CRITIQUE : Quelque part en Angleterre, New Wimbledon Studio ✭✭✭✭

Quelque Part en Angleterre

New Wimbledon Studio

15 octobre 2016

4 Étoiles

C'est la redécouverte la plus importante et excitante d'une comédie musicale britannique 'perdue' depuis la reprise en 1982 au King's Head Theatre de 'Mr Cinders' de Vivian Ellis (une production qui s'est ensuite transférée dans le West End, où elle a duré quinze mois et a continué à être reprise dans le monde entier). Initialement écrite en 1987 pour le Questors Theatre de grande qualité à Ealing, avec une musique de Gordon Caleb, une figure mineure de l'industrie, des paroles de Caleb et Vincent McQueen, et un livret de Jean Caleb, elle n'a été jouée qu'une semaine et n'a incroyablement jamais été reprise depuis. Pourtant, elle a continué à fasciner nombre des membres originaux des 27, dont l'un d'eux – Sheila Daniels – a maintenant réussi à produire et diriger (de manière enchanteresse) une production de vitrine professionnelle, qui vient de vendre toutes ses places pour son court passage au Studio entreprenant de Wimbledon.

On peut comprendre pourquoi elle est populaire auprès du public. Dès le tout premier numéro, avec la population d'une petite ville 'quelque part en Angleterre' (comme le disait l'expression vague des rapports de guerre) envoyant ses jeunes hommes se battre contre les Allemands – et accueillant simultanément une base de l'armée américaine et sa population de soldats, la musique magnifiquement élaborée, instantanément mélodieuse et charmante, chaleureusement harmonieuse et rythmiquement futée, et les paroles parfaitement tournées sont directement attrayantes. Du résumé du premier numéro, vous pouvez probablement également remarquer que la narration dans le spectacle est techniquement habile : le minimum de moyens est utilisé pour compresser le maximum de narration dans les numéros musicaux, lucidement mis en scène pour nous dans la chorégraphie toujours inventive de Madeline Eaton-Belton (habilement enrichie par deux des acteurs principalement jeunes, Ryan Ferrie et Aaron Jenson.)

Jusqu'ici tout est efficace, mais c'est dans le deuxième numéro, une valse nostalgique mais spirituelle pour deux des matrones de la ville (Patsy Blower et Olivia Maffett), 'Que s'est-il passé ?', que nous réalisons que Gordon Caleb est un grand mélodiste, capable de toucher le cœur avec, comme l'aurait dit Cole Porter, un refrain constamment surprenant, utilisant les deux voix féminines pour créer des harmonies exquises. L'analogie est appropriée. Cette partition évoque brillamment les styles musicaux de l'époque dans un pastiche maîtrisé qui nous convainc néanmoins qu'elle appartient vraiment à l'époque et sonne toujours 'vraie', plutôt qu'affectée, mais Caleb a vécu à cette époque et a servi dans la RAF - c'est son son. On peut en dire autant des paroles, qui – bien que merveilleusement polies et élégantes – portent toujours une résonance de vérité : nous croyons toujours aux personnages qui les chantent, et nous en venons à nous en soucier de plus en plus. Le livret obtient le même effet simple d'être immensément lumineux et plaisant et également captivant : bien que très mince en termes de scénario, il est écrit avec une telle compétence, et une telle parfaite compréhension de sa forme choisie – la comédie musicale – que l'on doit prendre ses personnages et ses situations pour ce qu'ils sont, et en effet, découvrir dans ses frivolités de sucre filé tant d'aspects de nous-mêmes.

Le troisième numéro, un numéro de spectacle pour les arrivants GI, 'Me! Me! Me!', est une chanson de liste à la manière de Porter dont les paroles éblouissent et ravissent aussi fraîchement aujourd'hui que lorsqu'elles ont été écrites pour la première fois, ou en fait lorsque le génie comique de Cole brillait dans les années 1940. L'intelligence de l'écriture flatte le public; le spectacle nous dit que nous sommes les égaux de ses éclats littéraires et de sa sophistication, et la production fait tout le travail pour nous rendre le sens du texte clair. Nous nous amusons vraiment à ce stade de la représentation, mais – comme toujours ici – le meilleur reste à venir.

La séquence où nous entendons les réticents locaux chanter, 'Yanks, Go Home!' (par les faux bourgs grincheux, M. Crowe (Derek Elwood) et Mme Johns (Annie Aldington)), suivie par une chorale féminine diégétique animant le thé de l’après-midi accueilli par le pasteur (Tony Barber, brillant dans la recréation de sa caractérisation originale de 1987) avec une parodie pastorale, 'In the Country', et couronnée par les plaintes désabusées des GI frustrés, 'We Wanna Go Back Home', est là où Caleb démontre son commandement absolu de sa forme. Dans un coup de génie totalement inattendu, les trois chansons ne sont pas seulement empilées les unes sur les autres mais entrelacées avec une habileté simplement mozartienne, les voix se mêlant et se démêlant comme dans une finale symphonique : c'est une merveilleuse pièce maîtresse.

Il enchaîne avec un duo d'amour léger, 'Funny Old You', pour Marjorie (la maquerelle refoulée de Stephenie De Whalley) et Chuck (l'amoureux décontracté Sam Landon). Ensuite, il change agréablement d'humeur avec son numéro de 'mauvaise fille', 'Eva', qui est un autre type de duo pour un autre couple d'amoureux potentiels : la fille espiègle mais gentille du titre (magnifiquement drôle et vivante Hannah Ponting), qui ne se contente pas d'un seul garçon (le caporal Frizelli, interprété par le véritable Yank ici, Matt Fulbright… et non, je ne sais pas s'il est apparenté au célèbre fondateur des bourses transatlantiques) – elle veut la liberté de les choisir tous, résistant à l'indépendance vive qu'elle affiche avec aplomb. C'est un monde, un peu comme celui de Mozart, où les femmes sortent toujours par le haut.

Nous entendons ensuite à nouveau les gars; les doléances parlées de Joe (la superbe voix de ténor de Dick Haymes de Ryan Ferrie) et du troisième GI, Elmer, (le gentleman du Sud, Jensen) se fondent harmonieusement dans une autre chanson parfaitement caractérisée, 'Will She, Won’t She?', qui se révèle être un numéro de transition incroyablement bien structuré, débutant au milieu d'une scène, et nous déposant à sa terminaison au milieu de la scène suivante, sans aucune suggestion de rupture, montrant davantage de la capacité technique stupéfiante de Caleb. Et puis, pour conclure l'Acte 1, il livre un autre ensemble pour sa toute la troupe avec un numéro de jive propulsif qui résonne frénétiquement dans les oreilles et les esprits du public tout au long de l'entracte.

J'ai passé beaucoup de temps à analyser les parties individuelles de la première moitié du spectacle pour une très bonne raison : je veux pouvoir trouver une réponse à la question, 'Pourquoi une comédie musicale aussi bonne a-t-elle été ignorée si longtemps ?' Et si un spectacle comme celui-ci languuit, oublié et ignoré, alors combien d'autres grands spectacles sont là, attendant d'être découverts ? Qui sait.

Il suffit de dire, la seconde moitié offre des délices en parts égales. Ouvrant l'acte, le numéro titre pour les Britanniques est un magnifique morceau qui aurait pu être un succès pour Vera Lynn. Il y a le 'Compatibilité' plaisantin, le 'Grandir' mûr et réfléchi qui explore les compromis moraux soulevés par des réponses pragmatiques à la séparation et à la brièveté de la vie en temps de guerre (Patsy Blower est brillamment conflictuelle dans cette scène, en tant que mère du garçon qui était le prédécesseur de Joe dans les affections de Phyllis avant qu'il n'arrive et ne fasse une telle impression favorable sur elle également), et puis nous avons le 'Do It For Uncle Sam!' athlétiquement saisissant pour les GI, une chanson qu'Irving Berlin aurait été ravi de revendiquer comme sienne (ici menée par le superbe ténor de Fed Zanni, en tant que sergent Meyer). Déchirée entre deux garçons, Phyllis (douce voix de Kluane Saunders) doit écrire une lettre 'Dear John…' dans 'I Don’t Know How To Tell You'. Puis, dans un rebondissement rappelant les drames de Noel Coward, où la tentation est offerte devant les yeux d'une Anglaise respectable, qu'elle résiste ensuite, souvent à la dernière minute, et grâce à une intervention externe fortuite, le temps avance : une lettre rare arrive du chéri, puis avant que nous le sachions, les GI partent ouvrir le second front en Normandie. Pourtant, manifestement, sous la légèreté et la gaieté de la comédie musicale que nous habitons, il y a des émotions plus sombres en jeu, qui atterrissent, de manière révélatrice, et donnent à cette œuvre profondeur et résonance.

Le groupe est sur scène tout au long, vêtu de tenues GI se fond parfaitement, surtout lorsqu'on leur demande de 'jouer un rôle' en tant qu'ensemble pour la scène de danse : les délicieuses orchestrations de John Spanyol, en tant que directeur musical, sont en grande partie improvisées par lui et son combo style jazz composé de Diccon Cooper (basse), Dave Tandy (batterie) et George Millard (anches et venteuses – il y a quelques moments à la Tommy Dorsey pour la clarinette !), et cette spontanéité prête une fraîcheur supplémentaire au son. Et les costumes – dont il y en a BEAUCOUP pour les dames – sont magnifiques. Mais la mise en scène elle-même ne nécessite que cinq bancs immensément polyvalents, un panneau et une chaise, ce qui donne une rapidité et une fluidité aux transitions qui semblent très contemporaines. Le spectacle est éclairé par Jed Brook, et Christopher Gadd crée quelques paysages sonores utiles, et la direction technique globale est assurée par Stuart French.

Daniels a efficacement resserré le script original et présente ici l'histoire sous une action fluide pour seulement 13 acteurs : bien que plusieurs années passent dans l'intrigue, elle parvient à rendre les écarts invisibles, se concentrant toujours sur l'importance des relations entre les personnages. Avec le succès colossal de cet atelier à son actif, elle pourrait souhaiter revoir à nouveau le script ou l'interprétation, peut-être avec l'idée d'aller encore plus loin, notamment dans le second acte, lorsque les émotions deviennent les plus crues et exposées – peut-être que le public d'aujourd'hui veut et a besoin d'entendre davantage la lutte que les personnages vivent, entre les amants compromis, par exemple, et la colère d'Elmer pourrait être plus furieuse que l'arrangement pour son 'I Get The Run Around' ne le permet actuellement. Dans un spectacle avec une telle douceur, nous nécessitons une bonne dose de sel également. Nous n'avons qu'à penser à la quantité de drame intense que le Théâtre National a tirée du script de Hammerstein pour 'Oklahoma!', un spectacle pas célèbre pour sa rudesse. Ce sont cependant de simples considérations dans un spectacle qui est en très, très bonne forme.

D’autres œuvres de Gordon Caleb incluent beaucoup de travaux réalisés pour le City Varieties à Leeds, avec 'Strike a Light', qui traite de la grève des allumeuses Bryant et May, et transféré au Piccadilly à Londres, et 'Dearest Dracula' qui a été produit à Dublin. Sur la base de cet excellent renouveau, il vaut sûrement la peine d'être mieux connu.

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