CRITIQUE : The Hired Man, Union Theatre ✭✭✭

The Hired Man

Théâtre Union

22 juillet 2017

3 étoiles

Réservez maintenant Récemment, nous avons vu Andrew Linnie dans un concert à Cadogan Hall offrir probablement ce qui sera longtemps considéré comme la performance définitive de cette œuvre, la première pièce musicale révolutionnaire de Howard Goodall. Toute troupe reprenant ce spectacle avec le souvenir de ce succès encore frais dans l'esprit des spectateurs doit être très vigilante pour en faire le meilleur cas possible, avec les moyens à sa disposition. Le Théâtre Union a certainement - maintes et maintes fois - prouvé que ses productions miniatures peuvent être un match esthétique ou artistique pour tout ce que les présentations à plus grande échelle peuvent offrir : 'Chess' ou 'Bad Girls' ne sont que deux exemples des dernières saisons prouvant cela. Les espoirs étaient donc élevés lorsque le Union a annoncé qu'il relançait ce spectacle ; nous avons réfléchi à son héritage établi dans la 'trilogie' de Goodall comprenant 'The Dreaming', 'Love Story' et 'Girlfriends'. Que nous réserve-t-il ?

La production que nous avons ici est certainement bien distribuée. Ifan Gwilym-Jones est un John Tallentire sincère et troublé, et Rebecca Gilliland une Emily à la voix claire, toujours véridique. Luke Kelly est une source audacieuse et franche de problèmes conjugaux sous la forme de Jackson Pennington, et Christopher Lyne un Pennington sobre, à la manière de Des Grieux, avec d'autres rôles principaux interprétés par Kara Taylor Alberts, Jack McNeill, Sam Peggs, Jonathan Carlton, Megan Armstrong, Matthew Chase, Rebecca Withers, Aaron Davey, Laurel Dougall et Nick Brittain. Curieusement, cependant, la présence la plus magnétique sur scène est celle du membre de l'ensemble qui obtient à peine deux lignes de dialogue durant toute la soirée, Lori McLare : elle est une vraie découverte, avec des traits fortement dessinés qui projettent une gamme toujours changeante d'expressions et de humeurs, un sens du mouvement balletic, et une capacité à être fascinante même lorsqu'elle est complètement immobile. On se demande d'où lui vient son minutie dans l'attention aux détails, car cela ne semble pas être une caractéristique de la production dans son ensemble.

The Hired Man. Photo : Paul Nicholas Dyke

C'est un conte épique sur une famille à travers des temps tumultueux, retraçant leur progression du travail de la terre aux mines de charbon, puis dans les tranchées, et enfin de retour à la terre. Les épisodes particuliers doivent être clairement articulés, et la chaîne d'événements nous menant d'un à l'autre doit être rendue parfaitement transparente et crédible. Même la production originale de cette œuvre, lorsque je l'ai vue au Théâtre Astoria dans le West End, a parfois eu du mal à parvenir à cela. Étonnamment, la direction de l'action par Samuel Hopkins sur la plateforme étroite de Cadogan Hall, contre tous les pronostics, a raconté l'histoire avec une clarté et une naturalité étonnantes. Là, des projections, plutôt que du mobilier et des accessoires, ont été utilisées pour créer un sentiment de changement de lieu. Le chœur était employé avec parcimonie, seulement sollicité pour chanter, de manière oratoire, en poussant fermement l'attention de l'événement sur les personnages principaux. De manière révélatrice, Hopkins savait exactement quand arrêter l'action et permettre au silence et à l'immobilité d'être des points de ponctuation éloquents : le script est souvent écrit de manière succincte, surtout dans la délimitation des processus psychologiques intérieurs qui poussent les personnages principaux. Les acteurs doivent avoir du temps pour 'digérer' les actions des autres, et le public a besoin de temps pour enregistrer cela.

Ici, une méthodologie plutôt opposée semble s'appliquer. L'ensemble est sur scène et occupe de nombreuses activités naturalistes pendant une grande partie de la production. Non seulement ça, le petit ensemble de 3 pièces caché sous les escaliers (Richard Bates, MD et claviers, Sophia Goode, violon, et Dominic Veall, violoncelle) semble jouer presque sans interruption : de vastes portions de dialogue sont maintenant enveloppées dans un flot joyeusement babillard de croches, musique qui tend à adoucir l'impact de tout ce qui est dit par-dessus, ou - comme c'est plus souvent le cas - en dessous. J'aimerais savoir combien de personnes estiment cela les aide à s'identifier plus étroitement aux orateurs. J'aimerais aussi connaître les opinions des acteurs sur ce que cela leur fait de (a) travailler suffisamment dur pour être entendus au-dessus du bruit du groupe, et (b) travailler encore plus dur pour exprimer des pensées et des idées souvent contraires au ton de la musique jouée. Et quand vous considérez que le metteur en scène les a tous faits jouer pieds nus (le pauvre Ifan Gwilym-Jones a déjà subi une blessure visible à cause de cette demande extraordinaire), vous vous demandez probablement des questions assez sérieuses sur les intentions de la production.

The Hired Man. Photo : Paul Nicholas Dyke

Les problèmes ne s'arrêtent pas là. Comme si tout cela n'était pas suffisant, le lieu est assez chaud et manque d'un système de climatisation fonctionnel. En remplacement, au moins deux machines assez bruyantes sont laissées en marche pendant toute la performance, leur but - semble-t-il - est de pomper un peu d'air plus frais dans l'atmosphère douce de l'auditorium. L'espoir est louable, les résultats sont désolants. Hélas, il semble maintenant au public que les acteurs ont à jouer le spectacle dans la salle des machines du RMS Titanic, impression renforcée par le décor de scène de Justin Williams et Jonny Rust, un mur claustrophobe de plaques de bois, qui ressemble plutôt à des réparations d'urgence sur un navire endommagé. Ajoutez à cela des costumes qui changent à peine avec les décennies qui passent (grâce à Carrie-Ann Stein), et un éclairage (par le relativement inexpérimenté Stuart Glover) qui s'allume et s'éteint et monte et descend et de gauche à droite presque à volonté et fréquemment indépendamment de l'action scénique, et vous avez une recette pour un désastre assez définitif.

Il est entièrement au mérite du casting que cette catastrophe soit évitée. Ils se battent héroïquement à travers tous les obstacles rencontrés sur leur chemin et font ce qu'ils peuvent pour sauver de ce chaos une performance crédible et belle, même si beaucoup d'entre eux, pendant une grande partie du temps, semblent déconcertés et perdus. La chorégraphie de Charlotte Tooth est souvent très sympathique à leurs moments d'ensemble, bien que elle semble tout aussi perdue pour comprendre ce que la production tente d'être. Je suis sûr que le réalisateur Brendan Matthew a ses raisons pour ses choix, et j'aimerais pouvoir dire que je savais quelles elles étaient, mais pour le moment, elles semblent m'échapper. C'est dommage. Sa récente production de 'My Land's Shore' pour Ye Olde Rose & Crowne (une histoire épique similaire de gens de classe ouvrière) était magistrale et magistrature. Travaillant avec une partie de ce casting et une grande partie de la même équipe créative ici, la même magie ne semble pas avoir été créée et qui peut dire pourquoi ?

En attendant, une assez bonne interprétation du texte est disponible ici, et une qui conviendra, particulièrement si vous n'avez rien vu de mieux. Cela ne marquera peut-être pas l'histoire comme l'une des productions les plus réussies de l'Union. J'espère que des leçons précieuses en seront tirées. Le casting mérite notre soutien et notre louange : tout le monde - veuillez essayer de les aider davantage.

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