CRITIQUE : Brass, Hackney Empire ✭✭✭✭✭

Brass

Hackney Empire

26 août 2016

5 Étoiles

Le NYMT, qui fête ses 40 ans cette année, est une organisation véritablement remarquable, et cette production phare de leur saison estivale, hébergée pendant deux magnifiques jours au superbe Hackney Empire de Frank Matcham, était un événement vraiment remarquable. Un public de gala est venu applaudir, rire et pleurer devant cette histoire épique d'une fanfare de Leeds pendant la Grande Guerre, propulsée comme un obus de Vickers depuis un club extrascolaire inoffensif pour ouvriers d'usine jusqu'aux tranchées de Flandres.

Benjamin Till a cherché cette histoire pendant - littéralement - des décennies, écrit le scénario (avec une dramaturgie de Philippa Goslett et des paroles additionnelles de Nathan Taylor et Sir Arnold Wesker), puis s'est lancé dans le travail herculéen de la transformer en une pièce de théâtre musicale unifiée. Le travail a été présenté en première au Leeds City Varieties Music Hall il y a deux saisons, remportant pour le NYMT et son équipe créative de l'époque le UK Theatre Award de la meilleure production musicale. Cette production, dirigée par Sara Kestleman, chorégraphiée par Matt Flint et dirigée par Benjamin Holder, a été enregistrée et est disponible auprès du NYMT.

En écrivant cela, j'écoute cet enregistrement. La partition du spectacle est telle que l'on veut - on doit - la revisiter encore et encore. Till et ses collaborateurs sont de tels talents majeurs qu'il n'y a pas une seule ligne, phrase ou mesure qui ne soit digne d'écoute répétée. Honnêtement, c'est une réussite à couper le souffle. Mark Shenton a dit qu'elle mérite sa place au National Theatre, et il n'a pas tort. Le secteur subventionné pourrait monter une production de cette envergure ; cependant, l'œuvre pourrait tout aussi facilement séduire - avec une troupe plus réduite - le théâtre commercial. Le National, bien sûr, est à la recherche d'un successeur à 'War Horse'. Eh bien, c'est une évolution intéressante à considérer.

Comme Conor Mitchell, dont 'The Dark Tower' j'ai fait la critique plus tôt dans la semaine, en plus d'être un grand parolier et dramaturge, Till est un compositeur complet, qui ne laisse aucune de ses musiques aux mains d'autres. Est-ce un hasard si nous redécouvrons pratiquement consécutivement les partitions de théâtre musical de deux compositeurs qui écrivent chaque note que nous entendons - tous les arrangements, vocaux et instrumentaux ? Le niveau de composition semble certainement très élevé ici, surtout quand la musique est si magnifiquement, merveilleusement conçue pour raconter une histoire théâtrale captivante. La compagnie du NYMT au Hackney Empire nous emmène dans un voyage que nous n'oublierons jamais, mis en scène par la directrice visionnaire Hannah Chissick travaillant en symbiose avec le chorégraphe Sam Spencer-Lane, dans des décors simples mais terrifiants de Jason Denvir, magnifiquement éclairés par David Plater. Le design sonore, par Tom Marshall, est un modèle de comment projeter 50 voix et un orchestre de 20 musiciens, dans un espace énorme comme l'Empire, et nous allons en parler plus en détail.

La langue scénique est frappante, dérangeante et constamment surprenante. Avec rien d'autre que des caisses en bois vides, des piles de munitions, et un rostra en diagonale en forme de guillotine entaillant l'arrière de la scène, l'action se déroule dans un espace presque ouvert. Pourtant, les costumes, rassemblés par Anne-Marie Horton, sont impitoyablement naturalistes, concentrant l'attention entièrement sur les histoires humaines individuelles racontées dans un monde qui semble offrir peu de confort personnel ou d'abri.

Dès le début, presque brechtien, alors que la troupe se rassemble, les lumières de la scène s'allument en cliquetis, les lumières de la salle s'éteignent progressivement, nous sommes dans une répétition de fanfare, alors que tout le monde se réunit pour présenter un numéro d'ouverture qui est nouveau pour la production de Hackney : un passage en revue d'une pièce de concours apparemment 'traditionnelle', du genre que Vaughan-Williams aurait pu écrire et qu'une fanfare comme celle que nous voyons pourrait bien avoir jouée. Les acteurs sont en vêtements de travail. Ils pourraient bien être des employés de l'usine d'armement ROF Barnbow, la gigantesque usine de Leeds. Ingénieusement, nous voyons un mélange de musiciens de la fosse en costume amenés sur scène, des acteurs-musiciens jouant avec eux, et certains acteurs mimant comme s'ils faisaient partie du groupe, avec un soutien subtil de quelques percussions plus lourdes en dessous de la scène. L'effet est parfaitement harmonieux, mais c'est typique de la complexité de la coordination des éléments qui est autre une des nombreuses joies de cette présentation.

Nous devons aussi nous rappeler - même si cela semble impossible - que cette jeune compagnie a monté l'intégralité de la production en à peine deux semaines pendant les vacances de Pâques, avant de se réunir à nouveau en été pour intégrer de nombreuses réécritures puis pour apprendre et parfaire la production en, hum, huit jours. Oui. Huit jours. Ils sont 33 dans la compagnie (seuls 7 d'entre eux sont des vétérans de la production de 2014) ; et 18 musiciens, dont beaucoup sont sur scène, jouant, souvent. Avec seulement deux jours dans le bâtiment avant l'ouverture, la répétition technique, avec son équilibrage sonore fiendishly compliqué pour être parfaitement correct, a laissé juste assez de temps pour faire la répétition générale du premier acte : ce que nous avons vu le soir de la performance du deuxième acte était la toute première occasion que la compagnie avait de le jouer ensemble dans son intégralité. Le trac ? Pas une once de cela. Nombreuses sont les performances remarquables de ce groupe excellent avec à peine assez d'espace pour leur rendre justice ici, incluant : Ruby Ablett ; Laura Barnard ; Anna Cookson ; Lucy Crunckhorn ; Madeleine Ellis ; Oscar Garland ; Crispin Glancy ; Ben Hiam ; Adam Johnson ; Robyn MacIntyre ; Matt Pettifor ; Richard Upton ; et Kitty Watson.

Le vocabulaire de Till est virtuose et sa maîtrise de la couleur orchestrale et vocale symphonique dans son ambition et sa maestria. Les numéros musicaux varient largement entre d'innombrables influences, et cela aide à élargir le champ de l'expérience pour que cette guerre ait vraiment l'air 'Grande' comme elle l'était. Un instant, nous sommes dans le monde vif et insouciant de Gilbert et Sullivan, ou peut-être celui de Lionel Monkton, ou des chansons de salon enjouées, puis nous entendons du ragtime américain, ou les Tommies chantant une de leurs chansons légèrement sardoniques mais optimistes. De même, Till explore la vie émotionnelle interne de ses personnages dans un registre vernaculaire qui nous rappelle la tradition moderne de l'opérette épique, le monde des 'Misérables' peut-être, une autre grande narration de gens ordinaires luttant contre des obstacles impossibles. La chanson-titre, une aria de ténor héroïque (chantée ici avec une puissance inoubliable par Ben Mabberley - qui vient, à juste titre, du nord de l'Angleterre, comme beaucoup de ce casting), a cette capacité puissante de pénétrer les vulnérabilités émotionnelles les plus profondes de l'auditeur que l'on trouve dans les mélodies de, disons, Nino Rota, un autre compositeur de récits épiques sur le choc des destinées privées et nationales. Et toujours, jamais loin de nos oreilles, il y a l'euphonie envoûtante des cors, trompettes, trombones et tuba, égayée par le carillon d'un glockenspiel et rythmée par le pouls d'un tambour à caisse claire.

Encore et encore, tout au long de cette œuvre longue et détaillée, l'équilibre et la coordination sont soutenus avec le plus haut niveau d'art et de compétence. Musicalement, cela est en grande partie grâce à la merveilleuse relation entre le compositeur et son chef d'orchestre, ici un vétéran du NYMT et aussi chef du département de musique académique de Stowe, Alex Aitken. Sa préparation méticuleuse et exhaustive de la partition immense et infiniment variée, combinée à son insistance à toujours rester fidèle à l'intention créative de l'œuvre, signifie que lorsqu'il se tient sur le podium de direction, il exerce le contrôle le plus détendu, le plus discret et le plus infaillible de la performance.

Et c'est une autre chose pour laquelle nous devons remercier le NYMT. Le soutien continu et le développement de nouveaux talents, aux côtés des meilleurs et des plus expérimentés professionnels travaillant dans le métier, est une autre des réussites glorieuses de la compagnie. La grande toile de financement, de bienfaisance, le soutien infatigable des familles et des amis, et la vente de billets (tous, il convient de le noter, à des prix très compétitifs) qui garantissent tout cela est un investissement non seulement dans la croissance des jeunes qui passent de génération en génération par la compagnie, mais aussi dans l'avenir de cette industrie elle-même.

Avec un tel succès accumulé à son actif cependant, cette compagnie ne reste certainement pas immobile. Au contraire, elle avance vers des réalisations encore plus grandes. Les discussions parmi les grands et les bons du théâtre musical britannique qui se sont pressés au théâtre pour découvrir cette merveille ont révélé des développements merveilleux en vue. Alors, gardez les yeux ouverts, et guettez le début des réservations pour la saison 2017.

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