CRITIQUE : Volpone, Brockley Jack ✭✭✭

Volpone

Brockley Jack Theatre

01/10/15

3 Étoiles

« Les richesses sont en fortune un plus grand bien que la sagesse ne l'est dans la nature » - Volpone

Il y a quelques années, j'ai assisté à une masterclass de musique classique consacrée non pas aux notes mais aux pauses. Elle se concentrait entièrement sur l’endroit où les chanteurs devaient ou ne devaient pas respirer dans des arias baroques élaborées, bouillonnant de redoutables vocalises. À un moment où Bach ou Haendel avaient écrit un passage sans pauses évidentes pour respirer, diverses options ont été essayées et le public a voté pour elles. Il était clair pour nous tous, une fois que nous l’avions entendu, où se situaient les pauses naturelles et le phrasé. Il y avait une bonne réponse, mais il fallait la trouver par soi-même, elle n'était pas donnée.

J'ai repensé à cet épisode lors de la soirée de presse de cette production honorable mais imparfaite de Volpone au Brockley Jack. La pièce de Jonson de 1605 est pleine de soliloques et de discours fortement élaborés qui pétillent d'un vocabulaire latin osé et de paradoxes complexes. Les négocier requiert de la compétence, et pour le faire avec la panache fluide nécessaire, cela implique avant tout une oreille précise pour la respiration, le rythme et la projection rhétorique. Rien de moins ne suffira. Une fois que l’on passe sous les surfaces scintillantes et traîtresses des vers blancs, la navigation devient plus simple. L'histoire de Jonson est celle de Volpone – un hypocondriaque vénitien riche – et de son parasite insinuant – Mosca, la mouche – qui attirent tous deux des chasseurs de fortune en leur faisant croire qu'ils pourraient hériter de la fortune du renard rusé. C'est une fable morale stéréotypée à la manière d'Ésope où, au lieu de personnages individuels nuancés, vous avez des ensembles de caractéristiques – Corbaccio, le corbeau, Voltore, le vautour, Corvino, le corneille – qui se déroulent dans une matrice plus ou moins prévisible. Le style de jeu doit donc être comique, connaissant, rapide et furieux; se délectant dans le festin des possibilités rhétoriques tout en maintenant une distance ironique avec elles – Blackadder serait un parallèle moderne raisonnable.

Cependant, ce n'est pas simplement une parabole sur l'avidité et ses pièges. Le but plus profond de Jonson est de demander si la possession de richesses est un avantage à long terme par rapport à la sagesse naturelle – une question plus troublante à poser, surtout lorsqu’elle est liée à l’affirmation de Mosca selon laquelle nous sommes tous d'une certaine manière des parasites dans nos interactions sociales, peu importe à quel point nous nous trompons nous-mêmes en cours de route.

La pièce a été produite pour la première fois au Globe et est restée continuellement populaire jusqu'à ce que les victoriens perdent leur sens de l'ironie. Ces dernières années, elle a fait un retour éclatant, grâce en partie à la production du Théâtre National de 1974 qui avait une distribution de rêve avec Paul Scofield et Ben Kingsley dans les rôles principaux, et le casting de luxe de John Gielgud et Ian Charleson dans des rôles mineurs.

Volpone doit dominer et diriger l’action en mettant en place les intrigues dans la première moitié et Mosca prend le relais dans la seconde. Les deux doivent être des acteurs individuels de véritable compétence et flair mais également une grande équipe collaborative. Si l'un d'eux est défaillant, le tout ne peut réussir. Dans le cas de la récente production de la RSC critiquée par Stephen Collins, c'était le Mosca qui était insuffisant, et ici, malheureusement, c'est le Volpone. Lors de la soirée de presse, Steve Hope-Wynne n'était pas totalement maître du texte, que ce soit en contenu ou en forme, et dans ce répertoire, il n'y a tout simplement nulle part où se cacher. On espère que ces problèmes seront résolus au fil des représentations, et beaucoup dépend, comme je l’ai dit au début, des questions de respiration et de structure, tout comme lors de la préparation du répertoire opératique.

En revanche, le Mosca de cette production était exceptionnel. Dans la livraison des monologues et dans les échanges rapides qu'il doit organiser, Pip Brignall a rendu justice aux matériaux superlatifs que Jonson lui offre. Cette impersonation merveilleusement glissante, avec des flatteries joliment diversifiées pour chacun des dupeurs potentiels et une gamme sournoise et coulante de mouvements scéniques, est tout à fait en accord avec le personnage. La seconde moitié de l’action avait un flux débonnaire en résultait, véritablement impressionnant et captivant.

Les prétendants avares sont des types classiques, sans personnages conventionnellement « bons » en vue – même Bonario et Celia, tous deux victimes innocentes de l'intrigue, sont à peine esquissés par Jonson et ne captivent pas notre attention émotionnelle. Il y avait un bon travail de la part de divers acteurs dans ces rôles caricaturaux, parmi lesquels le meilleur a été Rupert Bates, avec une astuce d'avocat habile en tant qu'avocat Voltore.

Jonson consacre plus d'efforts à la sous-intrigue impliquant le goofy voyageur anglais Sir Politick Would-Be, joué par Edward Fisher en tant que type Mr Pooter délicieux, détaché de la réalité, avec un mélange égal de doute de soi et de imposture. Sa femme, Lady Would-Be, est une création comique tout aussi plaisante, pleine de bavardages prétentieux et dénués de sens, et dépeinte par Ava Amande comme un type Vivien Westwood inconscient de la consternation qu’elle provoque chez ceux qui l'entourent. J'ai vu des productions ailleurs où cette sous-intrigue alourdit la pièce dans la seconde moitié, mais ici, leurs interventions et interludes étaient de ravissants portraits des tribulations des « Anglais à l’étranger ».

La réalisatrice Cecilia Dorland, au nom de la compagnie Scena Mundi, a donné à la pièce une ambiance des années 1920 en termes de costumes, de design et de musique. Je n’ai pas senti que ce cadre donnait des aperçus particuliers, mais il fournit certainement la base pour quelques numéros musicaux débridés, notamment un conga d'adieu qui a joliment bouclé la soirée. Les décors étaient minimaux, mais compte tenu des contraintes d'espace, c'est inévitable. Certaines coupures ont été faites dans le texte mais sans endommager l'intégrité de l'ensemble. À la fin, Jonson s’assure que tout le monde reçoit sa juste récompense - « Les méfaits se nourrissent comme les bêtes jusqu'à ce qu'ils soient gras et puis ils saignent. » Cependant, il clarifie également que cela est souvent bien loin de la justice elle-même, et cela est symbolisé de manière plaisante par le juge présidant (Anna Buckland) qui boit ostensiblement du Veuve Clicquot tout au long des procédures.

C'était une soirée pleine d'aspects agréables et imaginatifs, mais tout comme avec la comédie de la Restauration, il y a certaines exigences stylistiques et formelles pour réussir qui sont non-négociables. Tous ceux impliqués dans cette production ont joué avec engagement et un bon sens du rythme et de la projection dans cet espace intime, mais le succès de l'ensemble reste fondamentalement dépendant de la maîtrise d'un texte réfractaire qui, comme l'or de Volpone, flatte pour tromper, sauf si l'acteur est très prudent.

Volpone est joué au Brockley Jack Studio Theatre jusqu'au 17 octobre 2015