CRITIQUE : Stephen Ward, Théâtre Aldwych ✭

Alexander Hanson & Charlotte Blackledge dans Stephen Ward. Photo : Nobby Clarke Stephen Ward

Théâtre Aldwych

20 décembre 2013

1 Étoile

Je suis heureux d'admettre être un fan des premiers travaux d'Andrew Lloyd Webber (Joseph; Superstar; Evita; Cats; Song and Dance; Starlight Express; Phantom) et même d'une bonne partie des travaux ultérieurs (Beautiful Game; Whistle Down The Wind; Aspects of Love; Sunset Boulevard). C'est un compositeur capable de mélodies remarquables et de mélodies ingénieuses. Actuellement joué au Théâtre Aldwych est son œuvre la plus récente, Stephen Ward, mise en scène par Sir Richard Eyre. Le livre et les paroles sont fournis par Christopher Hampton et Don Black, et chacun devrait être publiquement fustigé : c'est le pire livre et les pires paroles de tout spectacle que j'ai jamais vu.

La pièce ne sait pas ce qu'elle fait : elle ne raconte aucune histoire de manière convaincante ou émotive. Vous en savez autant sur Stephen Ward et son rôle dans le scandale Profumo lorsque le rideau tombe que vous en saviez au moment où les premières notes résonnent dans l'orchestre.

Vous ne savez pas ce qui a motivé les principaux acteurs du scandale, quels en étaient les points clés, pourquoi le gouvernement est tombé, pourquoi l'establishment s'est retourné contre Ward, ce qui est arrivé à Keeler et Rice Davies ou ce qui a conduit à la chute de Profumo lui-même. Il y a beaucoup d'allers-retours vagues, mais aucune ligne claire, aucune impulsion narrative. Et aucun sens d'une ruse ou d'une conception complète à l'œuvre.

Le décor et les costumes déplorables de Rob Howell n'aident pas; le design s'oppose activement à tout sens du temps ou du drame. Il y a des rideaux, des projections et des décors plats unidimensionnels et de rares canapés, chaises ou tables. C'est aussi terne que possible; le Rooty Hill RSL serait honteux de ce décor.

Il y a cinq très bonnes mélodies : Super-Duper Hula-Hooper; This Side of the Sky; You've Never Had It So Good; I'm Hopeless When It Comes To You et Too Close To The Flame - mais c'est tout. Le reste de la partition est risible à presque tous égards. Et terriblement ennuyeux. Et prétentieusement pompeux et dérivé.

Il est cependant difficile de dire si cela est principalement dû aux orchestrations, qui sont assez désastreuses, et qui sont l'œuvre de Sir Andrew lui-même. Habituellement, il laisse les orchestrations à d'autres, une sage décision, honnêtement. Et bien que l'orchestre ici ne puisse être blâmé, et que Graham Hurman ait dirigé avec verve et une connexion claire et résonnante avec la musique, le simple fait est que les orchestrations privent la plupart de la musique de son potentiel le plus grand, et une partie de la musique n'en a pas beaucoup au départ.

Hurman peut voir ce que la musique pourrait être et réagit à cela ; le regarder dans la fosse suggère de la musique plus funky, plus vivante, plus passionnante que celle qui vous submerge depuis la scène. On préfèrerait entendre ce que Hurman ressent plutôt que ce que l'on écoute réellement. L'impression irrésistible est que c'est une bonne partition, sans paroles, pour une série télévisée ou un film, mais elle ne peut pas soutenir une entreprise théâtrale.

Le casting chante trop fort et crie bien trop souvent, ce qui est étrangement inexplicable, car ils peuvent tous clairement chanter - et très bien. Parfois, ils sont si bruyants que les paroles sont noyées, ce qui pourrait être une bénédiction, mais il est préférable que le public se fasse sa propre opinion à ce sujet.

La direction de Eyre fait bouger le tout à un rythme glacé : le premier acte semble durer trois heures alors qu'il n'en dure qu'une seule. Mais il est difficile de croire qu'un quelconque metteur en scène puisse faire briller cet enchaînement narratif, ces paroles.

La chorégraphie de Stephen Mears est aussi délicieuse et astucieuse qu'on s'y attend et c'est particulièrement vrai dans la séquence d'orgie de You've Never Had It So Good, mais aussi partout où sa main est évidente.

Parmi le casting, se distinguent Joanna Riding en Valerie austère et Daniel Flynn en Profumo pompeux conduit par son serpent de pantalon. Le solo de l'acte deux de Riding est aussi proche que cette partition s'approche de la magie de Lloyd-Webber mais, hélas, ce n'est pas vraiment assez proche.

Alexander Hansen est élégant mais finalement tiède en tant que Ward, en partie à cause de l'écriture mais en partie parce qu'il n'insuffle pas assez d'énergie au personnage. On ne sait jamais pourquoi il fait ce qu'il fait. Il est difficile de ne pas ressentir de la pitié pour lui car il est clair qu'il lutte vaillamment pour supporter le fardeau impossible que les créateurs lui ont imposé.

Charlotte Spencer a un air de la jeune Diana Rigg dans son apparence mais sa ressemblance avec la Dame s'arrête là ; sa Christine Keeler est une toile aussi vide que Patrick Bateman dans American Psycho. Zéro chaleur et encore moins d'empathie. Elle chante bien au début de la pièce, mais cela s'efface rapidement. Charlotte Blackledge est forte et fausse en tant que Mandy Rice-Davies, un personnage qui arrive sans introduction et dont le rôle dans la scène n'est jamais pleinement expliqué. C'est plutôt comme une production de Gypsy où l'on ne vous dit jamais que Tulsa veut danser : vous n'avez tout simplement aucune idée de pourquoi elle fait partie de la pièce.

Il y a un bon travail d'accompagnement d'Anthony Calf, Martin Callaghan, Kate Coysten, Wayne Robinson et Emma Kate Nelson. La plupart des autres membres du casting doivent réduire un peu leurs performances, trouver une certaine réalité dans les sections moustache-tourbillonnantes ou les segments hip-thrusting.

Les comédies musicales ne deviennent pas intéressantes simplement parce que quelqu'un dit « Merde », un autre simule un rapport sexuel et un autre est nu. Il doit y avoir une ligne narrative, même mince, un but, un sens et, surtout, un cœur.

Stephen Ward n'a pas de cœur et encore moins de concept ou de subtilité pour le soutenir. Comme un premier atelier, cela serait jugé aventureux mais malavisé, avec beaucoup de travail à faire sur le livre, les paroles, l'orchestration et la partition (dans cet ordre). Sur le West End, à 67,50 £ le billet, c'est une parodie. Viva Forever! était mieux que ça - à tous points de vue.