CRÍTICA: Stephen Ward, Aldwych Theatre ✭

Alexander Hanson & Charlotte Blackledge em Stephen Ward. Foto: Nobby Clarke

Aldwych Theatre

20 de dezembro de 2013

1 estrela

Tenho todo o gosto em admitir que sou fã do início da carreira de Andrew Lloyd Webber (Joseph; Superstar; Evita; Cats; Song and Dance; Starlight Express; Phantom) e até de uma boa parte do trabalho mais tardio (Beautiful Game; Whistle Down The Wind; Aspects of Love; Sunset Boulevard). É um compositor capaz de melodias notáveis e de temas engenhosos. Em cena no Aldwych Theatre está a sua mais recente obra, Stephen Ward, encenada por Sir Richard Eyre. O libreto e as letras são de Christopher Hampton e Don Black e ambos mereciam ser publicamente vergastados: é o pior libreto e as piores letras de qualquer espetáculo que alguma vez vi.

A peça não sabe o que está a fazer: não conta história nenhuma de forma eficaz ou com emoção. Quando cai o pano final, sabe tanto sobre Stephen Ward e o seu papel no escândalo Profumo como sabia quando soaram as primeiras notas na orquestra.

Não se percebe o que motivou quaisquer das figuras principais do escândalo, quais foram os pontos-chave, porque caiu o governo, porque o establishment se virou contra Ward, o que aconteceu a Keeler e a Rice-Davies, ou o que levou à queda do próprio Profumo. Há um vai-e-vem esboçado, mas sem linha clara, sem impulso narrativo. E sem qualquer sensação de um artifício ou conceito coeso a orientar o conjunto.

O cenário e os figurinos de Rob Howell, lamentáveis, não ajudam em nada; o design trabalha ativamente contra qualquer sentido de época ou de drama. Há cortinas e projeções e painéis bidimensionais e, aqui e ali, um sofá, uma cadeira ou uma mesa. É o mais insípido possível; até o Rooty Hill RSL teria vergonha deste cenário.

Há cinco temas realmente bons: Super-Duper Hula-Hooper; This Side of the Sky; You've Never Had It So Good; I'm Hopeless When It Comes To You e Too Close To The Flame — mas é só. O resto da partitura é risível em quase tudo. E de uma monotonia terminal. E pretensiosamente importante e derivativa.

Ainda assim, é difícil perceber se isso se deve sobretudo às orquestrações, que são bastante medonhas e que são da lavra do próprio Sir Andrew. Normalmente ele deixa as orquestrações para outros — uma decisão sábia, francamente. E embora nada haja a apontar à orquestra, e Graham Hurman tenha dirigido com brio e uma ligação clara e ressonante à música, o facto simples é que as orquestrações roubam a maior parte da música do seu maior potencial, e parte dessa música nem sequer tem assim tanto potencial de partida.

Hurman consegue ver o que a música poderia ser e reage a isso; vê-lo no fosso sugere uma música mais funky, mais viva, mais empolgante do que aquela que nos chega do palco. Preferia-se ouvir aquilo que Hurman está a sentir do que aquilo que, de facto, estamos a ouvir. A sensação irresistível é a de que isto seria uma boa partitura, sem letras, para uma série de televisão ou para um filme, mas que não consegue sustentar um esforço teatral.

O elenco canta em excesso e grita vezes demais, o que é curiosamente inexplicável, porque todos sabem claramente cantar — e muito bem. Por vezes estão tão altos que as letras ficam abafadas, o que talvez seja uma bênção, mas é melhor que o público tire as suas próprias conclusões.

A encenação de Eyre faz tudo avançar a um ritmo glacial: o primeiro ato parece ter três horas quando tem apenas uma. Mas também é difícil acreditar que qualquer encenador conseguisse fazer esta narrativa, estas letras, brilhar.

A coreografia de Stephen Mears é tão deliciosa e inteligente quanto se espera, especialmente na sequência da orgia em You've Never Had It So Good, mas também em todos os momentos em que a sua mão se faz notar.

Do elenco, os destaques são a Valerie contida de Joanna Riding e o Profumo pomposo, guiado pelo seu instinto de predador, de Daniel Flynn. O solo de Riding no segundo ato é o mais perto que esta partitura chega da magia de Lloyd Webber mas, infelizmente, não chega assim tão perto.

Alexander Hansen é elegante, mas no fim morno como Ward, em parte por causa da escrita, mas em parte porque não dá energia suficiente à personagem. Nunca se percebe por que razão faz o que faz. Ainda assim, é difícil não ter pena dele, porque é evidente que está a lutar com bravura para carregar o fardo impossível com que a equipa criativa o sobrecarregou.

Charlotte Spencer tem um toque de jovem Diana Rigg no aspeto, mas a semelhança com a Dame fica por aí; a sua Christine Keeler é uma tela em branco, como Patrick Bateman em American Pyscho. Zero calor humano e ainda menos empatia. Canta bem no início da peça, mas rapidamente se esvai. Charlotte Blackledge é estridente e desafinada como Mandy Rice-Davies, uma personagem que aparece sem apresentação e cujo papel nos acontecimentos nunca é plenamente explicado. É um pouco como uma produção de Gypsy em que nunca nos dizem que Tulsa quer dançar: simplesmente não fazemos ideia porque é que ela faz parte da peça.

Há bons trabalhos de apoio de Anthony Calf, Martin Callaghan, Kate Coysten, Wayne Robinson e Emma Kate Nelson. A maior parte do restante elenco precisa de moderar as interpretações, encontrar alguma verdade nas partes de vilão de bigode retorcido ou nos segmentos de ancas a empurrar.

Os musicais não se tornam interessantes só porque alguém diz "Fuck", outra pessoa simula sexo e outra aparece nua. É preciso uma linha narrativa, por mais frágil que seja, um propósito, uma intenção e, acima de tudo, coração.

Stephen Ward não tem coração e tem ainda menos um conceito ou artifício que o sustente. Como primeiro workshop, seria considerado ousado mas mal orientado, com muito trabalho a fazer no libreto, nas letras, na orquestração e na partitura (por esta ordem). No West End, a £67,50 o bilhete, é um ultraje. Viva Forever! foi melhor do que isto — em todos os aspetos.