CRITIQUE : La Fille de l'horloger, Théâtre Landor ✭✭✭✭

La fille du horloger

Théâtre Landor

3 juin 2015

4 étoiles

Dans la cinquième saison de Buffy contre les vampires, Spike, le vampire vicieux, machiavélique mais finalement héroïque (et toujours captivant), reçoit un robot à l'effigie de Buffy. Le robot sert plusieurs intrigues, mais il est créé à cause du désir de Spike d'avoir un substitut de la vraie Buffy, une qu'il pourrait aimer. Dans la mesure où la série concernait des créatures fantastiques telles que des vampires et des loups-garous, ce type de dispositif de l'intrigue était quelque peu prévisible, inspiré à certains égards. Parce que Spike était déjà mort, le facteur de répulsion était faible.

De même, dans la même série, l'amour de Xander pour un démon de vengeance vieux de 1000 ans, Anya, était compréhensible, encadré par les éléments bizarres et fantastiques du scénario de Buffy, sa bande Scooby et leurs ennemis et amis. Buffy était une fantaisie exemplaire - mais elle avait beaucoup à dire sur les préoccupations réelles modernes, telles que la pression des pairs, le coming out, la sexualité émergente, la jalousie, l'obsession, la vengeance, l'intérêt personnel, le prix du pouvoir et le pouvoir de l'amour et du sacrifice.

C'est, bien sûr, l'une des grandes choses des contes fantastiques : ils peuvent traiter des questions morales sérieuses d'une manière transparente et stimulante, tout en divertissant sur toute la gamme, car les intrigues superficielles fournissaient comédie et drame en elles-mêmes, souvent dans des situations magiques ou romantiques.

Si vous deviez annoncer une nouvelle comédie musicale comme une exploration sérieuse de l'obsession passionnée, du pouvoir du mental collectif, de l'ostracisme de ceux qui sont différents (pour toute raison, race, genre, identité sexuelle, pauvreté, manque d'opportunité, problèmes de santé) et de la misogynie inhérente à la société, surtout contre les femmes défavorisées, quelqu'un irait-il la voir ? J'en doute, même si Stephen Sondheim écrivait la partition. Bien sûr, il a écrit cette comédie musicale, le conte de fées fracturé, Into The Woods, mais il n'a jamais été présenté de cette manière - jamais. (Mais c'est une autre histoire, peu importe...)

Jouant actuellement au Théâtre Landor est La fille du horloger, une nouvelle comédie musicale (plus précisément, un conte de fées musical original) avec livret, musique et paroles de Michael Webborn et Daniel Finn. Ensemble avec Duncton Wood, actuellement au Théâtre Union, La fille du horloger fait totalement valoir la nécessité de créer un Théâtre Musical National, correctement financé par les fonds de Loterie, dont le seul objectif est de développer, travailler et affiner de nouvelles comédies musicales. Ces œuvres abondent d'excellence, en particulier en termes de leurs partitions, et méritent un soutien significatif et substantiel.

Dans le programme, Webborn et Finn expliquent leur objectif :

"Lorsque nous avons commencé à écrire 'La fille du horloger', la seule chose dont nous étions certains était que nous voulions un nouveau conte de fées. Nous voulions tous les attraits de la forme traditionnelle : la magie, le sentiment fantastique, les éléments surnaturels, le noyau moral et la simplicité qu'apporte le genre de la narration. Mais il devait être nouveau ; il devait être différent".

En cela, ils ont entièrement réussi.

La femme de l'horloger est morte sans enfant. Lui, Abraham, un maître artisan des horloges, façonne une femme mécanisée pour compagnie. Mais il crée plus que ce à quoi il s'attendait, et quand il remonte sa création, en insérant une grande clé dans son dos, elle prend vie. Il essaie de cacher sa présence, mais la créature qu'il a créée, Constance, est avide de connaissance et d'expérience. Elle lit beaucoup, étudie et se souvient, puis s'aventure dans le monde - où elle trouve perte, joie, acceptation, amour, répulsion, haine et, finalement, mort. Il y a de nombreux tours et surprises en cours de route, mais c'est l'essence du conte : aussi magique, fantastique et moral qu'ils viennent.

C'est aussi nouveau, différent. Oui, le gâteau que Webborn et Finn ont préparé ici pourrait être une livre de Frankenstein, une livre de Pygmalion, une tasse de Phantom de l'Opéra, des cuillères à soupe de La Belle et la Bête, une pincée de Pinocchio, et un soupçon de Buffy, mais c'est, comme Jerry Herman pourrait l'avoir dit, sa propre création spéciale.

Situé dans un village irlandais rustique convenable, il est rempli de personnages familiers : le maire poussiéreux et hésitant ; le fils beau du maire ; la future mariée belle du fils beau du maire ; le maître artisan douloureux, solitaire, semblable à un ermite ; la villageoise couturière résolue (une sorte de croisement entre Mme Potts et Ursula) ses filles et son fils ; et les villageois. Presque tout le monde est pauvre ou du moins pas riche, mais tous semblent assez heureux.

Ensuite, la robe de mariée coûteuse et irremplaçable de la future mariée est endommagée dans un accident impliquant le puits du village, et le désastre et la misère guettent le village. Dans ce pot bouillonnant entre Constance, incertaine, explorant le monde extérieur à elle-même. Elle confectionne une robe de remplacement, bien meilleure que l'original détruit, et apporte des cadeaux et fait de bonnes actions pour les villageois. Finalement, ils découvrent son identité en tant que bienfaitrice mystérieuse et la célèbrent - sans oublier de profiter d'elle.

Abraham avertit Constance que le village la rejettera si sa véritable nature est découverte. En vérité, il veut la garder pour lui. Constance, ayant goûté à la vie en dehors de la maison solitaire d'Abraham, veut plus et, peut-être sans surprise, est prise au piège dans le village, lorsque son mécanisme de chronométrage cesse, et elle se bloque, nécessitant d'être remontée. Abraham, en face du village, la remonte littéralement et elle revient à la vie. Mais le village a changé...

Dire plus serait impardonnablement gâcher une histoire qui réserve plusieurs surprises réelles avant qu'elle ne se termine. Suffit de dire que la magie et l'amour jouent tous deux un rôle significatif dans le déroulement des événements, mais pas, peut-être, de la manière habituelle de Disney.

C'est une grande histoire, mais le trésor le plus scintillant du spectacle est sa musique. Il y a des airs folkloriques, des chansons d'amour, des ballades passionnées, des numéros comiques, des chansons discursives, des mélodies envoûtantes, des harmonies complexes et une splendide polyphonie, le tout avec une pincée de danse irlandaise autour du bord. C'est une partition qui réclame une orchestration accomplie, impliquant de nombreux cordes, leïnes et bois, pour libérer les forces naturelles de la composition d'une manière captivante.

Telle qu'elle est, sous la direction musicale de Webborn, le petit groupe et la troupe de vingt membres s'associent pour donner un véritable sens au pouvoir inhérent et à l'attrait de la partition. Ils sont aidés en cela, dans une mesure non négligeable, par une interprétation superbement assurée de la musique la plus difficile et superbe de Jennifer Harding qui excelle dans le rôle central de Constance.

Harding a une voix riche, vibrante, parfaitement soutenue et soutenue, avec une puissante ceinture et un sommet luxueux, libre. C'est une joie de l'écouter aborder les grands numéros ici, de profiter de la fusion de son art et de la partition passionnée. Sa diction est impeccable, et elle a cette capacité rare de donner la bonne mesure à chaque note et de transmettre entièrement le sens de chaque mot ainsi que le sens général et l'échelle des émotions et des dynamiques de la partition.

En plus de ses talents de chanteuse, Harding est en forme scintillante dans le département d'acteur. Il est difficile de jouer une créature mécanisée de manière à souligner à la fois l'inhumanité de sa nature mécanique et l'âme romantique émergente qui vient de l'alchimie magique de son interaction avec les villageois. Mais Harding y parvient spectaculairement bien.

Avec son aplomb habituel, Robert McWhir dirige la scène avec compétence et clarté. C'est, en vérité, une grande pièce épique de théâtre musical. Elle serait vue à son meilleur avantage sur une grande scène, avec des décors et costumes époustouflants ; un sens approprié de l'échelle conforme à la conception du conte de fées. Que McWhir réussisse à faire fonctionner une telle pièce aussi bien que cette dans l'espace intime qu'est le Landor mérite un véritable crédit. C'est ambitieux et ça paye.

Robbie O'Reilly fait du bon travail dans le département chorégraphique et David Shields rend le décor intrigant et joueur, évoquant très bien différents lieux. Le sens du temps et de la mécanique est constamment présent dans le décor, mais d'une manière qui n'est ni fastidieuse ni usée. Malheureusement, l'éclairage de Richard Lambert ne rend pas beaucoup de services ni au décor ni à la troupe - il pourrait y avoir eu un projecteur défaillant la nuit où j'ai assisté, car les choses semblaient très étranges à cet égard.

Il y a beaucoup de travail extrêmement engagé de la part de la troupe, avec des performances particulièrement bonnes de Emily Peach, Ryan Lynch, Kathryn Laura Aiken et Paul Bradshaw. Alyssa Martyn est très douce dans le rôle d'Amelia, et elle est en effet impressionnante dans la scène du deuxième acte où elle remet en question l'instinct grégaire du village et soulève des questions morales de manière efficace. Elle a une voix calme mais agréable qui est juxtaposée à sa force de caractère.

Alex Spinney (Henry), Rob McManus (Maire Glynn), Alan McHale (Will) et Max Abraham (Sam) ont tous des moments d'inspiration dans leurs rôles, tous semblent et conviennent à leurs parts, mais pourraient tous se permettre d'être plus assurés dans leur interprétation.

Ma' Riley de Jo Wickham est une caricature trop grotesque pour apporter le pathos et le cœur que le personnage devrait fournir ; Natalie Harman, en tant que fille, Rhiannon, prend son indice de Wickham, ce qui est compréhensible, mais cela signifie que la complexité et l'intérêt de son personnage sont quelque peu perdus. Dans les deux cas, moins pourrait très certainement être plus.

En tant qu'Abraham, l'horloger titulaire, Lawrence Carmichael n'apporte pas au rôle ce qui est nécessaire. Il est difficile d'entendre les mots qu'il chante et, plus souvent qu'autrement, il y a de sérieux problèmes de hauteur. Une grande partie de l'exposition et de la fondation émotionnelle repose sur ses épaules, et bien qu'il y ait indubitablement des moments de perspicacité, le fardeau est trop grand pour lui.

En partie, cela est lié à l'écriture. Son premier solo est difficile à comprendre car son passé n'est pas clair avant qu'il ne se produise ; son intérêt pour Constance est écrit comme très effrayant dans certaines parties du récit ; et, bien qu'il crée Constance, et soit clé de la meilleure surprise du spectacle, le rôle n'est pas écrit comme amical ou sympathique à bien des égards, et nécessite donc le genre de traitement délicat qui accompagne des rôles comme la Bête dans La Belle et la Bête, mais sans la récompense que la Bête reçoit dans son récit. Aussi, il n'y a jamais l'occasion pour Constance et Abraham d'avoir un numéro musical où la joie de leur relation unique est claire. Toutes ces questions se combinent pour faire du rôle d'Abraham une demande colossale - alors que, compte tenu de la richesse du matériel, il n'y a aucune nécessité pour que cette demande soit si grande.

C'est une comédie musicale engageante, captivante, fantastique, rayonnante de possibilités et de vérité. Elle confronte dans certaines parties et brise le cœur dans d'autres. Et elle est pleine de moments magiques. Potentiellement, une véritable grande comédie musicale britannique.

Une chose est sûre - vous ne regarderez pas l'horloge pendant que vous regardez La fille du horloger.

La fille du horloger se joue jusqu'au 4 juillet au Théâtre Landor