CRÍTICA: C-O-N-T-A-C-T, Clapham Common ✭✭✭✭✭

Julian Eaves analisa C-O-N-T-A-C-T, um novo espetáculo imersivo apresentado ao ar livre em locais de Londres que parece ser o entretenimento perfeito na era do distanciamento social.

C-O-N-T-A-C-T

Clapham Common (e também Greenwich, Monument)

Sábado, 5 de setembro, 19h30

5 estrelas

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É difícil encontrar teatro mais “nouvelle vague” do que isto.  C-o-n-t-a-c-t é uma nova peça francesa de Eric Chantelauze, baseada numa ideia original de Gabrielle Jourdain, aqui apresentada numa versão em inglês habilmente escrita por Quentin Bruno, explorando os meandros (sobretudo os “foras”) da “l’époque corona”, num mosaico cinematográfico e fluido de impressões recolhidas a partir de duas personagens — “a mulher”, “o homem” — que seguimos num percurso pedonal incrivelmente denso e rico, com 50 minutos de duração.

Enquanto se movem e gesticulam em silêncio pelos espaços abertos da cidade, ouvimos os seus pensamentos e conversas — e uma banda sonora envolvente, com um swoosh constante, de Cyril Barbessol — através de auscultadores ligados aos nossos telemóveis.  Sim, é verdade: como sempre suspeitámos, os smartphones servem mesmo para espiar quem passa!  Mas, neste caso, a vigilância discreta revela uma colcha de retalhos bastante glamorosa de divagações e derivações filosóficas, elegantemente ditas num ambiente sonoro pré-gravado.

Em contraste, o ambiente real de Londres — zumbindo e em ebulição — irrompe espontânea e incontrolavelmente por entre, à volta e sobre os nossos valentes intérpretes, tornando-se uma parte irrepetível deste conjunto notável.  Assim, cada sessão é, ainda mais do que o habitual, um acontecimento completamente único.

No sábado à noite, assisti em Clapham Common: o parque estava cheio de um grande caleidoscópio de vida metropolitana, que forneceu uma elaboração cinematográfica das tribulações emocionais de “a mulher” e do seu extraordinário interlocutor — com uma poignância acrescida por acontecer precisamente naquele momento de crepúsculo em que o dia cede lugar à noite.  As produtoras Katy Lipson e Mathilde Moulin dificilmente poderiam ter encontrado uma investida mais impressionante contra o silenciamento dos teatros do mundo do que este fascinante “événement” lapidar — ou teatro a dissolver-se quase até ao ponto de invisibilidade na Multidão, ou teatro a marcar o mundo de Londres e a transformá-lo no seu palco.

Elenco de C-O-N-T-A-C-T. Foto: Pamela Raith

O conceito e a encenação partem de Samuel Sene, com assistência de Bronagh Lagan.  A forma como usam os espaços “reais” do parque é verdadeiramente magistral, embora — claro — dependa totalmente de que partes estejam, nessa noite, livres.  Percorremos um trajeto entre inúmeras dezenas de outros frequentadores do common, incluindo skaters e pessoas a fazer churrascos, grupos em piquenique com garrafas de vinho e passeadores de cães: repetidas vezes, indivíduos ou grupos da cena de Clapham cruzaram a área de representação, resultando em interações bizarras e surreais — de facto, durante bastante tempo, acabámos todos a ser filmados para uma reportagem de podcast sobre a vida local “à medida que acontece”.  Ou seja: este é o tipo de experiência impossível de recriar num edifício fechado e controlado.

Ainda assim, levem roupa bem quente.  As noites de setembro estão a arrefecer, e ser-nos pedido que permaneçamos relativamente imóveis durante grande parte da hora exige agasalho: mesmo assim, que alegria sentir-se a pisar “feuilles mortes” sob os pés enquanto passávamos de uma pequena vinheta para a seguinte.  Na verdade, há uma majestade poética nesta representação viva que é absolutamente maravilhosa.  É possivelmente transcendental, elevando a alma para fora das preocupações do dia a dia que a sufocam e erguendo-a para ser iluminada e honrada pelo espírito da investigação artística.  Assim, à nossa volta no parque, a estatuária e a arquitetura do Pavement de Clapham e o desenho paisagístico do parque “tornaram-se” parte do “cenário”; até a luz projetada por um único candeeiro de rua sobre os dois intérpretes parecia tão completamente adequada e certa para o momento.  E a conclusão da peça, tão brilhantemente conduzida nesta produção, usa a perspetiva, as caminhadas e a chegada da noite de uma forma que remata a história com elegância — sem qualquer preciosismo ou autoconsciência.

Há, além disso, três locais diferentes onde se pode vivenciar isto.  E em cada um vêem-se elencos diferentes.  Para registo, temos: Charles Angiama, Louis Bernard, Chloe Gentles, Max Gold, Richard Heap, Aoife Kennan, Katja Quist e Laura White.  Eu vi Richard Heap e Katja Quist: no ponto de encontro, o nosso “handler” instruiu-nos a seguir a Katja (no papel de Sarah), quase como jornalistas voyeuristas a perseguirem uma Alice dos nossos dias; entretanto, Richard infiltrou-se sorrateiramente como “um dos espectadores”, antes de sair das nossas fileiras para abordar Katja num banco de jardim, num dos muitos momentos cheios de frisson da história.  As vozes dos dois equilibravam-se lindamente, com o realismo vivo de Katja a contrastar com o barítono maravilhosamente ressonante de Richard.

Apenas 15 bilhetes para o “público” estão disponíveis em cada uma das três sessões diárias; e, embora a companhia faça um esforço considerável para nos aconselhar a manter o distanciamento social, caberá aos espectadores avaliar se consideram que as pessoas nos espaços abertos da capital estão, de facto, a cumprir algo do género.

Portanto, a pergunta essencial é: como é que isto nos deixa a sentir no fim?  Eu senti-me muito melhor.  E, talvez seja relevante: no dia anterior tinha recebido notícias particularmente angustiantes sobre um grande amigo (não relacionadas com a covid), mas, quando cheguei ao final destes 50 minutos espantosamente expansivos, senti-me renovado, revigorado e pronto para enfrentar o que quer que a vida me trouxesse.  É disto que o teatro se trata.

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