CRITIQUE : Girlfriends, Union Theatre ✭✭✭✭

Girlfriends

Union Theatre

9 novembre 2014

4 étoiles

Howard Goodall a un nouveau musical à l'horizon, Bend It Like Beckham, très attendu l'année prochaine. Cette perspective a rendu le retour sur l'œuvre de Goodall par l'Union Theatre (trois productions successives : The Dreaming, Love Story et Girlfriends) opportun et les résultats finaux valent bien les risques inhérents. L'un des grands avantages de l'Union Theatre (et du Landor d'ailleurs) est que le public a la chance de voir des comédies musicales qui rarement, voire jamais, n'ont la perspective d'une reprise dans le West End. De plus, le public peut découvrir de jeunes talents prometteurs, parfois lors de leurs premières performances, et ressentir l'excitation d'être présent alors que quelque chose de spécial se produit pour la première fois.

Goodall est un héros méconnu des comédies musicales britanniques. Son travail est ambitieux, intéressant et souvent très puissant, mais il n'a jamais eu l'attention que, disons, Alan Bennett ou David Hare ont eue du National Theatre. Pourtant, son travail est aussi important que le leur et couvre de larges spectres et styles, tout comme le leur. Cela ne veut pas dire que Goodall n'a pas connu un grand succès - il l'a fait - mais quel plus grand succès auraient pu avoir ses œuvres si les soins et les dépenses consacrées à The Light Princess avaient été utilisés pour affiner ses œuvres ?

Comme le montre amplement la production de Girlfriends actuellement jouée à l'Union Theatre (mise en scène par Bronagh Lagan, direction musicale par Freddie Tapner et chorégraphie par Iona Holland), Goodall a une maîtrise de la mélodie et de la composition rare dans le théâtre musical de nos jours. La partition a une vision et une unité totalement captivantes et délicieuses ; et elle est débordante de voix féminines, un rare délice en soi.

Dans le programme, Goodall note :

Mon expérience musicale consistait à voir si je pouvais - sur scène - faire de ce monde une polyphonie contrapuntique, c'est-à-dire une tapisserie vocale composée de lignes de voix entrelacées et à plusieurs niveaux, l'une sur l'autre, un peu comme on pourrait s'attendre à voir dans la musique chorale du XVIe siècle.

L'expérience de Goodall réussit incontestablement. La partition est riche en mélodie et texture contrapuntique et, entre les mains habiles de Freddie Tapner, elle est jouée avec assurance et chantée avec passion, clarté et objectif musical. Tapner fait ses débuts avec cette production et son émergence augure bien pour l'avenir des productions de théâtre musical dans cette ville. Utilisant judicieusement deux pianos, augmentés par des vents et des cordes (contrebasse/violoncelle), Tapner s'assure que l'accompagnement est aussi bon qu'il peut l'être dans un petit espace comme l'Union.

Il a également pris grand soin avec les chanteurs. L'équilibre est bon et, tant dans le travail solo qu'ensemble, il y a beaucoup d'attention portée aux détails, aux nuances et à un style d'ensemble qui garantit que la richesse de la partition n'est pas perdue dans une ambiance moderne et que chaque note reçoit l'attention nécessaire. Le résultat est musicalement exaltant.

Goodall est également responsable des paroles, et elles sont excellentes. Il n'est pas clair qui est responsable des bribes de dialogue et des interactions ; dans une version antérieure de l'œuvre, Richard Curtis avait fourni un script mais il n'est pas crédité ici. Bien que le matériel ait été retravaillé et réorganisé pour cette production, il reste encore des améliorations à faire sur l'aspect narratif de la production. Certaines scènes peuvent disparaître sans difficulté, certains moments peuvent être resserrés.

La mise en scène de Lagan est assez statique, ce qui représente une difficulté sérieuse, mais cela est en partie dû aux contraintes du lieu. Un plateau tournant résoudrait instantanément certains des défis que la pièce offre. Mais cela ne veut pas dire que Lagan ne parvient pas à produire des moments de grande théâtralité - l'utilisation d'un parachute pour devenir un écran derrière lequel des amants clandestins s'enlacent en ombre est inspirée et rend la révélation théâtralement habile. Et le sens de la période est fermement ancré dans la manière de s'habiller, la façon dont le casting se déplace et interagit, les coiffures et le sentiment général d'incertitude et de tragédie qui plane constamment.

Le design de Nik Corrall est simple, mais efficace. J'ai particulièrement aimé la fresque sur le mur du fond qui devient à un moment donné la vue d'un pilote sur la terre en dessous et la scène où les femmes utilisent des fusées éclairantes pour guider un pilote aveuglé par le brouillard est très astucieuse.

Personne dans le casting n'est mal choisi ou inégal par rapport à la tâche imposée par la pièce, mais certaines lumières brillent plus que d'autres. La pièce se penche sur des personnes disparates, principalement des femmes, réunies sur une base aérienne pendant la Seconde Guerre mondiale. Toutes de différents horizons et lieux, et toutes avec des tempéraments différents, elles deviennent amies dans ce creuset inhabituel.

Catherine Mort est tout à fait merveilleuse dans le rôle de Jane. Elle chante avec assurance et une voix imprégnée d'émotion et de sens ; il y a une timbre lustré dans son son qui est un pur délice. Elle a le rôle le plus difficile : la fille qui aime l'officier fringant, Guy, qui aime sa meilleure amie, Amy.

Quand Amy refuse d'avoir des relations avec Guy et le quitte, Guy se tourne vers Jane. Elle couche avec lui parce qu'elle l'aime ; il le fait parce qu'il ne veut pas mourir au combat sans savoir à quoi ressemble l'intimité sexuelle. Jane sait que Guy aime vraiment Amy mais elle ne peut pas lui résister. Elle perd presque son amitié avec Amy à cause de cela.

C'est une histoire familière et totalement vérité, et elle est bien racontée sur fond du cadre claustrophobe de personnes forcées de se regrouper dans des baraquements à cause d'une guerre. Mort traduit parfaitement tous les sentiments et les expériences de Jane dans une performance finement jugée.

Tom Sterling, grand, beau, et béni d'un son de ténor sûr et pur, fait un travail facile de Guy, bien qu'il pourrait peut-être accentuer davantage l'égoïsme du personnage. Guy est finalement peu aimable et Sterling ne devrait pas avoir peur de cela. Dans le rôle d'Amy, Corrine Priest est douce et précieuse en tant que bonne fille qui ne veut pas céder sa virginité, bien qu'elle ait besoin de se détendre davantage, de laisser le personnage s'envoler.

Catriana Sandison était adorable dans le rôle de Jas et sa chanson sur la mort de son frère était l'un des moments dramatiques forts de la pièce, merveilleusement et intelligemment interprétée. Sarah Harlington est excellente en tant que fille joyeuse, Sally, et il y a aussi de belles performances de Jessica Hern (Karen) et Perry Lambert (Lou).

Michael Rees, l'ami de Guy et bon vivant, Gareth, l'idée archétypale d'un homme de l'Air Force un peu lubrique, doit travailler à donner à son personnage une cohérence plutôt que d'être fragmenté. Il fait un excellent travail, mais à d'autres moments semble incertain de ce qu'est Gareth. Sa voix est assurée et forte, et il n'a aucune difficulté avec l'humour dans la pièce.

L'ensemble du casting chante très bien, la diction est excellente tout comme la hauteur. Ce n'est pas une partition facile à chanter et elle est exigeante vocalement - mais la compagnie répond à ces exigences de manière cohérente et avec brio. Les grands numéros d'ensemble sont une pure joie à entendre.

C'est la plus forte des trois propositions de Goodall que l'Union a produites cette année. La direction musicale de Tapner, un excellent casting mené par Catherine Mort, et une partition vibrante, mélodieuse et polyphonique se combinent pour produire un véritable plaisir théâtral. C'est l'une des meilleures productions musicales à l'Union Theatre des cinq dernières années - et sa qualité et sa valeur soulignent l'importance de l'existence continue de l'Union Theatre.