CRÍTICA: Two, Above The Arts ✭✭✭✭

Foto: Piers Foley Photography TWO

Shrapnel Theatre no Above the Arts

4 Estrelas

Londres possui muitos teatros-pub que atualmente apresentam excelentes trabalhos, antigos e novos; mas o estúdio de teatro Above the Arts, a poucos passos de Leicester Square, provavelmente é o único teatro-pub onde atualmente o bar, as cadeiras e os clientes são o cenário real da própria peça. Quando cheguei, olhei em volta para as cadeiras organizadas em torno de um espaço semi-desobstruído em frente ao bar e perguntei ao barman onde eu deveria sentar para melhor aproveitar. Ele deu de ombros e disse: 'Em qualquer lugar: você estará bem no meio da ação.' E assim se provou fascinantemente.

TWO foi apresentado pela primeira vez no Young Vic há cerca de vinte e cinco anos e foi um dos primeiros sucessos de Jim Cartwright. É um drama ágil e virtuosístico para dois atores, em que os intérpretes começam atrás do bar como o proprietário e a proprietária de um pub no norte da Inglaterra antes de se reinventarem continuamente, em tempo real, como uma sequência de doze clientes em uma noite movimentada. O que vemos é, essencialmente, várias miniaturas de personagens em que o humor e o tom mudam rapidamente; às vezes são monólogos e, em outros casos, diálogos entre casais. Os doze frequentadores são intercalados com reaparições dos proprietários, à medida que seu próprio relacionamento se torna cada vez mais conturbado, antes de um dueto final entre os dois no horário de fechamento, que desvela de forma comovente muito do que era antes oblíquo e implícito.

Eu me perguntei, antecipadamente, se a peça poderia mostrar sua idade, mas nesta apresentação, a qualidade da escrita ganhou nova vida e justificou mais do que os prêmios dados um quarto de século atrás. Assim como o contemporâneo ‘My Night with Reg’, é o humor animado e irônico, a economia na construção de personagens e a dor esmagadora do diálogo que imediatamente captam a atenção. Os contrastantes dramas humanos esboçados aqui, com uma leveza de toque hábil, transmitem uma convicção que torna irrelevante que não haja celulares e que ninguém tenha pedido um Double Drambuie em qualquer pub conhecido por mim há muito tempo. Em textura e tom, a dramaturgia lembra dois escritores, diferentes na superfície, mas próximos em essência: Terence Davies e Terence Rattigan. Esta peça tem cenas que evocam a solidariedade comunitária determinada e o conflitante e áspero confronto doméstico que você encontra em Davies, ao mesmo tempo em que oferece estudos de solidão minguante que se transformam em expressões de desespero estoico e desesperança que são plenamente dignas do Rattigan de ‘Separate Tables’, a quem também é formalmente endividada. Muitas das qualidades que distinguiram o trabalho posterior de Cartwright já estão plenamente aqui evidentes.

Mas o verdadeiro sucesso da peça depende tanto dos dois atores, como indivíduos e como uma parceria. Suas performances exigem muitas mudanças rápidas de figurino, comportamento e sotaque para o grupo de locais retratados, enquanto ao mesmo tempo também constroem cuidadosamente a hostilidade fervente e a solidão inerente do casal no centro da ação. Em 1990, dois atores bem conhecidos de Brookside foram um grande sucesso na primeira produção, e lauréis semelhantes vão desta vez para Jamie Shelton e Chelsea Halfpenny, ambos de Emmerdale, que enfrentam com rara habilidade e graça os desafios técnicos e emocionais apresentados. Como os doze personagens, eles interagem convincentemente com o público (tratado como outros frequentadores do pub) e habitam as diferentes personalidades com sotaques, maneirismos e linguagens corporais distintivos cuidadosamente. Com apenas as mínimas mudanças de figurino, estilo de cabelo e maquiagem, tudo depende das habilidades dos atores, e, neste aspecto, eles triunfaram. Como o casal central, eles acumulam cuidadosamente detalhes em suas performances, para que, quando a revelação vem na cena final sobre por que estão distantes, tenha ainda mais impacto e poder para afetar o público sem uma sensação de manipulação.

É indesejável destacar determinados cameos deste excelente elenco uniforme de retratos, mas as caracterizações mais impressionantes e duradouras aos meus olhos foram de doloroso auto-desprezo e crueldade intimidadora, respectivamente. A interpretação de Halfpenny de uma amante bêbada e desesperada, buscando confrontar seu amante e sua esposa no pub, teve uma profundidade real. Ela captou lindamente as sombras humilhantes habitadas pela mulher que nunca será a esposa, forçada, apesar de si mesma, sempre a pensar nas necessidades dos outros. E para Shelton, talvez seu maior momento da noite veio no papel ingrato de um marido obsessivo, inseguro e intimidador, abusando ao final, determinado a encontrar falhas em cada palavra e ação de sua esposa. Esta cena teve ameaça e realismo e produziu uma dessas pausas de silêncio concentrado quando você sabe que o público está totalmente engajado com o personagem e a ação.

Tive uma leve reserva sobre o tratamento da cena final. Esta fornece um poderoso epílogo onde o escritor e os atores têm que operar a todo vapor e deixar de lado as delicadas tonalidades e nuances das seções anteriores. Sem revelar a sequência do enredo, talvez seja suficiente dizer que o tom da escrita repentinamente se transforma no modo evasivo de conflito entre casais que você encontra em Edward Albee. O elenco e o diretor (Darren RL Gordon) decidiram encenar o material muito mais lentamente do que o diálogo naturalista anterior entre os dois personagens principais, o que fez a cena parecer quase operística, especialmente nas longas pausas. Embora isso tenha dado peso e significado extra à briga, e às razões para sua má vontade latente, ainda senti que isso foi um erro. O diálogo teria ainda mais choque e impacto acelerando até a conclusão estoica final sem essa atuação deliberada por gravidade; e ainda assim teria contrastado tonalmente com as seções anteriores mais leves e ágeis. Em termos musicais, esta peça é realmente um tema com uma sequência de variações deliciosamente contrastantes, e a cena final ainda deveria ser proporcional a essa estrutura geral.

Em última análise, TWO é uma noite muito agradável no teatro, que passa por seus oitenta minutos de duração sem perceber, deixando você cheio de admiração por tal construção detalhada de narrativa e personagem com rara economia de recursos e uma ampla paleta emocional. O revival é plenamente merecido e ricamente recompensador em cada nível.

Você vai querer ficar para comprar uma bebida no bar muito real no final….

TWO está em exibição no Above The Arts até 22 de abril de 2015.