CRÍTICA: Algures na Inglaterra, New Wimbledon Studio ✭✭✭✭

Algures em Inglaterra

New Wimbledon Studio

15 de outubro de 2016

4 estrelas

Esta é a mais importante e entusiasmante redescoberta de um musical britânico ‘perdido’ desde a reposição de 1982 no King’s Head Theatre de ‘Mr Cinders’, de Vivian Ellis (uma produção que viria a transferir-se para o West End, onde esteve em cena durante quinze meses e continuou a conhecer reposições por todo o mundo).  Escrito originalmente em 1987 para o excelente grupo amador Questors Theatre, em Ealing, com música do relativamente discreto nome da indústria Gordon Caleb, letras de Caleb e Vincent McQueen, e libreto de Jean Caleb, esteve em cena apenas uma semana e, de forma incrível, nunca mais foi reposto desde então. Ainda assim, continuou a fascinar muitos dos 27 membros do elenco original, um dos quais – Sheila Daniels – conseguiu agora produzir e encenar (com encanto) uma apresentação profissional, que acaba de esgotar a sua breve temporada no empreendedor Studio do New Wimbledon.

Percebe-se bem porque é popular junto do público. Logo no número de abertura, com a população de uma pequena cidade ‘algures em Inglaterra’ (como dizia a fórmula vaga dos relatos de guerra) a despedir-se dos seus jovens enviados para combater o Jerry – e, ao mesmo tempo, a receber uma base do Exército dos EUA e a sua população de GIs, a música, belissimamente trabalhada, de melodia imediata e encantadora, harmonias calorosas e um ritmo inteligente, e as letras impecavelmente polidas, conquistam-nos de imediato.  Pelo resumo do número inicial, também se percebe que a narrativa do espectáculo é tecnicamente hábil: com o mínimo de meios comprime-se o máximo de história dentro dos números musicais, exposta com clareza na coreografia sempre inventiva de Madeline Eaton-Belton (com contributos competentes de dois elementos do elenco maioritariamente jovem, Ryan Ferrie e Aaron Jenson).

Até aqui, tudo muito eficaz, mas é no segundo número, uma valsa nostálgica e espirituosa para duas das matronas da cidade (Patsy Blower e Olivia Maffett), ‘What Went Wrong?’, que percebemos que Gordon Caleb é um melodista de primeira grandeza, capaz de tocar o coração com, como diria Cole Porter, um refrão constantemente surpreendente, usando as duas vozes femininas para criar harmonias requintadas.  A comparação é adequada.  Esta partitura evoca brilhantemente os estilos musicais da época num pastiche magistral que, ainda assim, nos convence de que pertence mesmo ao período e soa sempre ‘verdadeira’, nunca afectada; mas Caleb viveu essa época e serviu na RAF – é o seu som.  O mesmo se pode dizer das letras, que – embora surpreendentemente apuradas e elegantes – têm sempre um travo de verdade: acreditamos sempre nas personagens que as cantam e, pouco a pouco, começamos a importar-nos com elas.  O libreto consegue o mesmo efeito simples de ser imensamente luminoso e agradável e, ao mesmo tempo, cativante: apesar de ser finíssimo em termos de enredo, está escrito com tal perícia e com um entendimento tão perfeito da forma escolhida – a comédia musical – que temos de aceitar as suas personagens e situações tal como são e, de facto, acabar por ver, no meio das suas frivolidades de algodão-doce, tantos aspectos de nós próprios.

O terceiro número, um momento de destaque para a chegada dos GIs, ‘Me! Me! Me!’, é uma canção-lista à la Porter, cujas letras deslumbram e deleitam hoje com a mesma frescura de quando foram escritas, ou, aliás, de quando o génio cómico de Cole brilhava nos anos 40.  A inteligência da escrita lisonjeia o público; o espectáculo diz-nos que estamos à altura do seu brilho literário e sofisticação, e a produção faz todo o trabalho para tornar claro o significado do texto.  A esta altura estamos a divertir-nos imenso, mas – como sempre aqui – o melhor ainda está para vir.

A sequência em que ouvimos alguns habitantes hostis, ‘Yanks, Go Home!’ (pelos intrometidos NIMBYs, Mr Crowe (Derek Elwood) e Mrs Johns (Annie Aldington)), seguida de um coro diegético de senhoras a animar o chá da tarde oferecido pelo vigário (Tony Barber, a recriar de forma brilhante a sua caracterização original de 1987) com uma paródia pastoral, ‘In the Country’, e rematada pelas queixas dos doughboys frustrados, ‘We Wanna Go Back Home’, é onde Caleb demonstra um domínio absoluto da forma.  Num golpe de génio totalmente inesperado, as três canções não são apenas empilhadas umas sobre as outras: são entrelaçadas com uma mestria simplesmente mozartiana, as vozes entrando e saindo como num final sinfónico – é um número de conjunto maravilhoso.

A seguir, apresenta um dueto de amor leve e bem-disposto, ‘Funny Old You’, para Marjorie (a professora reprimida de Stephenie De Whalley) e Chuck (o afavelmente descontraído Sam Landon).  Depois muda agradavelmente de registo para o seu número de ‘má rapariga’, ‘Eva’, que é um dueto de outro tipo para mais um par de quase-amantes, quase-não-amantes: a rapariga do título, atrevida-mas-querida, ao estilo de Barbara Windsor (magnificamente cómica e cheia de vivacidade, Hannah Ponting), que não se contenta com um só rapaz (o cabo Frizelli, interpretado pelo verdadeiro yank aqui, Matt Fulbright… e não, não sei se tem alguma relação com o famoso fundador das bolsas transatlânticas) – ela quer a liberdade de escolher entre todos, exibindo uma independência cheia de garra que assume com grande à-vontade.  É um mundo, tal como o de Mozart, em que as mulheres acabam sempre por sair por cima.

Depois voltamos a ouvir os rapazes; as queixas faladas de Joe (o soberbo tenor com voz à Dick Haymes de Ryan Ferrie) e do terceiro GI, Elmer (o cavalheiro sulista, Jensen) fundem-se sem esforço em mais uma canção perfeitamente caracterizada, ‘Will She, Won’t She?’, que acaba por ser um número de transição incrivelmente bem construído, começando a meio de uma cena e deixando-nos, no seu final, já no meio da cena seguinte, sem qualquer sugestão de pausa, mostrando mais um pouco da espantosa capacidade técnica de Caleb.  E depois, para fechar o Acto 1, surge mais um número de conjunto para toda a companhia, com um jive impulsivo que fica a ecoar freneticamente nos ouvidos e na cabeça do público durante todo o intervalo.

Passei tanto tempo a analisar as partes individuais da primeira metade do espectáculo por uma razão muito concreta: quero conseguir responder à pergunta ‘Como é que um musical tão bom como este foi ignorado durante tanto tempo?’   E se um espectáculo assim fica esquecido e desprezado, quantos outros grandes espectáculos estarão por aí à espera de ser descobertos?  Quem sabe.

Basta dizer que a segunda metade oferece prazeres em igual medida.  A abrir o acto, o número-título para os britânicos é belíssimo e podia muito bem ter sido um êxito de Vera Lynn.  Há o divertido ‘Compatability’, o ponderado e maduro ‘Growing Up’, que explora os compromissos morais criados por respostas pragmáticas à separação e à brevidade da vida em tempo de guerra (Patsy Blower está brilhantemente dividida nesta cena, como a mãe do rapaz que foi o predecessor de Joe nas afeições de Phyllis antes de ele aparecer e causar nela também uma impressão tão favorável), e depois temos o estonteantemente atlético ‘Do It For Uncle Sam!’ para os GIs, uma canção que Irving Berlin teria adorado poder chamar sua (aqui liderada pelo magnífico tenor de Fed Zanni, como o sargento Meyer).  Dividida entre dois rapazes, Phyllis (Kluane Saunders, de voz doce) tem de escrever uma carta ‘Dear John…’ em ‘I Don’t Know How To Tell You’.  Depois, num volte-face que lembra os dramas de Noël Coward, em que a tentação é colocada diante dos olhos de uma respeitável mulher inglesa e que ela, muitas vezes no último instante e graças a uma intervenção externa providencial, acaba por resistir, o tempo avança: chega uma rara carta do amado e, antes que demos por isso, os GIs partem para abrir a segunda frente na Normandia.  No entanto, é claro que, por baixo da leveza e alegria do mundo da comédia musical em que habitamos, há emoções mais sombrias em jogo, e elas atingem-nos, de forma reveladora, dando a esta obra profundidade e ressonância.

A banda está em palco durante todo o espectáculo e, vestida com trajes de GI, encaixa na perfeição – sobretudo quando é chamada a estar ‘em personagem’ como conjunto na cena de dança: os deliciosos arranjos do director musical John Spanyol são em grande parte improvisados por ele e pelo seu combo de jazz composto por Diccon Cooper (baixo), Dave Tandy (bateria) e George Millard (palhetas e sopros – há alguns momentos à la Tommy Dorsey para o clarinete!), e essa espontaneidade dá ainda mais frescura ao som.  E os figurinos – dos quais há MUITOS para as senhoras – são deslumbrantes.  Mas a encenação em si precisa apenas de cinco bancos imensamente versáteis, um painel e uma cadeira, conferindo uma rapidez e fluidez às transições que parecem muito contemporâneas.  A iluminação é de Jed Brook, Christopher Gadd cria uma paisagem sonora útil, e a direcção técnica geral é de Stuart French.

Daniels apertou com eficiência o texto original e aqui apresenta a história como uma acção fluida para apenas 13 intérpretes: embora na trama passem vários anos, ela consegue fazer com que os intervalos pareçam invisíveis, mantendo sempre o nosso foco na importância das relações entre as personagens.  Com o enorme sucesso deste workshop, é bem possível que queira revisitar o texto ou a interpretação, talvez com vista a ir ainda mais longe, sobretudo no segundo acto, quando as emoções ficam mais cruas e expostas – talvez o público de hoje queira e precise de ouvir mais da luta que as personagens vivem, entre os amantes comprometidos, por exemplo, e a raiva de Elmer poderia ser mais furiosa do que o arranjo de ‘I Get The Run Around’ actualmente permite. Num espectáculo com tanta doçura, também precisamos de uma boa dose de sal.  Basta pensar em quanta intensidade dramática o National Theatre conseguiu extrair do libreto de Hammerstein em ‘Oklahoma!’, um espectáculo não famoso pela sua aspereza, para perceber que por baixo do sorriso dos anos 40 há muitas vezes muita dor humana.  Ainda assim, estes são pormenores relativamente menores num espectáculo que está em muito, muito boa forma.

Outros trabalhos de Gordon Caleb incluem muita produção para o City Varieties em Leeds, incluindo ‘Strike a Light’, sobre a greve das operárias das fósforos Bryant and May, que transferiu para o Piccadilly, em Londres, e ‘Dearest Dracula’, que foi produzido em Dublin.  À luz desta excelente reposição, é sem dúvida um nome que vale a pena conhecer melhor.   Entretanto, aqui temos uma produção excelente de uma grande comédia musical há muito perdida e agora reencontrada.  Quem alinha?

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