KRITIK: Der Kardinal, Southwark Playhouse ✭✭✭

Stephen Boxer und Natalie Simpson in The Cardinal. The Cardinal

Southwark Playhouse,

Freitag, 28. April 2017

3 Sterne

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In den letzten fin-de-royaume-Jahren ist so etwas wie eine Wiederbelebung des öffentlichen Appetits auf die düsteren, blutigen, zynischen, pessimistischen Dramen der jakobinischen und karolinischen Zeit zu beobachten. Das Publikum strömt heute zu Webster, Ford und Konsorten und genießt ihre knallharten Porträts von dysfunktionalen Amoralisten, gefangen in unerquicklich selbstsüchtigen Beziehungen gegenseitig garantierter Zerstörung. Mach daraus, was du willst. Aber falls du dir Sorgen gemacht hast, die Theaterleitungen könnten irgendwann keine solche Kost mehr für ihr begeistertes Publikum auftreiben: Keine Angst – da ist noch reichlich Nachschub.

Und hier, in dem stets umtriebigen dramatischen Treibhaus an der Newington Causeway, kommt ein weiterer Name auf die berühmte Liste der Rachetragödiendichter: James Shirley, dessen „The Cardinal“ im Little Space eine schöne Wiederaufnahme erlebt. Es war so ziemlich das letzte Aufbäumen dieser grellen Mode. 1641 entstanden, steht das Stück bereits am Rand des Vulkans, der im folgenden Jahr mit dem Ausbruch der Englischen Bürgerkriege zwischen Parlament und Krone explodieren sollte. Und nicht nur das: Die kryptokatholische Ausrichtung des Autors wird überall vieldeutig angedeutet – in diesem Schnappschuss machiavellistischer Ränkespiele einer Eminenz (grise) der damaligen römischen Kirche, angesiedelt im Spanien der Zeit.

Rosie Wyatt, Natalie Simpson und Sophia Carr-Gomm in The Cardinal

Regisseur Justin Audibert hat ein großes Ensemble von 11 Personen zusammengestellt, um diesen gemütlichen Raum zu füllen – und nur die Besten engagiert: Absolvent*innen der RSC, des National und anderer erstklassiger Häuser. Wirklich: eine Freude. Stephen Boxer hat in der Titelrolle sichtlich Vergnügen an seiner prachtvollen Darstellung eines Höflings Gottes. Natalie Simpson ist die schwindelerregend-launische und zugleich verführerische Witwen-Fatale, Herzogin Rosaura. Ihre dreieckige Auswahl für einen zweiten Ehemann besteht aus dem romantisch dem Untergang geweihten Alvarez (Marcus Griffiths) und dessen herrischem, Bosola-ähnlichem Mörder Columbo (Jay Sieghal). Timothy Speyer ist souverän „am Text“ als Antonio und versucht, in dem „lebhaften“ Haushalt Ihrer Gnaden so viel Ordnung wie möglich zu halten, und Ashley Cook liefert einen angenehmen Auftritt als verträumter, weltfremder König von Navarra (jede Verwechslung mit dem damaligen britischen Souverän war, da bin ich sicher, ganz bewusst und pointiert).

Das ist eine faszinierende Zeit in den englischen Künsten und der Literatur. Das Theater stand kurz davor, sich als Organ öffentlicher Kommentierung – ja gesellschaftlicher Kritik – zu etablieren. Kein Wunder, dass Cromwell keine Zeit verlor, es zu schließen, sobald er an die Macht kam (obwohl er natürlich, wie alle mächtigen Spielverderber, weiterhin private Aufführungen genoss, die eigens zu seinem Nutzen veranstaltet wurden). Doch als er und sein System aus dem Weg geräumt waren, öffneten die Theater wieder – und dann brach wirklich die Hölle los, mit einer Revolution der freien Meinungsäußerung, wie man sie zuvor nicht gesehen hatte. Dieses Stück verortet uns in genau diesem aufgestauten Moment, als Autoren wie Shirley (hier am Ende seiner Laufbahn) an den Fesseln der Konvention rüttelten und sich danach sehnten, sie zu sprengen. Seine straff argumentierte, schlanke Handlung, mit nahezu ununterbrochenem Fokus auf die zentrale Aktion, weist zugleich voraus auf die enorme Dringlichkeit der Restauration, die bald folgen sollte. Ebenso verzichtet er auf die großen Reden und poetischen Höhenflüge des epischen Theaters und lässt seine Figuren meist in häuslicheren, privateren und schlichteren Begegnungen aufeinandertreffen.

Marcus Griffiths und Natalie Simpson in The Cardinal

Dennoch ist auch seine Sprache stark von der damals beliebten Gewohnheit geprägt, sich aus anderen Quellen zu bedienen. Zeilen und bisweilen ganze Dialogpassagen sind aus einer Vielzahl anderer Dramen übernommen. So erleben wir ein Liebespaar, das sich auf einen Mordplan einigt – und plötzlich hören wir sie die Worte von Beatrice und Benedick sprechen, die in „Viel Lärm um nichts“ zugleich ihre Liebe gestehen, während sie sich darauf verständigen, Claudio zu ermorden. Das passt. Heute kann es allerdings seltsam klingen – vorausgesetzt, man erkennt die Anspielungen. Vieles geht natürlich am durchschnittlichen Theaterbesucher vorbei, der in diesen Gewässern üblicherweise nicht gerade watet. In dem Fall stört es auch nicht.

Die geschäftige Bühne lässt nicht viel Raum für Zierrat, und Anna Reid hält das Design schlicht – ein einzelnes Weihrauchgefäß, eine einzelne Stufe, eine einzelne graue Wand, kathedralengroße graue Steinplatten – und Peter Harrison beleuchtet das unaufgeregt. Die Kostüme (betreut von Ellen Ray de Castro) sind ausgesprochen gelungen, und Max Pappenheims Sound lässt uns clever glauben, wir befänden uns in einem riesigen, hallenden Raum, bevor er den Maßstab der Produktion wieder auf ein intimeres Format herunterfährt. Bret Younts Kämpfe sind großartig, darunter einige wirklich spektakuläre Fechtszenen im zweiten Akt.

Vielleicht gehört James Shirley nicht zu den größten Dramatikern, die je die Bühnen dieses Landes belebt haben, aber er ist weit davon entfernt, zu den schlechtesten zu zählen – und dies ist vermutlich seine beste Arbeit. Es kehrt zu uns in einer Zeit nationaler Zweifel zurück, die in mancher Hinsicht der Epoche seiner Entstehung ähnelt. Und in seiner seltsamen Metapher von weltlicher und geistlicher Macht hat es vielleicht auch heute noch etwas, das uns etwas angeht. Zumindest die letzten Zeilen – warte nur, bis du sie hörst – werden dich ganz sicher das Theater verlassen lassen in dem Glauben, dass es das tut.

Foto: Mitzi de Margary

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