CRÍTICA: Hoje à noite às 8h30, Jermyn Street Theatre ✭✭✭✭✭

Julian Eaves analisa Tonight at 8.30 de Noel Coward, agora em cartaz no Jermyn Street Theatre, em Londres.

O elenco de Star Chamber. Foto: Robert Workman Tonight at 8.30

Jermyn Street Theatre,

22 de abril de 2018

5 estrelas

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Que sorte temos de receber este ciclo de nove peças de um ato único de Noel Coward (ele escreveu uma décima, mas não está incluída aqui), apresentadas por este incansável e prestigiado palco alternativo, aninhado no coração do West End, perto de Piccadilly. Esta coletânea de vislumbres do meio da década de 1930 é uma das obras mais raramente apresentadas do Mestre, mas a raridade não é um indicador de qualidade. O Diretor Artístico, o jovem e imensamente talentoso Tom Littler, extrai uma magia intensa dessas peças, com um elenco soberbo e uma produção esplêndida, tudo a um preço acessível. É uma jornada e tanto: começa devagar, mas uma vez iniciada, é imparável, atingindo sucesso após sucesso. Seria loucura perder isso. E em alguns dias, é possível assistir a todas as peças de uma só vez, o que é um enorme prazer.

Existem três grupos de três peças. Tudo começa com o que os produtores chamam de 'Corações Secretos', liderando com 'Star Chamber' - a peça que geralmente é retirada de produções (em seu lugar, temos 'Fumed Oak'). É uma introdução levemente divertida, se você aprecia exercícios de teatralidade ácida, mas é tornada um pouco mais interessante pela interpolação de episódios de diálogo sobrepostos, engenhosamente escritos. Se há mais do que isso, qualquer substância maior me escapou. Temos um elenco forte aqui, mas esta peça não é muito mais do que um aquecimento encantador para eles. Curiosamente, é a peça em que Boadicea Ricketts realmente tem bastante o que fazer: ela é um talento brilhante no início de sua carreira e uma grande descoberta como a diva vaidosa e auto-obsessiva, mestre do non-sequitur devastador. Tenho certeza de que veremos mais dela em breve.

Jeremy Rose e Rosemary Ashe em Red Peppers. Foto: Robert Workman

Em seguida, 'Red Peppers' é uma representação datada de animadores de variedades de décima categoria. Mesmo Rosemary Ashe e Jeremy Rose (como Lily e George Pepper) não conseguem acertar completamente o tom nos números de music hall de pastiche e nas brigas nos bastidores. Coward escreveu esse material como um veículo para estrelas como ele e Gertrude Lawrence, quando tinham quase a mesma idade do século; nas mãos de intérpretes mais velhos, ganha em profundidade, tornando-se um retrato de desapontamento e vidas desperdiçadas, mas as músicas são cheias de espírito e alegria e destoam em um meio mais sênior.

Nick Waring e Miranda Foster em Still Life. Foto: Robert Workman

O primeiro 'trilogia' termina com talvez a história mais conhecida do grupo: 'Still Life' é o conto dramático que se tornou 'Breve Encontro' de David Lean, atualmente também no palco, ao lado, no Empire Cinema em Haymarket, na reinterpretação radical de Emma Rice da história com a Kneehigh. A comparação é interessante. Ao contrário daqui, Rice não entrega o trabalho ‘de forma direta’, e o efeito é imediatamente galvanizante. Em contraste, Miranda Foster e Nick Waring interpretam Laura e Alec quase como as falas os descrevem, e parece que estamos apenas passando pela superfície do mundo de Coward, sem realmente entrar em contato com ele.

E então algo notável acontece. De repente, no meio de uma conversa sobre xícaras de chá em uma mesa no café da estação, mergulhamos no coração de suas vidas. Como isso acontece é difícil dizer, mas de repente cada palavra é iluminada de dentro e tudo o que eles dizem importa incrivelmente. Os atores claramente trabalharam muito para chegar a este ponto, mas a partir daqui não é apenas esta peça, mas todo o evento que muda de direção e humor. Tudo começa a se encaixar. A magia de todos os elementos funcionando juntos começa a acontecer. E continua acontecendo ao longo das peças restantes.

Ian Hallard e Sara Crowe em We Were Dancing. Foto: Robert Workman

Após o primeiro longo intervalo (há apenas pausas de 15 minutos entre a segunda e a terceira peças em cada conjunto, e interlúdios musicais inteligentes entre a primeira e a segunda - o brilhante espirituoso de Stefan Bednarczyk é um deleite aqui), a produção nunca parece errar o passo. O segundo grupo de peças (chamado aqui de 'Comédias de Quarto') começa com a interpretação quase surreal de uma comédia leve, 'We Were Dancing'. Sara Crowe administra as reviravoltas e voltas excêntricas do papel de Louise com a mesma destreza e energia que esperamos de Amanda e todas as finíssimas protagonistas femininas de Coward; Ian Hallard é um ótimo contraponto com rosto lunar como o parvenu Karl, enquanto Waring é reinventado aqui como o cônjuge indignado, Hubert, com um impedimento de fala semelhante ao de George VI, e Rosemary Ashe captura perfeitamente o tom certo como sua irmã termagante, Clara. As cenas deste quarteto, batalhas de intelecto e paixão, são executadas com controle shaviano e energia, dando uma beleza formal deslumbrante ao conteúdo lunático.

Não se pode deixar de mencionar, em selar o efeito de tudo isso, os deliciosos cenários de Louie Whitemore (que enche o palco vez após vez com imagens magníficas do período - e neste espaço subterrâneo tão pequeno, só se pode imaginar onde eles conseguem guardar todo o cenário); a linda coleção de figurinos (dezenas deles!) pela talentosa Emily Stuart; e a iluminação perfeita de Tim Mascall. Além disso, Tom Attwood domina o cenário sonoro, nos fazendo entrar e sair de transmissões de rádio, recitais clássicos e ruídos ambientes, aumentando o épico alcance do ciclo.

Miranda Foster, Nick Waring e Ian Hallard em Ways and Means. Foto: Robert Workman

Se 'We Were Dancing' faz você sentir que por si só vale o preço do ingresso - e vale - então maiores glórias virão. 'Ways and Means' é outra ideia extraordinariamente concebida e realizada com perfeição, girada de uma imaginação divinamente travessa; Foster e Waring interpretam aqui um tipo completamente diferente de casal, financeiramente sobrecarregado e levado a crimes de forma melodramaticamente coincidente, com outro novato promissor, Ben Waring, brilhando brevemente como Stevens, o ex-motorista. Nessas peças, assim como em outras, Coward se permite considerar o dinheiro como um inimigo externo à paz humana: no entanto, o contexto histórico mais amplo mal se insinua: há algumas piadas que passam fazendo menção ao Mussolini ou Hitler, mas são esquecidas logo após seu enunciado. Em peças tão firmemente enraizadas na 'realidade' das vidas das pessoas, é difícil saber o que fazer sobre isso. Com 'a década de 30' sendo olhada de tantos ângulos diferentes aqui, parece estranho não termos mais a sensação da sociedade além das portas do salão.

Nick Waring, Sara Crowe, Ian Hallard, Miranda Foster em Shadow Play. Foto: Robert Workman

Não importa. Então, na incrível 'Shadow Play', temos outro acerto direto: quase como uma opereta, Coward combina diálogo e ação de um modo que a sabedoria convencional dizia não ter acontecido até Rodgers e Hammerstein em 1943. Mas a dramaturgia musical de Coward é impecável. Empurrando-nos para fora do mundo 'real' e nos levando a um episódio de fantasia décadas à frente dos 'bailados de sonho' dos anos 40 e 50, antecipamos 'Lady in the Dark' e até mesmo 'Follies' de um modo que é simplesmente deslumbrante e emocionante. (Pelo menos um criador contemporâneo de musicais fala desdenhosamente dos feitos de Coward, mas eu me pergunto se ele não encontrou mais para gostar, e talvez aprender com suas obras, do que se atreve a admitir?)

Jeremy Rose, Rosemary Ashe em Family Album. Foto: David Monteith-Hodge

Para o início da rodada final de peças (aqui chamadas de 'Famílias Nucleares') encontramos a esquisitice: 'Family Album' - um vislumbre dos dias passados da década de 1860. Começa com mais um golpe de mestre: um deslumbrante tableau de uma cena fúnebre de uma família da metade da era vitoriana, adornada com os trajes de luto mais esplendorosos e opulentos. O diálogo é maravilhosamente afetado, e Coward coroa isso ao incliná-lo para alguns excelentes números de pastiche de Gilbert & Sullivan. Encantador. A 'intenção' da peça ainda é muito de acordo com o resto do espetáculo, e é bom ver Wiggins, como um forasteiro casado na família, ter mais o que fazer aqui.

Miranda Foster e Sara Crowe em Hands Across The Sea. Foto: David Monteith Hodge

Na penúltima peça, 'Hands Across The Sea', não se trata tanto de um ataque às classes altas, mas uma repulsa sustentada. Ele não se contém. Ashe, em especial, capta perfeitamente sua Belgravia Battleaxe, a Honorável Clare Wedderburn, com ótima colaboração de Foster como a igualmente e maravilhosamente horrível Lady Maureen Gilpin ('Piggie' para os amigos), Bednarczyk está em forma máxima como o formidável Comandante Peter Gilpin, RN, e Rose como seu companheiro igualmente horrível, Tenente Comandante Alastair Corbett, RN, com Waring fazendo o mesmo para o Major Gosling. Que turma. Em seu louco estabelecimento, vagam os desajustados da classe média, Sr. e Sra. Wadhurst da Malásia (Hallard e Crowe), se enredando literalmente no mundo do conjunto refinado.

Mas o trabalho de encerramento é talvez o mais estranho. Como uma história contida de Somerset Maugham, é um exame muito sóbrio e claro de coisas dando errado. E depois ficando piores. Há poucas risadas. O ar parece clarear e ficamos olhando para nós mesmos de maneira muito investigativa. Apesar de toda a alegria, há pouco humor ao ver a vida sair dos trilhos, a não conseguir o que se acredita querer mais profundamente do que qualquer coisa. É frio, desapegado, enxuto e impiedoso, com um soco que nos manda para casa com mais pensamentos na cabeça do que piadas lembradas. É isso o que a vida é? Coward não se detém um instante mais do que o necessário para fazer esse pensamento pousar em nossas mentes. E o resto, ele parece implicar, cabe a nós, sairmos e resolvermos por conta própria.

Um pacote notável, que será a inveja de muitos outros teatros da cidade e do país. Genialidade.

Em cartaz no Jermyn Street Theatre até 20 de maio de 2018

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