CRITIQUE : Richard III, Théâtre Alexandra Palace ✭✭✭

Tim Hochstrasser passe en revue la nouvelle production de Headlong de Richard III de William Shakespeare, actuellement jouée au nouveau Théâtre Alexandra Palace récemment restauré.

Richard III

Théâtre Alexandra Palace

14 mars 2019

3 Étoiles

Réservez Maintenant C'est la première fois qu'une pièce est jouée en pleine saison dans le Théâtre Alexandra Palace rouvert après avoir été fermé au théâtre pendant quatre-vingts ans. L'endroit mérite une critique complète à lui seul, mais il suffit de dire que c'est vraiment un lieu exaltant, avec une grandeur «shabby-chic» dans l'esprit de Wilton's mais à une échelle beaucoup plus grande, avec des lignes de vue généreuses, une scène énorme, des sièges confortables et un potentiel de flexibilité d'utilisation exceptionnel. La seule interrogation en suspens concerne l'accessibilité en transport, ce qui est largement hors du contrôle de la direction.

Cette production de Richard III de Shakespeare est une collaboration avec plusieurs partenaires (Headlong, Bristol Old Vic, Royal and Derngate, et le Oxford Playhouse). Elle offre de nombreuses caractéristiques intéressantes à recommander, mais ne parvient pas toujours à être plus que la somme de ses parties. Le réalisateur John Haidar l'a globalement jouée de manière assez traditionnelle, bien qu'avec quelques ajustements utiles au texte. Les scènes majeures ont été mises en place avec une conscience sensible des opportunités distinctives de l'espace, mais les scènes intimes ont été moins bien configurées. Du côté créatif, il y avait de nombreuses idées et dispositifs intéressants, mais sous certains aspects, ils manquaient d'intégration harmonieuse.

C'était une idée intrigante de commencer par le meurtre du roi Henri VI, tiré de la pièce précédente de Shakespeare dans sa séquence des Guerres des Roses. Plutôt que de commencer par «Maintenant, c'est l'hiver de notre mécontentement», qui pour toute sa démonstration verbale est un début abrupt et peu informatif, il était clairement utile pour le public de voir les antécédents esquissés, et un schéma de meurtre, de violence et de hantises fantomatiques établi immédiatement. Les scènes de factions rivales à la cour d'Édouard IV ont certainement beaucoup plus de sens que d'habitude.

Le choix de mettre en scène Buckingham introduisant un Richard pseudo-timide aux citoyens de Londres était également efficace et imaginatif. Cela a été très bien travaillé en plaçant plusieurs des acteurs dans le vaste auditorium. Haidar a manifestement beaucoup réfléchi aux thèmes de l'action collective qui peuvent être aperçus en continu à travers l'action. Peut-être le plus notable était l'accumulation progressive des fantômes tout au long de la pièce, tous liés au meurtre initial de Henry qui a donné le ton pour une accumulation très fine de tous dans la nuit avant Bosworth. Mais les relations entre Richard et ses collaborateurs ont été moins bien développées. Nous avions besoin de plus d'un sentiment de charme séduisant que Richard exerce sur eux, ainsi qu'une compréhension de leurs propres calculs, souvent naïfs, sur la façon dont ils peuvent l'utiliser à leurs propres fins, avant qu'ils ne soient utilisés et éliminés eux-mêmes. Les interstices de la faction de la cour doivent être explorés plus en profondeur comme un moyen d'entrer dans les personnages eux-mêmes.

Une autre façon de le dire est que le personnage de Richard III doit donc posséder une grâce insidieuse remarquable et un esprit sarcastique ainsi qu'une violence soudaine et aléatoire. Les attaques macabres étaient bien établies dans un envoi particulièrement brutal de Lord, ou dans ce cas, Lady Hastings, et la torsion physique du personnage était extrêmement bien soutenue avec une endurance admirable. Mais ses côtés plus délicats étaient sous-joués.  Vous avez également besoin d'un sentiment de dégoût de soi du personnage ou d'un certain sens de la source intérieure du mal extérieur. Cette intégration des aspects n'a pas été pleinement réalisée dans le portrait de Tom Mothersdale. Il était à son meilleur dans les scènes de cruauté et de bataille (où le travail de la directrice de mouvement Georgina Lamb devrait être reconnu), mais ailleurs il y avait plus d'une touche de Mr Bean/Blackadder qui écartait la majesté de la malice qui doit souvent émerger du bord de la scène vers le public.

Les autres acteurs ont offert un mélange de qualités et d'interprétations. Peut-être que les éloges appartiennent mieux à Eileen Nicholas en tant que Duchesse de York et à Stefan Adegbola en Buckingham. Les confrontations entre mère et fils avaient vraiment un angle et une vraie sensation de contestation, tandis que Richard gagnait trop facilement face à Lady Anne de Leila Mimmack, qui n'était pas toujours audible, dans une scène précoce qui devrait vraiment crépiter de tension. Buckingham d’Adegbola était un opérateur corporel très plausible et l'arpenteur approprié à Mothersdale pour une grande partie de l'action qu'ils partagent; bien qu'il aurait peut-être dû faire davantage pour exprimer son choc et sa consternation lorsque Richard s'avère ne plus être «en veine de donner». Tom Kanji a eu aussi de bons moments contrastés en tant que duc de Clarence condamné et en tant que bourreau ingrat, Catesby.

La designer Chiara Stephenson avait conçu un décor qui mettait en valeur les miroirs, sous la forme d'un semi-cercle de panneaux de verre pivotants. Cela a été utilisé avec efficacité tant pour l'accès général que pour les révélations éclairées par l'arrière dans les scènes finales. Il reprenait également légitimement ce qui est un thème majeur du langage de la pièce, qui est plein de références à un faux verre, un verre brisé et des miroirs craqués. Les concepteurs sonores et d'éclairage avaient proposé des dispositifs utiles pour marquer chaque meurtre, et les costumes contemporains reflétaient la noirceur de la teinte et du ton de la production avec des éclats de couleur d'autant plus parlants par leur rareté. La couronne physique était utilisée avec efficacité à la fois comme symbole et aspiration tentante à différents moments de l'action. Il y avait un cadre poignant et accrocheur du Te Deum pour la scène du couronnement, qui a donné un moment de repos tonal velouté avant la ruée vers la fin.

Il y avait donc beaucoup à admirer à différents moments de cette production, qui mérite d'attirer le public lors de sa tournée, et offre une introduction très solide à cette pièce unique pour ceux qui ne l'ont jamais vue auparavant. Mais c'est une pièce fréquemment produite, et par rapport aux meilleurs exemples des dernières années - y compris la production exceptionnelle récente avec Ralph Fiennes à l'Almeida - elle ne se démarque pas.

Jusqu'au 31 mars 2019

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