KRITIK: The Burnt Part Boys, Park Theatre ✭✭✭

Joseph Peacock, David Leopold und Chris Jenkins in The Burnt Part Boys. Foto: Sacha Queiroz The Burnt Part Boys

Park Theatre

22. August 2016

3 Sterne

Matthew Iliffe ist die treibende Kraft hinter dem Auftauchen von Mariana Elders Geschichte über jugendlichen Einsatz und Abenteuer in einer Bergbaustadt in West Virginia, durchzogen von Chris Millers und Nathan Tysens flottem, lebhaftem, von Country-Musik inspiriertem Score. Er hat einen weiten Weg zurückgelegt seit seinem fähigen 'Thoroughly Modern Millie' am Landor in der letzten Saison. Nun hat er das Bühnenbild gewissermaßen auf ein Minimum reduziert und präsentiert ein ununterbrochenes 90-minütiges Drama auf einem nahezu leeren Boden, mit - dank Rachel Wingates Design und Kostümen (nur ein halbes Dutzend Holzstühle und eine Decke voller Seile) und dem typischen Genie von Charlie Morgan-Jones' eindrucksvollem Lichtdesign. Die Musik kommt von Nick Barstows straff geführt hauptsächlich akustischem Ensemble und - im kleinen Studio des Park Theatre - bewegt sich die Besetzung mühelos zwischen gesprochener und (unverstärkter) gesungener Text. Wir befinden uns im Jahr 1962 und hören eine Radioansage aus der Zeit, die dies bestätigt. Das realistische Gefühl des Werks wird durch die oft recht dichten West Virginia-Akzente betont. Es ist ein wunderschön vollständiges Theaterstück, und Iliffes lebhafte Inszenierung lässt ihn deutlich als jemanden erscheinen, den man für zukünftige Entwicklungen genau beobachten sollte.

Seine aktuelle Wahl, seine Kunstfertigkeit in Regie und musikalischer Inszenierung zu zeigen, ist ein virtuoser Ausstellungsstück mit vielfachen Ortswechseln, die von heimischen Innenräumen über einen Wald, über einen Berg und in eine Mine und hinein und aus verschiedenen Bewusstseinsebenen (vielleicht) führen. Es zeugt von seiner Fähigkeit als Regisseur und Choreograph, dass er dies mit solcher Natürlichkeit und Leichtigkeit erreicht. Er stimuliert den Geist des Publikums, sich vorzustellen, zu visualisieren, zu staunen und nachzudenken. Und nachdenken tun wir. Und in dieser Stadt, die er so stimmungsvoll in unserer Vorstellung entstehen lässt, wollen wir als erstes wissen: Wo sind all die Frauen?

Die Welt des Animus, die uns serviert wird, ist seltsam beraubt vom Gegengewicht der Anima: Wir sind schon weit in der Show, bevor eine einzige weibliche Präsenz unerwartet auftaucht und sich kraftvoll bemerkbar macht - hier großartig gespielt von der intensiven und energischen Grace Osborn, einer Schauspielerin, die ich lange bewundert habe und die meiner Meinung nach wahrscheinlich am meisten dazu beiträgt, der Show das Herz zu geben, nach dem ihre schlichten, klagenden Melodien offensichtlich verlangen.

Aber gegen ihre besten Bemühungen sind die Chancen stark gegen sie. Zwei Paare männlicher Freunde, Chris Jenkins' weltgewandter, verantwortungsvoller älterer Bruder Jake und sein trinkfreudiger Gefährte David Leopolds Chet sowie die jungen Joseph Peacocks Pete und Ryan Heenans Dusty machen sich jeweils auf eine eigene Reise in die Wildnis, um die Mine zu erreichen, die vor 10 Jahren nach einem Unglück verlassen wurde, das einige ihrer Väter das Leben kostete. Um sie herum erscheint gelegentlich ein Chor von 5 verstorbenen Vätern, um uns zu umwerben, und einer von ihnen, David Haydn, erscheint häufiger als keine geringere Gestalt als Jim Bowie: Sein Sohn, der jugendliche Pete, verherrlicht die Figuren seines Lieblingsfilms 'The Alamo' und scheint davon zu träumen, dass sein verstorbener Vater er ist (zumindest glaube ich, dass das passiert).

Wenn Sie sich jetzt bereits emotional in diese Situation hineingezogen fühlen, dann besteht eine gute Chance, dass Ihnen diese Show gefällt. Der Regisseur offensichtlich schon. Er zieht hier ein starkes Element des amerikanischen Erbes heran, indem er auf die Twice-Told Tales von Nathaniel Hawthorne, oder die Romane anderer Schriftsteller der lyrischen, ruralistischen Tradition oder die Geheimnisse von Edgar Allan Poe und die Abenteuer von Jungen, die in ihrem Leben Vaterfiguren finden müssen, zurückgreift. Tatsächlich erinnert die fast ausschließlich männliche Umgebung an die philosophisch und psychologisch hinterfragenden Geschichten von Melville. Doch bedenken Sie, wenn diese Autoren Geschichten mit hauptsächlich Männern erzählen, machen sie sehr deutlich, warum das so ist, üblicherweise durch die Wahl des Schauplatzes (ein Schiff auf See, eine Armee im Feldzug usw.).

Wenn dies das Zeug ist, das Ihre Fantasie befeuert, dann wird die Show Sie mit ihrem Charme auf ihrem Weg mitreißen. Iliffe tut mehr als Gerechtigkeit gegenüber diesem ästhetischen Ansatz in der Produktion: er geht in ihm auf. Doch kürzlich haben wir in London andere Dramen gesehen, die in Bergbaustädten spielen: die drei D.H. Lawrence-Stücke am Dorfman; 'Wonderland' im Hampstead Theatre; und lassen Sie uns nicht 'Billy Elliot' vergessen, das jahrelang im Victoria Palace lief und immer noch auf Tournee ist. Die meisten dieser Werke konzentrieren sich so sehr auf die Frauen darin wie auf die Männer. Ich denke, dafür gibt es viele Gründe. Der Hauptgrund ist vielleicht die Erkenntnis der meisten Schriftsteller, dass, wenn sie wollen, dass das Publikum an ihre Figuren glaubt, sie sie so vollständig wie möglich darstellen müssen; geschieht dies nicht, könnten die Zuschauer vermuten, dass die Schöpfer etwas zurückhalten, und dann könnten sie weniger geneigt sein, sich mit ihren Figuren zu identifizieren und sich weniger darum zu kümmern, was mit ihnen passiert.

Sie müssen selbst beurteilen, ob Sie denken, dass dies bei diesem Stück der Fall ist oder nicht. Welche Entscheidung Sie auch treffen, Sie möchten vielleicht auch überlegen, welche Auswirkung es auf Sie hätte, wenn Sie aus erster Hand wüssten, was die Mütter, Witwen, Schwestern, Cousinen oder Freundinnen der Helden der Geschichte zu sagen hätten. Gut, das würde es zu einem anderen Stück machen. Aber hier gibt es ein Mädchen, also: Wo sind all die (anderen) Frauen?