REZENSION: C-O-N-T-A-C-T, Clapham Common ✭✭✭✭✭

Julian Eaves bespricht C-O-N-T-A-C-T, eine neue immersive Outdoor-Produktion an verschiedenen Orten in London, die in Zeiten von Social Distancing geradezu die perfekte Unterhaltung zu sein scheint.

C-O-N-T-A-C-T

Clapham Common (außerdem Greenwich, Monument)

Samstag, 5. September, 19:30 Uhr

5 Sterne

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Viel „Nouvelle Vague“ geht im Theater kaum.  C-o-n-t-a-c-t ist ein neues französisches Stück von Eric Chantelauze, basierend auf einer Originalidee von Gabrielle Jourdain, hier in einer pfiffig geschriebenen englischsprachigen Fassung von Quentin Bruno, das die Höhen und Tiefen (meist Tiefen) der „l’époque corona“ auslotet – in einer gleitenden, filmischen Collage aus Eindrücken zweier Figuren, „die Frau“ und „der Mann“, denen wir in einem unglaublich dicht gepackten, reichen 50-minütigen Promenade-Parcours folgen.

Während sie sich schweigend durch die offenen Räume der Stadt bewegen und gestikulieren, hören wir ihre Gedanken und Gespräche mit – sowie einen begleitenden, swooshenden Soundtrack von Cyril Barbessol – über Kopfhörer, die mit unseren Mobiltelefonen verbunden sind.  Ja, es stimmt: Wie wir immer vermutet haben, sind Smartphones tatsächlich dazu da, Passant*innen auszuspionieren!  Doch hier bringt das unaufdringliche Mithören eine ziemlich glamouröse Patchworkdecke philosophischer Gedankengänge und Abschweifungen zutage, elegant gesprochen in einer vorab aufgenommenen Klanglandschaft.

Dagegen flackert und schießt die summende, aufwühlende reale Umgebung Londons spontan und unkontrollierbar durch, um und zwischen unsere beherzten Spieler*innen – und wird so zu einem nie wiederholbaren Teil des bemerkenswerten Ganzen.  Dadurch ist jede Vorstellung, mehr noch als sonst, ein vollkommen einzigartiges Ereignis.

Am Samstagabend war ich in Clapham Common: Der Park war erfüllt von einem großen Kaleidoskop metropolitanen Lebens, das die emotionalen Turbulenzen der „Frau“ und ihres außergewöhnlichen Gegenübers wie ein Film ausdeutete – zusätzlich zugespitzt durch jenen Moment der Dämmerung, in dem der Tag der Nacht weicht.  Die Produzentinnen Katy Lipson und Mathilde Moulin hätten kaum eine beeindruckendere Breitseite gegen das Verstummen der Theater der Welt abfeuern können als dieses faszinierende, lapidare „événement“ – entweder Theater, das sich fast bis zur Unsichtbarkeit in der Menge auflöst, oder Theater, das der ganzen Welt Londons seinen Stempel aufdrückt und sie zur Bühne macht.

Die Besetzung von C-O-N-T-A-C-T. Foto: Pamela Raith

Konzept und Regie stammen von Samuel Sene, unterstützt von Bronagh Lagan.  Ihr Umgang mit den „realen“ Räumen des Parks ist wirklich meisterhaft – wobei er natürlich ganz davon abhängt, welche Bereiche an dem jeweiligen Abend gerade frei sind.  Wir bahnten uns einen Weg zwischen unzähligen anderen Besucher*innen, darunter Skateboarder und Grillende, Picknickgruppen mit Weinflaschen und Hundespaziergänger*innen: Immer wieder kreuzten Einzelne oder Grüppchen aus der Clapham-Szene die Spielfläche, was zu bizarren, surrealen Interaktionen führte – tatsächlich wurden wir eine ganze Weile lang für einen Podcast-Beitrag über das lokale Leben „in Echtzeit“ gefilmt.  Ich meine: So etwas lässt sich in einem geschlossenen, kontrollierten Gebäude schlicht nicht nachstellen.

Zieht euch allerdings warm an.  Die Septemberabende werden kürzer, und für einen Großteil der Stunde einigermaßen stillstehen zu sollen, verlangt nach Isolation; dennoch – was für eine Freude, die „feuilles mortes“ unter den Füßen zu zertrampeln, während wir von einer kleinen Vignette zur nächsten überleiteten.  Tatsächlich liegt in dieser lebendigen Theateraufführung eine poetische Majestät, die ganz wunderbar ist.  Möglicherweise hat sie etwas Transzendentes: Sie hebt die Seele aus den alltäglichen Sorgen, die sie ersticken, und erhebt sie, damit sie vom Geist künstlerischer Erkundung erhellt und geehrt wird.  So wurden um uns herum im Park die Statuen und die Architektur von Claphams Pavement sowie die Parkgestaltung Teil des „Bühnenbilds“; selbst das Licht einer einzelnen Straßenlaterne, das auf unsere beiden Darsteller*innen fiel, schien für diesen Moment vollkommen passend und richtig.  Und das Ende des Stücks – in dieser Produktion so brillant umgesetzt – nutzt Perspektive, Wege und das Hereinbrechen der Nacht auf eine Weise, die die Geschichte sauber abrundet: elegant, ohne auch nur im Geringsten pingelig oder selbstverliebt zu wirken.

Außerdem gibt es drei verschiedene Orte, an denen man das erleben kann.  Und dort sind jeweils unterschiedliche Ensembles zu sehen.  Der Vollständigkeit halber: Charles Angiama, Louis Bernard, Chloe Gentles, Max Gold, Richard Heap, Aoife Kennan, Katja Quist und Laura White.  Ich sah Richard Heap und Katja Quist: Am Treffpunkt wies uns unser „Handler“ an, Katja (in der Rolle der Sarah) zu folgen – wie voyeuristische Journalist*innen, die einer Alice der Gegenwart hinterherjagen; währenddessen schlich sich Richard als „einer aus dem Publikum“ ein, bevor er aus unseren Reihen heraustrat, um Katja auf einer Parkbank anzusprechen – einer von vielen Momenten der Geschichte, die einen wohlig frösteln lassen.  Ihre Stimmen balancierten einander wunderschön aus: Katjas spritziger Realismus im Kontrast zu Richards herrlich resonantem Bariton.

Für das „Publikum“ sind pro Vorstellung an jedem der drei Spieltermine am Tag nur 15 Tickets erhältlich; und auch wenn die Compagnie sich sehr bemüht, uns zum Einhalten von Abstand anzuhalten, müssen Besucher*innen selbst einschätzen, ob sie glauben, dass die Menschen in den offenen Räumen der Hauptstadt sich tatsächlich an so etwas halten.

Und damit zur entscheidenden Frage: Wie fühlt man sich am Ende?  Ich fühlte mich deutlich besser.  Und das könnte relevant sein: Am Tag zuvor hatte ich eine besonders erschütternde Nachricht über einen lieben Freund erhalten (nicht corona-bedingt) – doch als diese erstaunlich weite, 50-minütige Reise zu Ende war, fühlte ich mich erneuert, belebt und bereit, allem zu begegnen, was das Leben mir vor die Füße werfen würde.  Darum geht es im Theater.

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