REZENSION: Drei Schwestern, National Theatre London ✭✭✭✭✭

Julian Eaves rezensiert Anton Tschechows „Drei Schwestern“, derzeit im Lyttleton Theatre des National Theatre London zu sehen.

Sarah Niles, Rachael Ofori und Natalie Simpson in „Drei Schwestern“. Foto: The Other Richard Drei Schwestern

National Theatre (Lyttleton),

5 Sterne

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Das ist eine dieser herrlichen Inszenierungen, in denen ganz unterschiedliche Energien gleichzeitig zusammenfinden und im Theater ein wirklich besonderes Erlebnis schaffen.  Hier bekommt Anton Tschechows Dauerbrenner über Geschwisterschicksale ein willkommenes Make-over: mit afrikanischer Ästhetik, verlegt ins Nigeria der Zeit nach der Unabhängigkeit – und in den Schatten des Biafra-Kriegs (Biafra war der Name eines Landesteils, der sich aus der Föderation abspaltete, bevor er blutig in den von Lagos dominierten Staatsverband zurückgezwungen wurde).  Durch den Filter von Chinua Achebes „Things Fall Apart“ – einem Roman über diesen Konflikt, der kürzlich verfilmt wurde – erkennt der nigerianische Dramatiker Inua Ellams zahllose Parallelen zwischen Tschechows verblassenden, provinziellen bürgerlichen Müßiggängern und seinen behaglichen, aber fehlgeleiteten afrikanischen Rebellen.  Doch auch wenn das, was wir hier sehen, der Handlung des russischen Dramas ähnelt, verleiht der nationale Riss, der ihre Welt auseinanderbricht, diesen Figuren eine epische Größe, die dem Original fehlt.  Tatsächlich befinden wir uns oft in einer Welt, die eher an „Vom Winde verweht“ erinnert als an „Onkel Wanja“ oder „Der Kirschgarten“.

Anni Domingo und Sarah Niles. Foto: The Other Richard

Das gilt auch für Ellams’ beschwingte Entscheidung, insbesondere die erste Hälfte tonal aufzuhellen: Sie wird stellenweise beinahe frivol-leicht und erinnert an eine quirlige TV-Soap (so etwas wie „Brothers and Sisters“?), oder an Margaret Mitchells verwöhnte Südstaaten-Gentry, bevor ihre Zivilisation hinweggefegt wird.  Verstärkt wird das durch die kraftvolle, dynamische Handschrift von Regisseurin Nadia Fall: Wer sich an ihr grandioses „Dara“ im selben Haus erinnert, wird ihre Fähigkeit genießen – hier noch ausgeprägter –, große erzählerische Bögen mit der präzisen Untersuchung von Geschlechter- und Machtverhältnissen zu verbinden und – ganz besonders – die Auswirkungen der Ehe auf Männer und Frauen herauszuarbeiten.  Sie verschiebt den Fokus stetig und treffsicher zwischen dem Privaten und dem Staatstragenden und liefert uns eine philosophische Geschichtsdeutung, die auf komplexen, subtilen zwischenmenschlichen Verflechtungen beruht.

Ken Nwosu und Natalie Simpson. Foto: The Other Richard

Nirgendwo wird das so eindringlich spürbar wie in den Leistungen der zentralen Figuren.  Sarah Niles ist als älteste Tochter Lolo stark, entschlossen, mitfühlend und warmherzig – sie bleibt ungebunden, abgesehen von den Kindern, die sie an ihrer Schule unterrichtet, und ist vielleicht das Nächste, was wir an einer „autorialen Stimme“ bekommen; ihre redselige jüngere Schwester Udo wird von der intensiveren, zielstrebigeren Racheal Ofori gespielt, und schließlich Natalie Simpson als die schweigsame und doch leidenschaftliche Nne Chukwu.  Doch während diese drei den größten Teil des Textes tragen, vollzieht sich die aufregendste theatralische Entwicklung in Ronke Adekoluejos Abosede, deren brillant listige Ausnutzung jeder Situation sie unaufhaltsam in eine Position absoluter Macht und Autorität über die Familie aufsteigen lässt.  Entscheidend für ihren Erfolg ist ihr Verständnis dafür, wie sie die Männer um sich herum einsetzen muss, um zu bekommen, was sie will: Tobi Bamtefas Dimgba – der idealistische, aber haltlose Bruder, der die Familie in die Auflösung treibt – wird von ihr mühelos ausgespielt, bevor sie sich dem größeren Fang zuwendet: dem nie auftretenden, aber stets präsenten Benedict Uzoma, der sie „auskauft“ und ganz offensichtlich ihr nächstes Ziel ist.

Das Ensemble von „Drei Schwestern“. Foto: The Other Richard

In dieses einfache und doch hoch aufgeladene Szenario ist ein ausgedehnter, bisweilen recht shavianischer Diskurs über Staatlichkeit, Politik, Geld und – immer wieder – Kolonialismus eingewoben.  Wie in „Death and the King’s Horseman“, das vor ein paar Jahren in diesem Theater zu sehen war, liegt der Schatten Großbritanniens schwer über Nigeria – auf der Jagd nach Beute.  Am Ende wird hier, wie Sule Rimis Oyinyechukwu im bitterwütenden Schluss des Dramas unmissverständlich klarmacht, von den neuen Machthabern des wieder „befriedeten“ Landes darauf bestanden, ein anglozentrisches Bildungssystem fortzuschreiben, in dem nigerianischen Kindern zum Beispiel beigebracht werden muss, der britische Entdecker des frühen 19. Jahrhunderts, Mungo Park, habe die Quelle des Niger „entdeckt“.  Diese Sicht wird Lolo – inzwischen zur Schulleiterin der örtlichen Schule aufgestiegen – aufgezwungen, um ihre Ohnmacht gegenüber dem siegreichen staatlichen Zugriff zu unterstreichen; der Schmerz darüber macht ihre Tragödie, die Tragödie dieser Familie, zur Tragödie Afrikas selbst.  Kein Wunder, dass das Publikum am Ende geschlossen aufstand, um die Wucht der Botschaft zu würdigen – und zu begrüßen, dass sie eine so exquisit schöne und unvergessliche Form gefunden hat.

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