REZENSION: Die Uhrmacherstochter, Landor Theatre ✭✭✭✭

Die Tochter des Uhrmachers

Landor Theatre

3. Juni 2015

4 Sterne

In der fünften Staffel von Buffy, der Vampirjägerin, erhält Spike, der bösartige, machiavellistische, aber letztlich heldenhafte (und immer aufregende) Vampir eine Roboter-Version von Buffy. Der Roboter dient mehreren Handlungszwecken, wurde jedoch aufgrund von Spikes Wunsch nach einem Ersatz für die echte Buffy erschaffen, den er lieben könnte. Da sich die Serie mit fantastischen Kreaturen wie Vampiren und Werwölfen beschäftigte, war diese Art von Handlungsinstrument auf gewisse Weise alltäglich, auf andere inspiriert. Weil Spike bereits tot war, war der Widerwillensfaktor gering.

Ebenso war in derselben Serie Xanders Liebe zu einem 1000 Jahre alten Rachedämon, Anya, verständlich, da sie im Rahmen der bizarren und fantastischen Elemente von Buffys Geschichte, ihrer Scooby-Gang und ihrer Feinde und Freunde dargestellt wurde. Buffy war ein exemplarisches Fantasy-Abenteuer - doch es hatte viel zu sagen über moderne reale Anliegen wie Gruppenzwang, Coming-out, aufkommende Sexualität, Eifersucht, Besessenheit, Rache, Eigeninteresse, den Preis der Macht und die Macht von Liebe und Opfer.

Das ist natürlich eines der großartigen Dinge an fantastischen Geschichten: Sie können ernste moralische Fragen nahtlos und zum Nachdenken anregend behandeln, dabei aber im gesamten Spektrum unterhaltsam sein, weil die oberflächlichen Handlungsstränge in ihren eigenen Rechten Komödie und Drama bieten, oft in magischen oder romantisch reizvollen Situationen.

Wenn man ein neues Musical als ernsthafte Untersuchung von lustvoller Besessenheit, der Macht des Rudelverhaltens, der Ausgrenzung Andersartiger (aus welchem Grund auch immer, Ethnie, Geschlecht, sexuelle Identität, Armut, fehlende Möglichkeiten, Gesundheitsprobleme) und der inhärenten Frauenfeindlichkeit der Gesellschaft, insbesondere gegenüber benachteiligten Frauen, bewerben würde, würde jemand es sich ansehen? Ich bezweifle es, selbst wenn Stephen Sondheim die Musik geschrieben hätte. Natürlich hat er dieses Musical geschrieben, das zerbrochene Fantasy-Märchen, Into The Woods, aber es wurde nie so beworben - jemals. (Aber das ist eine andere Geschichte, egal...)

Aktuell im Landor Theatre zu sehen ist Die Tochter des Uhrmachers, ein neues Musical (genauer gesagt ein originales musikalisches Märchen) mit Buch, Musik und Texten von Michael Webborn und Daniel Finn. Zusammen mit Duncton Wood, das derzeit im Union Theatre läuft, macht Die Tochter des Uhrmachers das Argument für die Schaffung eines Nationalen Musicals, das ordentlich aus den Lotteriemitteln finanziert wird und als alleiniger Zweck die Entwicklung, das Ausprobieren und Verfeinern neuer Musicals hat. Diese Werke sind vollgepackt mit Exzellenz, insbesondere hinsichtlich ihrer Partituren, und verdienen bedeutende und substanzielle Unterstützung.

Im Programm geben Webborn und Finn ihr Ziel bekannt:

„Als wir begannen, 'Die Tochter des Uhrmachers' zu schreiben, war das einzige, dessen wir uns sicher waren, dass wir ein neues Märchen wollten. Wir wollten alle Merkmale der traditionellen Form: die Magie, das fantastische Gefühl, die übernatürlichen Elemente, den moralischen Kern und die Einfachheit, die mit der narrative des Genres einhergeht. Aber es musste neu sein; es musste anders sein“.

Darin haben sie vollständig Erfolg gehabt.

Die Frau des Uhrmachers ist kinderlos gestorben. Er, Abraham, ein Meister der Uhrenmacherkunst, schafft eine mechanische Frau zur Gesellschaft. Doch er schafft mehr, als er erwartet hat, und als er seine Kreation mit einem großen Schlüssel in ihrem Rücken aufzieht, erwacht sie zum Leben. Er versucht, ihre Anwesenheit zu verbergen, doch das Wesen, das er geschaffen hat, Constance, ist gierig nach Wissen und Erfahrung. Sie liest viel, studiert und erinnert sich, bevor sie sich in die Welt wagt - wo sie Verlust, Freude, Akzeptanz, Liebe, Abscheu, Hass und schließlich den Tod findet. Es gibt viele Tricks und Überraschungen auf dem Weg, doch das ist der Kern der Geschichte: so magisch, fantastisch und moralisch wie sie kommen.

Es ist auch neu und anders. Ja, der Kuchen, den Webborn und Finn hier gebacken haben, könnte ein Pfund Frankenstein, ein Pfund Pygmalion, eine Tasse Phantom der Oper, gehäufte Esslöffel von Die Schöne und das Biest, eine Prise Pinocchio und ein Hauch von Buffy sein, aber es ist, wie Jerry Herman vielleicht gesagt hätte, seine eigene spezielle Kreation.

In einem passend rustikalen irischen Dorf angesiedelt, ist es voll von vertrauten Charakteren: der verknöcherte, wankende Bürgermeister; der schöne Sohn des Bürgermeisters; die schöne Braut des Sohnes des Bürgermeisters; der schmerzerfüllte, einsame, eremitische Meister-Handwerker; die offene Dorfnäherin (eine Art Kreuzung zwischen Mrs Potts und Ursula), ihre Töchter und ihr Sohn; und die Dorfbewohner. Fast jeder ist arm oder zumindest nicht reich, aber alle scheinen glücklich genug zu sein.

Dann wird das teure, unersetzliche Hochzeitskleid der Braut-to-be bei einem Unfall mit dem Dorfbrunnen ruiniert, und das Dorf wird von Katastrophe und Elend heimgesucht. In diesen Schmelztiegel tritt Constance ein, unsicher, die Welt außerhalb ihres eigenen Hauses erkundend. Sie schneidert ein Ersatzkleid, viel besser als das ruinierte Original, und bringt Geschenke und vollbringt gute Taten für die Dorfbewohner. Schließlich enthüllen sie ihre Identität als mysteriöse Wohltäterin und feiern sie - um nicht zu sagen, nutzen sie aus.

Abraham warnt Constance, dass das Dorf sie ablehnen wird, wenn ihre wahre Natur entdeckt wird. In Wahrheit will er sie für sich behalten. Constance, die das Leben außerhalb von Abrahams einsamen Haus gekostet hat, will mehr und wird, vielleicht wenig überraschend, im Dorf ertappt, als ihr Zeitmechanismus stoppt und sie einfriert und neu aufgezogen werden muss. Abraham, vor dem Dorf, zieht sie buchstäblich wieder auf und sie erwacht erneut. Doch das Dorf hat sich gewendet...

Mehr zu sagen, würde die Geschichte unverzeihlich verderben, die bis zum Ende einige echte Überraschungen bereithält. Genug gesagt, dass Magie und Liebe beide eine bedeutende Rolle im Verlauf der Ereignisse spielen, wenn auch vielleicht nicht auf die übliche Disney-Art.

Es ist eine großartige Geschichte, aber das glänzendste Juwel der Show ist ihre Musik. Es gibt Volkslieder, Liebeslieder, leidenschaftliche Balladen, Komödiennummern, Paterlieder, schwebende Melodien, komplexe Harmonien und prächtige Polyphonie, all dies mit einem Spritzer irischen Jigs um die Ränder. Es ist eine Partitur, die nach einer vollwertigen Orchestrierung schreit, die viele Saiten- und Holzblasinstrumente einschließt, um die natürlichen Kräfte der Komposition auf faszinierende Weise freizusetzen.

So wie es ist, unter Webborns musikalischer Leitung, kombiniert die kleine Band und die Besetzung von zwanzig, um ein echtes Gefühl für die inhärente Kraft und Anziehungskraft der Partitur zu vermitteln. Unterstützt werden sie dabei in nicht unerheblichem Maße durch ein hervorragend sicheres Auftreten in der Lieferung der schwierigsten und wunderschönsten Musik von Jennifer Harding, die in der Hauptrolle von Constance glänzt.

Harding hat eine reiche, lebendige, perfekt unterstützte und nachhaltige Stimme mit einem starken Ausdruck und einem freien, luxuriösen oberen Bereich. Es ist eine Freude, ihr zuzuhören, wie sie die großen Nummern hier meistert, den Fusion von ihrer Kunst und der leidenschaftlichen Partitur zu genießen. Ihre Diktion ist makellos, und sie hat die seltene Fähigkeit, jedem Ton das richtige Maß zu geben und vollständig die Bedeutung jedes Wortes und den Gesamtsinn und Umfang der Emotionen und Dynamik der Partitur zu vermitteln.

Über ihre Fähigkeiten als Sängerin hinaus zeigt sich Harding in glanzvoller Form im Schauspielbereich. Es ist schwierig, eine mechanische Kreatur zu spielen, deren Bedeutung sowohl die Unmenschlichkeit ihrer mechanischen Natur als auch die aufkommende romantische Seele hervorhebt, die durch die magische Alchemie ihrer Interaktion mit den Dorfbewohnern geboren wird. Doch Harding gelingt es auf spektakuläre Weise.

Mit seinem gewohnten Scharfsinn lenkt Robert McWhir das Geschehen mit Geschicklichkeit und Klarheit. Dies ist, in Wahrheit, ein großes, episches Stück Musiktheater. Es würde sich am besten auf einer großen Bühne, mit beeindruckenden Kulissen und Kostümen darstellen; ein richtiges Gefühl der Größe, das zu der Märchenkonzeption passt. Dass McWhir es schafft, ein solches Stück im intimen Raum des Landor so gut umzusetzen, verdient echtes Lob. Es ist ehrgeizig und es zahlt sich aus.

Robbie O'Reilly leistet gute Arbeit im Bereich der Choreografie und David Shields macht das Bühnenbild interessant und verspielt und evoziert verschiedene Standorte sehr gut. Der Sinn für Zeit und Mechanik ist immer präsent auf der Bühne, jedoch nicht in einer Weise, die ermüdend oder abgestanden ist. Leider tut Richard Lamberts Beleuchtung weder der Kulisse noch der Gesellschaft allzu viele Gefallen - an dem Abend, an dem ich dort war, könnte ein Scheinwerfer durchgebrannt sein, denn die Dinge schienen in dieser Hinsicht sehr merkwürdig.

Es gibt viele enorm engagierte Arbeiten von der Gesellschaft, mit besonders guten Darbietungen von Emily Peach, Ryan Lynch, Kathryn Laura Aiken und Paul Bradshaw. Alyssa Martyn ist sehr süß als Amelia, und sie ist wirklich beeindruckend in der Szene des zweiten Akts, in der sie die Rudelmentalität des Dorfes herausfordert und moralische Fragen auf effektive Weise aufwirft. Sie hat eine stille, aber angenehme Stimme, die sich gegen ihren Charakterstärke positioniert.

Alex Spinney (Henry), Rob McManus (Bürgermeister Glynn), Alan McHale (Will) und Max Abraham (Sam) haben alle inspirierende Momente in ihren Rollen, alle sehen gut aus und passen zu ihren Teilen, könnten jedoch selbstbewusster in ihrer Lieferung sein.

Jo Wickhams Ma' Riley ist eine zu groteske Karikatur, um Pathos und Herz zu bringen, das der Charakter liefern sollte; Natalie Harman, als ihre Tochter Rhiannon, nimmt ihren Hinweis von Wickham, was verständlich ist, aber es bedeutet, dass die Komplexität und das Interesse ihres Charakters etwas verloren gehen. In beiden Fällen könnte weniger auf jeden Fall mehr sein.

Lawrence Carmichael bringt als Abraham, der titeldame Uhrmacher nicht das erforderliche in die Rolle. Es ist schwer, die Wörter, die er singt, zu hören und häufiger als nicht gibt es ernsthafte Pitch-Probleme. Viel vom Exposion und emotionalen Fundament ruht auf seinen Schultern und während es unbestreitbare Momente der Einsicht gibt, ist die Last zu schwer für ihn.

Teilweise ist das auf das Schreiben zurückzuführen. Sein erstes Solo ist schwierig zu verstehen, da seine Hintergrundgeschichte nicht klar gemacht wird, bevor es passiert; sein Interesse an Constance ist in Teilen der Erzählung als sehr creepy geschrieben; und obwohl er Constance erschafft und der Schlüssel zur besten Überraschung der Show ist, wird der Teil in vielen Aspekten nicht als freundlich geschrieben und erfordert die Art von feinem Umgang, die zu Teilen wie dem Biest passt in Die Schöne und das Biest passt, aber ohne den Pay-off, den das Biest in seiner Erzählung erhält. Außerdem gibt es nie eine Gelegenheit für Constance und Abraham eine musikalische Nummer zu haben, in der die Freude ihrer einzigartigen Beziehung klar gemacht wird. All diese Dinge vereinen sich, um die Rolle von Abraham zu einer kolossalen Aufgabe zu machen - wenn, angesichts des Reichtums des Materials kein Bedürfnis für diese Aufgabe zu so groß zu sein.

Dies ist ein engagierendes, fesselndes, fantastisches Musical, voller Möglichkeiten und Wahrheit. Es ist in Teilen konfrontativ und in anderen herzzerreißend. Und es ist voller magischer Momente. Potentiell, ein wirklich großes britisches Musical.

Eines ist sicher - du wirst keine Uhr im Auge behalten, während du Die Tochter des Uhrmachers ansiehst.

Die Tochter des Uhrmachers läuft bis zum 4. Juli im Landor Theatre