roi Lear et Don Pasquale) - tourne un système d'autres portraits de personnages fascinants. La maîtresse de l'établissement, Josepha (Winnie Boewe, une présence avec laquelle il faut compter), est bien trop prête à mélanger affaires et plaisir, mais fait tourner les attentions de son serveur de table, Leopold (le superbe et charmant Andreas Bieber), en faveur de l'invité socialement supérieur, l'avocat, Dr Otto Siedler (le séduisant Tonio Arango), qui se trouve représenter le père de... Suelzheimer, qui développe rapidement un intérêt pour la patronne elle-même. Le tourbillon est complété par l'affection naissante de Leopold et Ottilie (la délicieuse soubrette, Annemarie Bruentjen), la fille d'un autre invité, le propriétaire d'usine Wilhelm Giesecke (une représentation encore plus grotesque de la prétention bourgeoise prussienne, Boris Aljinovic), qui à son tour souhaite la marier à Suelzheimer, transformant ainsi une rivalité commerciale en fusion. La scène est donc prête pour de nombreuses complications romantiques, pour ne pas dire la farce. La séquence du récit est parfaitement entremêlée avec une succession de numéros musicaux charmants et merveilleusement caractérisés, auxquels la chorégraphie de Karl Alfred Schreiner est brillamment adaptée aux schémas changeants de leurs liaisons et fortunes et parfaitement synchronisée avec le rythme habile de Fischer dans les rebondissements de la comédie. La troupe polyvalente est complétée par un autre invité, le Professeur Hinzelmann (Walter Kreye), Klaerchen, sa fille (Nadine Schori), et la merveille du yodel qu'est Angelika Milster (dans une variété de rôles). Vous n'avez pas besoin de parler couramment l'allemand pour suivre tout cela non plus : des surtitres en anglais sont projetés pour que tous puissent les voir, bien qu'il vous faille être rapide pour les lire : le dialogue vient vite et furieux, et est plein de blagues. Il y a même l'apparition mystérieuse de l'ancien empereur et roi austro-hongrois, l'archiduc François-Joseph II. Sa 'manifestation' prend une aura presque mystique, une apparition d'une époque révolue, presque un deus ex machina qui arrive pour résoudre l'intrigue et rendre possible une fin heureuse. Cela nous rappelle à nouveau de nous rappeler cet inquiétant début : nous basculons ici à Wolfgangsee sur le bord de ce monde et d'un autre, un monde de bonheur pur, où nous perdons nos cœurs, et qui - une fois que nous partons - nous manque dans une douleur mutuelle et douce-amère de séparation. Un peu comme l'acte de coïte lui-même, la tristesse à l'achèvement de nos vacances ne fait qu'intensifier notre délicieuse appréciation de ses joies et renforce notre désir de répéter l'expérience. Rendez-vous l'été prochain!