리뷰: 인투 더 우즈, 콕핏 극장 ✭✭✭

줄리언 이브스가 런던 더 콕핏 시어터에서 상연 중인 Into The Woods를 리뷰합니다.

Into The Woods

더 콕핏 시어터

2018년 5월 26일

별점 3개

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연출가(그리고 여기서는 안무도 맡은 것으로 이해해야 할 듯한) 팀 맥아서는 몇 해 전 월섬스토의 ‘예 올드 로즈 앤 크라운’ 펍 2층 공간을 기발하게 활용한 이 프로덕션으로 큰 성공을 거둔 바 있다. 그는 익숙한 작품부터 거의 알려지지 않은 작품까지, 뮤지컬을 탁월하게 탐구해 오며 그곳을 일종의 ‘제2의 홈’처럼 만들어 왔다.  이번 캐스트에도 직접 참여해 베이커 역을 맡았고, A4 크기 프로그램 한 페이지를 통째로 채우는 방대한 약력까지 실려 있다.  극장이 번성하려면 이런 강렬하고 눈에 띄는 인물들이 필요하다.  그리고 맥아서는—수차례—빠듯한 예산 속에서도 결과물을 만들어 내고 마법 같은 순간을 빚어낼 수 있음을 증명해 왔다.  최근의 ‘A Little Night Music’는 경제성과 조화의 걸작이었고, 놀라울 만큼 새로운 해석을 결합해 섬세하고 훌륭하게 운영됐다.  다만, 뛰어난 재능이라 해도 실험과 모험을 하는 과정에서—때로는 어떤 이유로든—목표를 빗나갈 권리 또한 있어야 한다.

이 쇼의 외형이 가치 있는 무언가를 말할 것처럼 보이지 않는다는 뜻은 아니다. 오히려 자신감과 응집력을 힘껏 과시한다.  조아나 디아스의 무대 디자인—목재 팔레트로 만든 여러 층과 사다리들이, 우드칩의 바다 위에 떠 있고, 원형(인더라운드) 공간 가장자리를 거친 목재 패널이 둘러싼 형태—는 비토리오 베르타의 분위기 있는 조명과 만나 미학적 비전을 대담하게 선언한다.  그러나 스튜어트 찰스워스의 의상을 입은 배우들이 등장하는 순간, 또 다른 문제가 시작된다.  무대가 꽉 차 있다.  17명이 서 있는데, 움직일 공간이 거의 없다.  게다가 춤 동작을 요구받지만, 일본식 돌정원에 튀어나온 위험한 돌출물처럼 세트 곳곳에 널린 목재 장애물에 부딪히지 않고서는 제대로 해내기 어렵다.  여러 갈래의 경쟁하는 이야기들을 빠르고 유연하게 넘나드는 것이 핵심인 작품에서, 이는—최소한—문제가 된다.  물론 멋져 보이긴 하지만, 과연 이야기를 전달하는 데 도움이 되는가?

여기에 콕핏의 음향 시스템이라는 골칫거리까지 더해진다.  유령 같은 방문객처럼, 예측 불가능하게 나타났다 사라진다.  고전적으로 탄탄한 테크닉과 또렷하고 아름다운 음색, 명확한 딕션을 가진 미셸 모란의 마녀만이 그나마 공연 내내 ‘들릴 수 있을 것’이라 기대할 만했지만, 그녀조차도 공연 초반 파트에 등장하는 가차 없이 낮은 음역을 뚫어 내기엔 버거워 보였다.  다른 배우들은 모두 간헐적인 가청성이라는 지뢰밭을 각자 최선을 다해 통과해야 한다.  리타 헌터를 떠올리게 하는 강력한 보이스의 크리스티나 손턴조차, 무대 밖에서 거인 역을 노래하라는 요구 앞에서는 거의 들리지 않을 정도로 사라져 버렸다.  분명 이는 심각한 사안이며, 음향 책임자 개빈 헤일스와 줄리언 곤살레스-키칭, 에밀리 달링턴으로 구성된 팀의 긴급한 조치가 필요하다.

하지만 문제는 거기서 끝나지 않았다.  고요한 모래의 평원—고르게 정갈하게 고른 모래 위에, 흥미롭게 선택된 큰 바위 덩어리들이 여기저기 흩뿌려진 공간—을 바라보며 이런 생각이 든다. 어느 한 지점에서는 전시된 모든 조각을 다 볼 수가 없다. 둘레 어디에 서 있든 무언가가—의도적으로—다른 작은 바위를 가로막아 시야를 가린다.  교훈?  누구도 전체에 대한 완전한 지식과 이해를 가질 수 없다.  지혜는 부분적이며 편향된다.  통찰은 불완전하다.  등등.  목재가 흩뿌려진 무대 반대편에서 무슨 영상이 투사되는지, 저 사다리 너머로 무엇이 벌어지는지 ‘둘러’ 보려 애쓰며 앉아 있던 내내, 이런 생각이 머릿속을 떠나지 않았다.  게다가 이런 ‘불완전한 이해’가 나만의 문제가 아니라는 인상도 강하게 받았다.  결코 그렇지 않았다.

관객 중에는 이 프로덕션을 좋아한 이들도 있었다.  어떤 이들은 (최근) 영화가 떠오른다고 했다.  또 어떤 이들은 예상 밖의 재료를 색다르고 비정형적으로 골라 넣은 점이 마음에 든다고 했고, 하나의 이야기만 들려주기보다 여러 이야기를 섞어 놓은 것이 이 작품의 큰 강점이라고도 했다.  물론 그것은 대본과 악보(스코어)의 미덕이다.  반면 다른 관객들은 음악의 차이를 거의 느끼지 못했고, 전부 비슷하게 들린다고 했다.  그렇다 해도 그 책임을 음악감독(리허설/MD) 애런 클링엄에게 돌리긴 어렵다. 그는 베키 휴즈(목관), 제이드 커스버트(바이올린), 캐트리오나 쿠퍼(비올라), 나탈리 할리데이(첼로)로 구성된 지치지 않는 밴드를 이끌고 있다.  이 공연에서 그들은 브로드웨이 스코어 중에서도 손꼽히게 긴 악보를 연주해야 한다. 모든 노래 번호는 물론, 액션 아래로 끊임없이 흐르는 방대한 언더스코어링까지 책임져야 한다.  그런데 앞서 말한 음향 시스템이 그들에게 얼마나 도움이 되었을까?  별로였다고 본다.  충분한 테크 리허설 시간을 확보하는 일은 언제나 어렵고, 그런 경우 일부 프로듀서들은 앰프의 함정을 피하고자 실력 있는 성악을 캐스팅하고—그리고 여기처럼—어쿠스틱 악기를 선택하곤 한다.

하지만 이번 캐스트는 그야말로 보컬 스타일의 향연이었다.  고전적 훈련을 받은 팀의 기여는 이미 살펴봤다.  다만 대다수는 이야기 전달에 방점이 찍힌 ‘뮤지컬 씨어터’ 보이스인데, 개인별 강점의 편차가 상당하다.  맥아서 본인은 맑고 충실한 목소리를 갖고 있고, 조던 마이클 토드는 내레이터로서 호감 가는 매력을 보여준다.  애비게일 카터-심프슨은 판토마임풍 신데렐라로 대담하고 탄력적이며, 제이미 오도넬은 잭으로서 다소 밋밋하고 그다지 웃기지 않다.  조 위컴은 베이커의 아내를 투박하지만 생활감 있는 ‘하우스프라우’로 만들고, 메리 링컨은 거칠고 화려한 새어머니로 나선다. 메이시 체럿의 플로린다와 프란체스카 핌의 루신다는 그리 사악한 의붓자매로 보이진 않는다.  반대로—그리고 얼마나 다른지—매들린 맥마흔의 잭의 어머니는 거친 입담의 ‘고르발스 생존자’ 같은 존재로, 꽤 미스터리하다. 어떻게 저 자리에 있게 됐으며, 세상 물정 많은 그녀가 어쩌다 그렇게 세상 물정 없는, 어설프기 짝이 없는 아이를 두게 되었는가?  이 프로덕션은 그 질문에 대한 답을 시도조차 하지 않는다.  그 밖에도 플로렌스 오두모소의 빨간 모자, 애슐리 대니얼스의 무미건조한 왕자/늑대, 마이클 듀크의 더 진심 어린 라푼젤의 왕자, 루이즈 올리의 강렬하고 기억에 남는 라푼젤, 조너선 웨이디의 일부러 허술하게 만든 미스터리한 남자, 데이비드 펜들버리의 딱딱하고 사무적인 스튜어드는 모두 서로 다른 전통에서 온 듯하다.  이렇게 다양한 재료를 손에 쥔 맥아서는 매우 ‘다양한’ 팀을 꾸렸다.  문제는 기술적 난관이 많은 이번 프로덕션에서, 이들을 의미 있게 하나로 녹여 낼 만큼의 시간이 과연 늘 충분했느냐는 점이다.

의문이다.  모두가 대체로 자신이 하고 싶은 일을 하고 있는 듯했지만, 이런 상황에서 배우들이 흔히 그러하듯 ‘안전 운전’을 하며 동료들의 선택과 충돌할 수 있는, 지나치게 정교하거나 날카롭게 정의된 ‘포지션’에는 깊이 몸을 싣지 않는다.  작품을 처음 보는 관객에게는 크게 문제 되지 않을 수 있지만, 기대치가 더 섬세한 관객에게는 이 프로덕션에서 벌어지는 많은 일들이 붐비면서도 동시에 피상적으로 느껴져 난처할 수 있다.

우리가 아는 대로, 이 작품 자체는 매우 훌륭하다.  대본과 스코어는 거의 어떤 환경에서든 들을 가치가 있다.  그러니 기술적인 음향 문제가 해결된다는 전제하에, 나는 별점을….. 정말 간신히….. 별 3개를 준다.

2018년 7월 30일까지

사진: 데이비드 오벤든

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