CRÍTICA: O Cardeal, Southwark Playhouse ✭✭✭

Stephen Boxer e Natalie Simpson em The Cardinal. The Cardinal

Southwark Playhouse,

Sexta-feira, 28 de abril de 2017

3 estrelas

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Nos últimos anos, neste nosso fin-de-royaume, tem-se sentido uma espécie de renascimento do apetite do público por dramas lúgubres, sangrentos, cínicos e pessimistas dos períodos jacobino e carolino. Hoje, as plateias acorrem a Webster, Ford e companhia, deliciando-se com os seus retratos sem complacência de amorais disfuncionais presos em relações sombrias e egoístas de destruição mútua garantida. Tire daí as conclusões que quiser. Mas, caso temesse que as direções artísticas ficassem sem material desse género para servir aos seus ávidos espectadores, pode ficar descansado: há muito mais de onde isso veio.

E aqui, nesta sempre empreendedora estufa dramática de Newington Causeway, há mais um nome a acrescentar à lista ilustre dos tragediógrafos de vingança: James Shirley, cujo The Cardinal recebe uma bela reposição no espaço Little. Foi praticamente o último suspiro desta moda escabrosa. Estreada em 1641, a peça oscila à beira do vulcão que rebentaria no ano seguinte com o início das Guerras Civis Inglesas entre o Parlamento e a Coroa. E mais: a orientação cripto-católica do autor é insinuada, de forma ambígua, por todo este retrato das maquinações maquiavélicas de uma eminência (gris) da Igreja de Roma, então contemporânea, em Espanha.

Rosie Wyatt, Natalie Simpson e Sophia Carr-Gomm em The Cardinal

O encenador Justin Audibert reuniu um elenco numeroso, de 11 atores, para encher esta sala acolhedora — e escolheu só do melhor: gente formada na RSC, no National e noutras grandes casas. A verdade é que são um regalo. Stephen Boxer, no papel-título, diverte-se à grande com a sua magnífica interpretação de um cortesão de Deus. Natalie Simpson é a viúva fatal, Duquesa Rosaura — ao mesmo tempo tonta e sedutora. As opções triangulares para segundo marido são o romanticamente condenado Alvarez (Marcus Griffiths) e o seu Columbo (Jay Sieghal), um assassino mandão à la Bosola. Timothy Speyer cumpre com competência, “de olho no texto”, como Antonio, tentando impor o máximo de ordem possível na “animada” casa de Sua Graça, e Ashley Cook oferece um desempenho muito agradável como um sonhador e desligado Rei de Navarra (qualquer semelhança com o então soberano britânico foi, tenho a certeza, totalmente deliberada e com recado).

Este é um período fascinante nas artes e letras inglesas. O teatro estava prestes a lançar-se como um órgão de comentário público e, na verdade, de crítica social. Não admira que Cromwell não tenha perdido tempo a fechá-lo assim que chegou ao poder (embora, naturalmente, como todos os estraga-prazeres poderosos, continuasse a apreciar espetáculos privados montados para seu benefício particular). Mas, uma vez ele e o seu sistema fora de cena, os teatros reabriram e instalou-se o caos: uma revolução na liberdade de expressão como nunca se vira. Esta peça coloca-nos nesse momento de pressão contida, quando escritores como Shirley (aqui no fim da carreira) puxavam contra as rédeas da convenção, ansiando por se libertar. O enredo, firmemente argumentado e depurado, com foco quase ininterrupto na ação central, também nos encaminha para a urgência intensa da Restauração que estava prestes a chegar. Do mesmo modo, ele evita os grandes discursos e os voos poéticos do teatro épico, preferindo situar as personagens em interações mais domésticas, privadas e simples.

Marcus Griffiths e Natalie Simpson em The Cardinal

Ainda assim, a linguagem que escreve é também fortemente influenciada pelo hábito, então em voga, de tomar emprestado de outras fontes. Versos e, por vezes, blocos inteiros de diálogo são retirados de inúmeras outras peças. Assim, temos um casal de amantes a concordar num plano de assassinato e, de repente, ouvimo-los dizer as palavras de Beatrice e Benedick a declararem simultaneamente o seu amor em Much Ado About Nothing, enquanto concordam em matar Claudio. Faz sentido. Mas hoje pode soar estranho — isto é, se estivermos atentos às referências. Muito, claro, passa simplesmente ao lado do espectador médio, que não costuma nadar nestas águas. Nesse caso, não incomodará.

O palco atarefado não deixa grande margem para adornos, e Anna Reid mantém o desenho simples — um único turíbulo, um único degrau, uma única parede cinzenta, lajes cinzentas do tamanho de uma catedral — e Peter Harrison ilumina tudo sem floreados. Os figurinos (sob supervisão de Ellen Ray de Castro) são elegantes, e o som de Max Pappenheim faz-nos pensar, com inteligência, que estamos num espaço enorme e reverberante, antes de reduzir a escala da produção para uma dimensão mais íntima. As lutas de Bret Yount são magníficas, incluindo alguma esgrima verdadeiramente vistosa no segundo ato.

Talvez James Shirley não seja um dos maiores dramaturgos de sempre a animar os palcos deste país, mas está longe de ser dos piores — e este é, provavelmente, o seu melhor trabalho. Regressa até nós numa altura de dúvida nacional comparável, em certos aspetos, à época em que nasceu. E, na sua estranha metáfora de poderes temporais e espirituais, talvez ainda tenha algo de interessante para nos dizer. Pelo menos as últimas falas — espere até as ouvir — vão fazê-lo sair do teatro convencido de que sim.

Foto: Mitzi de Margary

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