CRÍTICA: The Burnt Part Boys, Park Theatre ✭✭✭

Joseph Peacock, David Leopold e Chris Jenkins em The Burnt Part Boys. Foto: Sacha Queiroz The Burnt Part Boys

Park Theatre

22 de agosto de 2016

3 Estrelas

A paixão impulsionadora de Matthew Iliffe está por trás da chegada desta história de Mariana Elder sobre empreendimentos e aventuras juvenis em uma cidade mineradora da Virgínia Ocidental, pontuada pela trilha sonora rápida e vibrante com influências country de Chris Miller e Nathan Tysen. Ele percorreu um longo caminho desde o competente 'Thoroughly Modern Millie' visto no Landor na última temporada. Agora, ele eliminou toda a parafernália teatral e apresenta um drama ininterrupto de 90 minutos em um palco praticamente vazio, com - graças ao design e figurino de Rachel Wingate (apenas meia dúzia de cadeiras de madeira e um teto coberto de cordas), e à genialidade característica do design de iluminação evocativo de Charlie Morgan-Jones. A música vem do conjunto principalmente acústico e bem conduzido de Nick Barstow, e - no pequeno espaço Studio do Park Theatre - o elenco se move facilmente entre texto falado e cantado (não amplificado). Estamos em 1962, e ouvimos um anúncio de rádio da época para confirmar isto. A sensação realista da obra é enfatizada pelos acentos muitas vezes bastante carregados da Virgínia Ocidental. É uma peça de teatro belamente completa, e a criação vívida de Iliffe deixa claro que ele é alguém a ser observado de perto para futuros desenvolvimentos.

Sua escolha atual de exibir seu talento na direção e na encenação musical é uma demonstração virtuosa, com múltiplas mudanças de localização, movendo-se de interiores domésticos, através de uma floresta, cruzando uma montanha e entrando em uma mina, e em diferentes planos de consciência (talvez). É um testemunho de sua habilidade como diretor e coreógrafo que ele consegue isso com tanta naturalidade e facilidade. Ele estimula a mente do público a imaginar, visualizar, se maravilhar e refletir. E refletimos mesmo. E nesta cidade que ele tão vividamente evoca em nossas imaginações, a primeira coisa que realmente queremos saber é: Onde estão todas as mulheres?

O mundo do animus que nos é servido está estranhamente privado do contrapeso do anima: estamos longe no espetáculo antes que uma única presença feminina apareça de maneira um tanto inesperada e se faça sentir poderosamente - aqui magnificamente interpretada pela intensa e energética Grace Osborn, uma atriz que há muito admiro e que, na opinião deste escritor, provavelmente faz mais para dar ao espetáculo o coração que suas melodias pungentes e simples evidentemente anseiam.

Mas, contra seus melhores esforços, as probabilidades estão fortemente contra ela. Dois pares de amigos homens, o mundano e responsável irmão mais velho Jake de Chris Jenkins, e seu companheiro de bebedeira, Chet de David Leopold, e os jovens Pete de Joseph Peacock e Dusty de Ryan Heenan, cada um parte em jornadas separadas para alcançar a mina que foi abandonada 10 anos antes após um desastre que matou alguns de seus pais. Ao redor deles, um coro de 5 pais falecidos aparece ocasionalmente para nos serenatar, e um deles, David Haydn, se manifesta mais frequentemente, como nada menos do que Jim Bowie: seu filho, o jovem Pete, idolatra os personagens de seu filme favorito, 'O Álamo', e parece fantasiar que seu falecido pai seja ele (pelo menos, acho que é isso que está acontecendo).

Agora, se você já se sente emocionalmente envolvido nessa situação, então há uma boa chance de você gostar deste espetáculo. O diretor claramente gosta. Ele se apoia em um forte elemento do patrimônio americano aqui, tirando proveito dos 'Twice-Told Tales' de Nathaniel Hawthorne, ou dos romances de outros escritores da tradição lírica e ruralista, ou dos mistérios de Edgar Allan Poe, e as aventuras de garotos que precisam encontrar figuras paternas em suas vidas. De fato, o ambiente quase exclusivamente masculino parece recordar as histórias filosoficamente e psicologicamente questionadoras de Melville. No entanto, considere isto, quando esses escritores contam histórias com principalmente homens nelas, eles deixam muito claro por que isso é assim, geralmente através da escolha do cenário (um navio no mar, um exército em campanha, e assim por diante).

Se isso é o que inspira sua imaginação, então o espetáculo irá te arrastar em seu caminho encantador. Iliffe faz mais do que justiça a esse estético na produção: ele se gloria nele. No entanto, recentemente em Londres, vimos outros dramas ambientados em cidades mineradoras: as três peças de D H Lawrence no Dorfman; 'Wonderland' no teatro Hampstead; e não nos esqueçamos de 'Billy Elliot', que rodou no Victoria Palace por anos e ainda está forte em turnê. A maioria dessas obras foca tanto nas mulheres nelas quanto nos homens. Acho que há todos os tipos de razões para isso. Principalmente, talvez, é o reconhecimento que a maioria dos escritores tem de que, se querem que o público acredite em seus personagens, eles têm que mostrá-los da maneira mais completa possível; se isso não acontecer, então o público pode suspeitar que os criadores estão escondendo algo, e então podem estar menos inclinados a se identificar com seus personagens, e se sentir menos dispostos a se importar com o que lhes acontece.

Você deve julgar por si mesmo se acha que isso pode ou não ser o caso com esta peça. Qualquer que seja a decisão a que você chegue, talvez também queira considerar qual efeito teria sobre você saber em primeira mão o que as mães, viúvas, irmãs, primas ou namoradas dos heróis da história poderiam ter a dizer. Certo, isso tornaria a peça diferente. Mas há uma menina aqui, então: Onde estão todas as (outras) mulheres?