CRITIQUE : Le Cardinal, Southwark Playhouse ✭✭✭

Stephen Boxer et Natalie Simpson dans The Cardinal. The Cardinal

Southwark Playhouse,

Vendredi 28 avril 2017

3 Étoiles

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Ces dernières années de fin de royaume, il y a eu une certaine résurgence de l'appétit du public pour les drames lugubres, sanglants, cyniques, et pessimistes des périodes jacobéenne et caroline. Aujourd'hui, les spectateurs affluent vers Webster, Ford et consorts, absorbant leurs portraits durs de moralistes dysfonctionnels enfermés dans des relations lamentablement égocentriques de destruction mutuellement assurée. À vous de juger. Mais au cas où vous craindriez que les théâtres ne viennent à manquer de telles pièces pour leurs ardents spectateurs, rassurez-vous : il y en a encore beaucoup d'autres.

Et ici, dans l'incubateur dramatique entreprenant de Newington Causeway, nous avons un autre nom à ajouter à la liste célèbre des auteurs de tragédies de vengeance, James Shirley, dont 'The Cardinal' reçoit une belle reprise dans le petit espace. C'était pratiquement le dernier souffle de cette mode criarde. Émergeant en 1641, il oscille sur le bord du volcan qui allait éclater l'année suivante avec le déclenchement des Guerres civiles anglaises entre le Parlement et la couronne. Non seulement cela, mais l'orientation crypto-catholique de l'auteur est partout insidieusement avancée dans ce tableau des machinations machiavéliques d'une éminence (grise) de l'Église romaine contemporaine en Espagne.

Rosie Wyatt, Natalie Simpson et Sophia Carr-Gomm dans The Cardinal

Le metteur en scène Justin Audibert a réuni une grande distribution de 11 acteurs pour remplir cette salle confortable et n'a choisi que les meilleurs : des diplômés de la RSC, du National et d'autres établissements réputés. Vraiment, ils sont un délice. Stephen Boxer, dans le rôle-titre, prend un plaisir énorme à interpréter avec brio l'un des courtisans de Dieu. Natalie Simpson est la veuve fatale virevoltante et néanmoins séductrice, la duchesse Rosaura. Ses choix triangulaires pour un deuxième mari sont le romantiquement condamné Alvarez (Marcus Griffiths) et son meurtrier autoritaire à la manière de Bosola, Columbo (Jay Sieghal). Timothy Speyer est habilité 'à la lecture' en tant qu'Antonio, maintenant autant d'ordre qu'il le peut dans le foyer 'animé' de sa grâce, et Ashley Cook offre une performance agréable en tant que roi de Navarre rêveur et déconnecté (toute confusion avec le souverain britannique de l'époque était, j'en suis sûr, totalement délibérée et pointée).

C'est une époque fascinante dans les arts et lettres anglaises. Le théâtre était sur le point de se lancer comme organe de commentaire public, et effectivement de critique sociale. Pas étonnant que Cromwell n'ait pas perdu de temps pour le fermer dès qu'il a pris le pouvoir (bien sûr, comme tous les puissants rabat-joie, il a continué à profiter de performances privées organisées pour son propre bénéfice particulier). Mais une fois lui et son système écartés, les théâtres ont rouvert et l'enfer a éclaté, avec une révolution dans la libre expression comme on n'en avait jamais vue auparavant. Cette pièce nous situe à ce moment tendu, lorsque des écrivains comme Shirley (ici à la fin de sa carrière) repoussaient les limites conventionnelles, aspirant à s'en affranchir. Son intrigue solidement argumentée et épurée, avec un focus presque ininterrompu sur l'action centrale, nous dirige également vers l'urgence intense de la Restauration qui devait venir bientôt. De même, il écarte les grands discours et les envolées poétiques du théâtre épique, logeant généralement ses personnages dans des interactions plus domestiques, privées et simples.

Marcus Griffiths et Natalie Simpson dans The Cardinal

Néanmoins, le langage qu'il écrit est fortement influencé par l'habitude alors populaire d'emprunter d'autres sources. Des lignes et parfois des morceaux entiers de dialogue sont repris d'un nombre indéterminé d'autres drames. Ainsi voyons-nous un couple d'amoureux convenir d'un complot de meurtre, et tout à coup nous les entendons prononcer les mots de Beatrice et Benedick déclarant simultanément leur amour dans 'Much Ado About Nothing' tout en acceptant de tuer Claudio. C'est approprié. Mais aujourd'hui, cela peut sembler étrange : c'est-à-dire, si vous êtes sensible aux références. Il y a beaucoup, bien sûr, qui échappe simplement au spectateur moyen, qui ne se prélasse pas typiquement dans ces eaux. Dans ce cas, cela ne posera pas de problème.

La scène chargée ne permet pas beaucoup de place pour les embellissements, et Anna Reid garde le design simple - un seul brûleur d'encens, une seule marche, un seul mur gris, des dalles grises de la taille d'une cathédrale - et Peter Harrison l'éclaire sans fioritures. Les costumes (surveillés par Ellen Ray de Castro) sont élégants, et le son de Max Pappenheim nous fait penser habilement que nous sommes dans un espace immense et résonnant, avant de ramener l'échelle de la production à une taille plus intime. Les combats de Bret Yount sont magnifiques, incluant quelques escrimes vraiment spectaculaires dans le second acte.

Peut-être que James Shirley n'est pas l'un des plus grands dramaturges ayant jamais animé les scènes de ce pays, mais il est loin d'en être le pire, et c'est probablement son meilleur effort. Il revient à nous à un moment de doute national comparable, à certains égards, à l'ère de son origine. Et dans sa métaphore étrange des pouvoirs temporels et spirituels, peut-être a-t-il encore quelque chose d'intéressant à nous dire. Au moins, les dernières lignes - attendez simplement de les entendre - vous feront certainement quitter le théâtre en croyant qu'il en a.

Photo : Mitzi de Margary

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