EM BREVE: Sylvia, Teatro Old Vic

Julian Eaves analisa Sylvia, da Zoo Nation, que foi apresentada como um trabalho em desenvolvimento no Old Vic Theatre.

Beverley Knight (Emmeline Pankhurst) e Whitney White (Christabel Pankhurst) com o elenco de Sylvia. Foto: Manuel Harlan Sylvia

Old Vic Theatre,

19 de setembro de 2018

Este novo musical, extraordinário, espantoso, ambicioso e belíssimo, abre novos caminhos praticamente em todas as frentes nesta primeira apresentação de uma versão em desenvolvimento no impressionante Old Vic Theatre de Matthew Warchus, em Waterloo.  E tenha isto em conta: custa a acreditar, mas a equipa por detrás do projeto teve pouco mais de um ano para juntar tudo desde que o teatro o encomendou.  Raramente vimos um fenómeno assim no palco dos musicais britânicos.  O público sortudo que conseguiu assistir à breve temporada de três semanas no The Cut vai sentir-se privilegiado por ter feito parte de algo tão especial numa fase tão inicial.  Agora o espetáculo vai “descansar” durante um ano para ser reescrito e afinado e, depois, regressará como uma produção totalmente acabada.

Inicialmente concebido como uma peça de dança por Kate Prince e a sua companhia Zoo Nation, para assinalar o centenário de Sylvia Pankhurst (e das restantes) conquistar o primeiro voto para muitas mulheres neste país, o espetáculo cresceu e tornou-se numa exploração maravilhosamente épica de muito mais do que isso.  Em colaboração com a romancista e dramaturgista Priya Parmar, Prince traz para a história um vasto elenco de personagens — de primeiros-ministros e líderes partidários a grupos de mulheres da classe trabalhadora do East End, entre dezenas de outras — aqui levadas ao palco por um elenco de luxo de 16 intérpretes.

Dois outros colaboradores habituais, os compositores Josh Cohen e DJ Walde, criaram uma partitura de cortar a respiração, com arranjos vocais e supervisão de Michael Henry, e interpretada pelo diretor musical e líder da banda em palco, Josh ‘MckNasty’ Mckenzie — pesos-pesados internacionais — e, para este projeto, a própria Prince escreve a maior parte das letras, com clareza e um prazer evidente (função que partilha com os compositores, além de contribuir também com música adicional).  E não fica por aí: dirige com segurança e fluidez e coreografa com uma atenção sublime ao detalhe e um sentido, francamente genial, de conjunto, movimento, ritmo e um brilhantismo de espetáculo deslumbrante.  Sim, mesmo.  Uma carga de trabalho inacreditável — e os resultados são impressionantes.

Tive a sorte de ver o espetáculo duas vezes durante a temporada em Waterloo, e ainda bem que o fiz.  É tão ousado, tão radicalmente fresco e brilhantemente original que uma única visita — sobretudo quando já estamos habituados às convenções da tradição do West End — mal chega para assimilar a sua inventividade e ambição.

A partitura de Cohen e Walde é dotada de melodia e drama, rica em ritmos propulsivos e inquietos, e banhada por uma amplitude quase cinematográfica.  É igualmente capaz de falar à nossa mente, ao nosso coração e à nossa alma: merece MESMO ser ouvida repetidamente para se apreciar melhor os seus muitos níveis.

Gostei muito de Into The Hoods, de Prince e da Zoo Nation, há um par de anos — uma revista deliciosamente errante, com um caos maravilhoso, sobre tropes contemporâneos.  Mas a memória desse espetáculo pouco me preparou para a precisão surpreendente e a justeza dos gestos e frases, rodopiantes, elétricos e afiados como lâmina, que pontuam o impulso avassalador desta partitura.  O trabalho dela parece atravessado por adrenalina e dopamina; quando vemos os seus bailarinos a mover-se, sentimos o que eles sentem.  É intoxicante.

Como acontece em todas as apresentações de laboratório, o cenógrafo Ben Stones teve um orçamento muito curto, mas esboça uma estrutura de detalhe de época com alguns figurinos simples e uma seleção de adereços muito bem pensada.

Um espectro assombra o teatro musical — o espectro de Hamilton.  Todas as potências do velho teatro musical entraram numa aliança sagrada para venerar no santuário deste espírito.  E é exatamente isso que acontece aqui.  O espetáculo apoia-se claramente no precedente criado por esse feito extraordinário — olhar para o passado com olhos descaradamente contemporâneos — mas vai mais longe.  Muito mais longe.

As raízes imaginativas desta obra parecem, na verdade, não estar de todo na herança dominante do teatro musical, mas antes na história mais antiga — e muito mais britânica — do teatro épico e do oratório.  Em vez de seguir o destino de uma figura principal (ou de um par), temos algo muito mais surpreendente.  A estrutura é uma espécie de “sobreposição” abstrata de acontecimentos: uma montagem quase clássica de grandes “momentos”, essencialmente autónomos e estáticos, retirados de uma narrativa grandiosa, congelados em enunciados artísticos independentes que — cumulativamente — têm um efeito profundo no público.

Whitney White (Christabel Pankhurst) e Beverley Knight (Emmeline Pankhurst) em Sylvia. Foto: Manuel Harlan

Assim, o modo concertístico, quase de gig, do espetáculo faz todo o sentido teatral.  Não só ficamos imersos nas mais recentes sonoridades soul, hip-hop e funk da excelente banda de cinco elementos em palco (guitarras: Linda Burrato, Sonia Konate; baixo: Joe ‘Joey’ Grant; bateria e liderança: Mckenzie, com Adrian J Moore nos teclados), como também temos um elenco radicalmente diferente — sobretudo nas origens étnicas — das figuras históricas que representam.  No centro deste panteão está a deusa que é Beverley Knight.  É uma estrela de incontestável dimensão internacional e temos a sorte de a ter aqui: ilumina cada momento que canta com sons de uma beleza incrível e, sim, também sabe representar, atravessando a vida de Emmeline Pankhurst com uma atenção arrebatadora à nuance e à subtilidade da inflexão — tudo com uma naturalidade e uma facilidade desarmantes que a colocam, como atriz e cantora, no topo absoluto da sua profissão.

Knight está rodeada por um elenco de grandeza musical comparável.  Genesis Lynea pode ter tido de abandonar o elenco no papel da filha, Sylvia Pankhurst, cuja relação disfuncional com a mãe, Emmeline, está no coração do espetáculo, mas somos brindados com a sua substituta, Maria Omakinwa, que impõe um ponto de vista alternativo com paixão elegante.  Há também Whitney White como Christabel Pankhurst, oferecendo-nos ainda outra perspetiva dentro do mesmo fascinante microcosmo familiar.  E Karl Queensborough interpreta o irmão Harry Pankhurst, entre outras personagens, com mais uma abordagem distinta.  Depois, as seguidoras leais: Elliotte Williams-N’Dure é uma força imparável de supremacia vocal nos seus números como Flora ‘The General’ Drummond — uma espécie de Dreamgirl ao serviço da justiça.  Tachia Newall é uma das várias intérpretes chamadas a assumir diversos papéis bem delimitados.

E há mais.  A cada vez mais brilhante Izuka Hoyle está aqui, continuando a sua escalada imparável no cartaz com uma presença magnética e uma atitude fenomenal, e vale a pena reconhecer também a interpretação arrebatadora de Jade Hackett como Lady Jennie Churchill: basta vê-la a conquistar a sala!  E há ainda Delroy Atkinson, vestido a rigor como Winston Churchill, conseguindo ser simultaneamente ameaçador e divertido.  Vemos aqui paralelos com o revisionismo de Hamilton.  Todos estes intérpretes até agora são, de uma forma ou de outra, de ascendência africana ou mista — um casting notável, que mostra o teatro musical britânico a agarrar com entusiasmo o testemunho das modernizações de Lin-Manuel Miranda.

Depois, há os outros atores.  Verity Blyth cumpre bem no núcleo dos Pankhurst, interpretando a irmã Adela com uma honestidade desarmante, e Carly Bawden é uma Clementine Churchill serena e de voz firme, numa outra das fascinantes camadas do texto.  Jay Marshall é o capitão de dança — e também outra seguidora, Ada.  John Dagleish constrói um Keir Hardie comoventemente complexo e moderno, Todd Holdsworth é H. G. Wells e — em última análise — a presença surpreendentemente calorosa e cuidadora do companheiro de vida de Sylvia, Silvio Corio.  Ross Sands faz de GBS e do último dos Pankhurst, Richard.

Os rapazes juntam-se ainda para formar grupos coletivos de vilões — polícias e afins — e a encenação da agressão à marcha de protesto das mulheres é um dos acontecimentos teatrais verdadeiramente devastadores numa produção cheia de momentos fortes: sentimos cada segundo, ainda mais pelo milagre de técnica com que é construída a partir de várias linhas narrativas, habilmente entrelaçadas num desfecho emocionalmente inesquecível para a primeira parte.  Ouvir a voz de Beverley a elevar-se por cima das vozes em massa do ensemble e do rugir aterrador e triturante da orquestra (que, nesse instante, é literalmente isso) é uma das coisas mais poderosas que alguma vez vivi num teatro.

Além disso, a iluminação alcança um sentido extraordinário de escala épica: é de Natasha Chivers — mais um grande talento na equipa.  O som é de uma clareza fulgurante e com corpo, trabalho de Clement Rawling: faz com que aqueles cinco instrumentos em palco soem com a força de uma banda sinfónica.  Magia.  E quando tudo isso se combina com as vozes sensacionais em conjunto, o resultado é puro paraíso.

Em suma?  É uma das melhores coisas que apareceram em muito, muito tempo.  Não podemos atribuir estrelas a um trabalho em desenvolvimento, mas podemos dizer-vos para ficarem atentos ao produto final.  Vai ser algo para recordar para sempre.

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