REZENSION: Volpone, Brockley Jack ✭✭✭

Volpone

Brockley Jack Theatre

01/10/15

3 Sterne

„Reichtum ist für das Schicksal ein größeres Gut, als Weisheit es für die Natur ist“ - Volpone

Vor einigen Jahren besuchte ich eine Meisterklasse für klassische Musik, die sich nicht den Noten, sondern den Pausen widmete. Der Fokus lag ganz darauf, wo Sänger in komplizierten barocken Arien voller furchterregender Koloratur atmen sollten und wo nicht. In einem Fall, in dem Bach oder Händel ein Stück ohne offensichtliche Atempausen geschrieben hatten, wurden verschiedene Optionen ausprobiert und das Publikum stimmte darüber ab. Sobald wir es gehört hatten, war uns allen klar, wo der natürliche Bruch und die Phrasierung lagen. Es gab eine richtige Antwort, aber man musste sie selbst finden, es war nicht gegeben.

Ich erinnerte mich an diese Episode bei der Pressevorstellung dieser wertvollen, aber fehlerhaften Produktion von Volpone im Brockley Jack. Jonsons Stück von 1605 ist voller hochartifizieller Monologe und Reden, die vor schillerndem lateinischem Vokabular und komplexen Paradoxien übersprudeln. Sie erfordern Geschick, um sie überhaupt zu verhandeln, und um dies mit der erforderlichen glatten Finesse zu tun, ist vor allem ein präzises Gehör für Atmung, Tempo und rhetorische Präsentation notwendig. Nichts Geringeres wird ausreichen. Hinter den glitzernden, tückischen Oberflächen des Blankverses liegt der Weg viel ebener. Jonsons Erzählung handelt von Volpone - einem reichen venezianischen Hypochonder - und seinem anmaßenden Parasiten Mosca, die beide Vermögenjäger dazu verleiten, zu glauben, sie könnten das Vermögen des listigen Fuchses erben. Dies ist eine stereotype moralische Fabel im Stil von Aesop, bei der man statt nuancierter individueller Charaktere Bündel von Eigenschaften hat – Corbaccio, der Rabe, Voltore, der Geier, Corvino, die Krähe – die sich in einer mehr oder weniger vorhersehbaren Matrix abspielen. Der Stil des Spiels muss daher komisch, wissend, schnell und wütend sein; sich in dem rhetorisch möglichen Fest berauschend und gleichzeitig ironische Distanz dazu wahrend – Blackadder wäre eine angemessene moderne Parallele.

Es ist jedoch nicht einfach ein Gleichnis über Habgier und ihre Fallstricke. Jonsons tieferer Zweck besteht darin, zu fragen, ob der Besitz von Reichtum auf lange Sicht mehr Vorteile bringt als natürliche Weisheit – eine beunruhigendere Frage, insbesondere wenn sie mit Moscas Behauptung kombiniert wird, dass wir alle in gewisser Weise Parasiten in unseren sozialen Beziehungen sind, egal wie sehr wir uns selbst auf dem Weg täuschen.

Das Stück wurde erstmals im Globe aufgeführt und war kontinuierlich beliebt, bis die Viktorianer ihren Sinn für Ironie verloren. In den letzten Jahren hat es eine brüllende Wiederkehr erlebt, nicht zuletzt dank der Produktion des National Theatre von 1974, die eine Traumbesetzung mit Paul Scofield und Ben Kingsley in den Hauptrollen sowie die Luxusbesetzung von John Gielgud und Ian Charleson in Nebenrollen hatte.

Volpone muss die Aktion dominieren und leiten, indem er in der ersten Hälfte die Intrigen aufsetzt, und Mosca übernimmt im zweiten die Führung. Beide müssen individuelle Schauspieler von wirklichem Können und Charme sowie ein großartiges Team sein. Wenn einer von ihnen nicht in Form ist, kann das Ganze nicht gelingen. Im Fall der neuesten RSC-Produktion, die von Stephen Collins rezensiert wurde, war es der Mosca, der schwächelte, und hier ist es leider der Volpone. Am Premierenabend hatte Steve Hope-Wynne den Text nicht vollständig im Griff, weder inhaltlich noch in der Gestaltung, und in diesem Repertoire gibt es einfach keinen Ort zum Verstecken. Man hofft, dass diese Probleme im Verlauf der Vorstellungen gelöst werden und es kommt, wie ich zu Beginn sagte, vor allem auf Atmung und Struktur an, genau wie bei der Vorbereitung des Opernrepertoires.

Im Gegensatz dazu war Mosca in dieser Produktion herausragend. Bei der Lieferung der Monologe und im rasanten Schlagabtausch, den er inszenieren muss, tat Pip Brignall dem herausragenden Material, das Jonson ihm gibt, vollauf Gerechtigkeit. Dies ist eine wunderbar fließende Imagination mit nett differenzierten Formen der Schmeichelei für jeden der potenziellen Toren und einer öligen, gleitenden Bühnenbewegung, die dem Charakter voll entspricht. Die zweite Hälfte der Handlung hatte dadurch eine charmante Leichtigkeit, die wirklich beeindruckend und faszinierend war.

Die habgierigen Freier sind stereotype Figuren, ohne konventionell „gute“ Charaktere in Sicht – sogar Bonario und Celia, beides unschuldige Opfer der Intrigen, sind von Jonson nur sehr schwach skizziert und fesseln nicht unsere emotionale Aufmerksamkeit. Es gab gute Leistungen von einer Reihe von Schauspielern in diesen Karikaturen, wobei Rupert Bates mit einer netten juristischen Täuschung als Anwalt Voltore hervorstach.

Jonson hat mehr Aufwand in die Nebenhandlung um den albernen englischen Reisenden Sir Politick Would-Be gesetzt, gespielt hier von Edward Fisher als ein entzückender Mr Pooter-Typ, der sich fröhlich von der Realität ablöst, mit einer gleichen Mischung von Selbstzweifel und Prahlerei. Seine Frau, Lady Would-Be, ist eine ebenso ansprechende komische Schöpfung, voller unsinniger prätentiöser Schwafeleien, und wurde von Ava Amande als Vivien Westwood-Typ dargestellt, die sich der Bestürzung, die sie in ihrer Umgebung hervorruft, nicht bewusst ist. Ich habe anderswo Produktionen gesehen, in denen diese Nebenhandlung das Stück in der zweiten Hälfte belastet, aber hier waren ihre Eingriffe und Intermezzos reizende Porträts der Sorgen der 'Ausländer Englisch'.

Regisseurin Cecilia Dorland hat im Namen der Gruppe Scena Mundi dem Stück in Kostüm, Design und Musik ein Ambiente der 1920er Jahre verliehen. Ich hatte nicht das Gefühl, dass diese Umgebung besondere Einsichten geboten hat, aber sicherlich bot sie die Grundlage für einige verwegene musikalische Nummern, darunter ein Abschieds-Conga, der den Abend sauber abrundete. Die Kulisse war minimal, aber angesichts der Platzverhältnisse unvermeidlich. Es wurden einige Kürzungen am Text vorgenommen, aber auf keine Weise, die die Integrität des Ganzen beschädigte. Am Ende sorgt Jonson dafür, dass jeder seinen gerechten Lohn erhält - „Übel gedeihen wie Tiere, bis sie fett sind, und dann bluten sie.“ Er macht jedoch auch klar, dass dies oft weit entfernt von Gerechtigkeit selbst ist, und dies wird schön symbolisiert durch den vorsitzenden Richter (Anna Buckland), der während des gesamten Verfahrens ostentativ Veuve Clicquot schwenkt.

Es gab viele angenehme und einfallsreiche Aspekte an diesem Abend, aber genau wie bei der Restaurationskomödie gibt es bestimmte stilistische und formale Anforderungen für den Erfolg, die unverhandelbar sind. Jeder Beteiligte an dieser Produktion handelte mit Engagement und einem guten Gefühl für Tempo und Projektion in diesem intimen Raum, aber der Erfolg des Ganzen hängt grundlegend von der Beherrschung eines schwierigen Textes ab, der wie Volpones Gold schmeichelt, um zu täuschen, es sei denn, der Schauspieler ist sehr sorgfältig.

Volpone läuft bis zum 17. Oktober 2015 im Brockley Jack Studio Theatre