CRITIQUE : The Burnt Part Boys, Park Theatre ✭✭✭

Joseph Peacock, David Leopold et Chris Jenkins dans The Burnt Part Boys. Photo : Sacha Queiroz The Burnt Part Boys

Park Theatre

22 août 2016

3 Étoiles

Matthew Iliffe est la passion motrice derrière l'arrivée de l'histoire de Mariana Elder sur les efforts et aventures des jeunes dans une ville minière de Virginie-Occidentale, entrelacée avec la musique vive, lumineuse et imprégnée de country de Chris Miller et Nathan Tysen. Il a fait beaucoup de chemin depuis son 'Thoroughly Modern Millie' compétent, vu au Landor la saison dernière. Maintenant, il a dépouillé le théâtre de ses accessoires pour présenter un drame ininterrompu de 90 minutes sur une scène pratiquement nue, grâce à la conception et aux costumes de Rachel Wingate (seulement une demi-douzaine de chaises en bois et un plafond drapé de beaucoup de corde) et au génie distinctif de Charlie Morgan-Jones pour ses éclairages évocateurs. La musique provient de l'ensemble principalement acoustique et rigoureusement dirigé par Nick Barstow, et - dans le petit espace du Park Theatre - la distribution passe facilement du texte parlé au texte chanté (non amplifié). Nous sommes en 1962, et entendons une annonce radio de l'époque pour confirmer cela. L'aspect réaliste de l'œuvre est accentué par les accents souvent assez épais de Virginie-Occidentale. C'est une pièce de théâtre magnifiquement complète, et la création vivante d'Iliffe le rend clairement à observer de près pour les développements futurs.

Son choix actuel de montrer son art en matière de mise en scène et de mise en scène musicale est un exposé virtuose, avec de multiples changements de lieu, passant des intérieurs domestiques, à travers une forêt, à travers une montagne, et dans une mine, et entre différents plans de conscience (peut-être). Cela témoigne de son habilité en tant que metteur en scène et chorégraphe qu'il réalise cela avec tant de naturel et d'aisance. Il stimule l'esprit des spectateurs pour imaginer, visualiser, se demander, et réfléchir. Et nous réfléchissons. Et dans cette ville qu'il évoque si puissamment dans nos imaginations, la première chose que nous voulons vraiment savoir est : Où sont toutes les femmes ?

Le monde de l'animus qui nous est servi est curieusement privé du contrepoids de l'anima : nous sommes bien avancés dans le spectacle avant qu'une présence féminine ne surgisse de manière assez inattendue et ne se fasse puissamment sentir - ici magnifiquement interprétée par l'intense et énergique Grace Osborn, une actrice que j'admire depuis longtemps et qui, selon moi, fait probablement le plus pour donner au spectacle le cœur que ses mélodies simples et pénétrantes crient manifestement d'avoir.

Mais malgré ses meilleurs efforts, les chances sont sérieusement contre elle. Deux paires d'amis masculins, le frère aîné responsable et mondain de Chris Jenkins, Jake, et son compagnon de beuverie, Chet de David Leopold, ainsi que les jeunes Pete de Joseph Peacock et Dusty de Ryan Heenan, s'engagent chacun sur des voyages séparés dans le désert, pour atteindre la mine qui fut abandonnée il y a 10 ans après une catastrophe qui tua certains de leurs pères. Autour d'eux, un chœur de cinq pères décédés apparaît occasionnellement pour nous serenader, et l'un d'entre eux, David Haydn, se manifeste plus fréquemment, en tant que pas moins qu'une figure comme Jim Bowie : son fils, Pete le jeune, idolâtre les personnages de son film préféré, 'The Alamo', et semble fantasmer que son défunt père est lui (du moins, je pense que c'est ce qui se passe).

Maintenant, si vous ressentez déjà une attirance émotionnelle vers cette situation, alors il y a de bonnes chances que vous aimiez ce spectacle. Le metteur en scène, visiblement, le fait. Il puise ici dans un fort élément du patrimoine américain, s'inspirant des Twice-Told Tales de Nathaniel Hawthorne, ou des romances d'autres écrivains de la tradition lyrique et ruraliste, ou des mystères d'Edgar Allan Poe, et des aventures de garçons ayant besoin de trouver des figures paternelles dans leurs vies. En effet, l'environnement presque exclusivement masculin semble rappeler les histoires philosophiques et psychologiquement interrogatives de Melville. Pourtant, considérez ceci : quand ces écrivains racontent des histoires principalement avec des hommes, ils expliquent très clairement pourquoi c'est le cas, généralement par le choix du lieu (un navire en mer, une armée en campagne, etc.).

Si c'est le genre de chose qui enflamme votre imagination, alors le spectacle vous emportera sur son chemin charmant. Iliffe rend plus que justice à cette esthétique dans la production : il s'en délecte. Cependant, récemment à Londres, nous avons vu d'autres drames se déroulant dans des villes minières : les trois pièces de D H Lawrence au Dorfman ; 'Wonderland' au Hampstead Theatre ; et n'oublions pas 'Billy Elliot', qui a tourné au Victoria Palace pendant des années et est toujours en tournée avec succès. La plupart de ces œuvres se concentrent autant sur les femmes qu'elles incluent que sur les hommes. Je pense qu'il y a toutes sortes de raisons à cela. La principale, peut-être, est la reconnaissance qu'ont la plupart des écrivains que s'ils veulent que le public croie en leurs personnages, ils doivent les montrer de la manière la plus complète possible ; si cela ne se produit pas, le public peut soupçonner que les créateurs retiennent quelque chose, et il pourrait être moins enclin à s'identifier à leurs personnages, et à se soucier moins de ce qui leur arrive.

Vous devez juger par vous-même si vous pensez que cela peut ou non être le cas avec cette pièce. Quelle que soit la décision à laquelle vous aboutissez, vous pourriez également vous demander quel effet cela aurait sur vous si vous saviez de première main ce que les mères, les veuves, les sœurs, les cousines ou les petites amies des héros de l'histoire pourraient dire. D'accord, cela en ferait une pièce différente. Mais il y a une fille ici, alors : Où sont toutes les (autres) femmes ?