CRÍTICA: Tickle o musical, King's Head Theatre ✭✭✭

Julian Eaves analisa Tickle, um novo musical inspirado no mundo das competições de resistência à cócega, atualmente em cena no King's Head Theatre, em Londres.

O elenco de Tickle, o musical. Tickle

16 de outubro de 2019

King's Head Theatre

3 estrelas

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Chris Burgess é um compositor inteligente e talentoso, e também um dos grandes expoentes da escrita de revue neste país — o que o coloca num grupo muito restrito.  A revue é uma forma notoriamente “difícil”, em que o sucesso depende em grande medida da capacidade de criar momentos individuais, com caracterização própria, alinhavados em torno de um “tema” geral, mas suficientemente autónomos para se compreenderem por si só, sem referência ao resto do conjunto.

Ben Brooker e James McDowell em Tickle, o musical.

É precisamente essa competência — esse talento — na revue que o torna pouco indicado para escrever musicais assentes num book (com livro).  Ainda assim, escreveu — e eu vi — várias comédias musicais narrativas, com história e estrutura, nenhuma das quais me fez mudar de ideias: este grande autor de revues revela-se um escritor problemático de musicais.  E esta mais recente proposta da Lambco Productions, um mini musical de câmara centrado no excêntrico meio das “Competições de Resistência à Cócega”, infelizmente, não é exceção.

Inspirado de forma livre — e de maneira muito mais simples — no filme independente neozelandês de 2016 que se tornou um sucesso inesperado, Tickled, esta escapadela de 75 minutos dispensa o formato documental do filme, bem como os seus momentos bem mais sombrios, quase de thriller, e dá-nos a história do que acontece a dois rapazes atraentes que, de alguma forma, acabam recrutados para o inimaginável — e até aqui completamente invisível — mundo de tentar fazer outros rapazes atraentes rir, não contando anedotas, mas manipulando-lhes o corpo com os dedos, ou com penas.  As associações homoeróticas são, naturalmente, negadas de forma obsessiva pelos organizadores, que gostam de fingir — a si próprios e aos rapazes heterossexuais atraentes que recrutam — que é tudo completamente inocente.  É uma história estranha, mas recebe — de início — um tratamento dramático literal e direto, o que depois provoca transições algo bruscas quando entram as personagens mais escabrosas.

Richard Watkins e Amy Sutton.

Assim, depois do número de abertura, vistoso embora um pouco demasiado à la “Sondheim encontra Urinetown”, “Drab Town”, mudamos de registo e temos um dueto simplesmente belíssimo e muito bem integrado para os dois protagonistas, “Beautiful”: é, de facto, uma canção excelente e mostra Burgess no seu melhor.  Se ele escrevesse — ou lançasse — apenas canções deste calibre, seria internacionalmente famoso.  Depois guinamos para o muito diferente, quase parlando, tenso, “It's Not Gay”, e deparamo-nos com o grande defeito que Burgess tem como letrista: letras densas demais.  Mesmo na acústica seca e intimista do pequeno King's Head Pub Theatre, sem ressonância de amplificação e com o acompanhamento ao teclado criteriosamente medido do diretor musical David Eaton, este elenco talentoso vê-se regularmente numa luta enorme para conseguir debitar as enxurradas de sílabas que Burgess o obriga a pronunciar.  Claro que, olhando de novo para Sondheim (como não duvido que Burgess faça muitas vezes), é possível escrever passagens rápidas, desde que se tenha muito cuidado com as consoantes e vogais escolhidas e com a forma como são colocadas e — sobretudo — com o peso expositivo que se lhes pede que carreguem.  As melhores canções de patter são narrativamente redundantes: são números de exibição verbal.  Aqui, não.  Temos de fazer esforço para acompanhar, com receio de perder pontos essenciais da intriga.

James McDowell e Ben Brooker.

Ben Brooker, como o Callum gay, e James McDowell, como o objeto das suas afeições, o Chris heterossexual, têm perfeita consciência disso — e vêem-se muitas vezes a arquejar por ar enquanto disparam as partes mais difíceis da escrita de Burgess.  O mesmo acontece com Amy Sutton, como a vilã Davina Diamond.  Tiro-lhes o chapéu aos três por se atirarem a isto com coragem, mas é uma subida íngreme.  O número de drag de Richard Watkins, Tina Tickle, sai-se melhor: para a sua persona de camp elevado, recebe canções em geral mais brilhantes, mais orientadas para a melodia, verdadeiros “números de show” — incluindo a liderança do bastante eficaz número final, “What Would Julie Andrews Do?”.  Mas o próprio calvário de Watkins está no perigoso registo agudo que lhe pedem para escalar com frequência, sem — bem — o ter completamente dentro da sua tessitura.

Sinceramente: porquê, num espetáculo completamente novo, no qual podem fazer o que quiserem, expor o elenco a este tipo de dificuldades?  Acontece constantemente.  Acho, francamente, impossível acreditar que o diretor musical e o diretor, Robert McWhir — ponderado, inteligente e sensível — não tenha, em mais do que uma ocasião, sugerido educadamente reescritas para acomodar as competências específicas do elenco que tinham.  Posso estar errado: não sei isto como facto, mas parece-me muito improvável que ninguém tenha reparado nas armadilhas da partitura, ou — se reparou — que não tenha dito nada sobre isso.

Seja como for, o espetáculo está lindamente iluminado — pelo produtor — e ganha, pelo menos no final tardiamente glamoroso, alguns movimentos agradáveis do coreógrafo Sam Spencer-Lane.  O design é minimalista — aproveitando um cenário drapeado de um espetáculo apresentado mais cedo nessa mesma noite —, mas os figurinos são contemporâneos e acabam por incluir muitas penas.  Levei um amigo que não percebe nada de musicais, e ele gostou.  Quem tiver um olhar mais treinado e crítico poderá achar algumas partes menos fáceis de aceitar.

Em cena até 26 de outubro de 2019 no King's Head Theatre