CRÍTICA: Thérèse Raquin, Finborough Theatre ✭✭✭✭

Ben Lewis, Tara Hugo, Matt Wilman e Julie Atherton em Thérèse Raquin no Finborough Theatre, Londres. Foto: Darren Bell Thérèse Raquin no Finborough Theatre, em transferência para o Park Theatre

30 de março de 2014

4 estrelas

A obra-prima literária de Émile Zola, languidamente erotizada e carregada de tensão, Thérèse Raquin, parece um tema improvável para um musical. Mas também se poderia dizer isso da história de Sweeney Todd, ou do passado do Feiticeiro de Oz, ou de um calhamaço de Victor Hugo. A verdade é que, se se encontrar a forma certa e, sobretudo, um compositor em sintonia com a obra, qualquer coisa pode ser um musical.

Em cena agora no Finborough Theatre está uma “adaptação radical” do trabalho de Zola por Nona Shepphard, com música de Craig Adams. É uma obra-prima.

Embora Zola fosse um defensor do naturalismo na literatura e no teatro, a abordagem aqui não é inteiramente naturalista — o que não quer dizer que as interpretações não procurem verdade e honestidade no momento. A ação do romance é truncada e condensada, com sabedoria, e um coro de três mulheres é usado para perscrutar os pensamentos não revelados de Raquin. Como um coro grego, o ensemble observa, comenta e assinala a ação, os pensamentos e as situações das quatro personagens principais. Muitas vezes as personagens cantam diretamente para o público, mas isso serve apenas para intensificar o efeito das secções em que cantam umas para as outras.

Há muitos pormenores extremamente eficazes: começa com algum francês e depois transforma-se em inglês; a sequência de abertura evidencia a dissecação médica objetiva do que acontece, bem como o foco intenso nas emoções e na psicologia interiores; o tableau inicial estabelece de imediato o tom sombrio da peça e, ao mesmo tempo, cria habilmente uma falsa impressão para quem não conhece o enredo; a pele de Madame é engenhosamente convertida no seu amado gato e ganha vida própria; Thérèse não emite um som durante o que parece uma eternidade, mas quando o faz é um grito desesperado, selvagem, animal — um brado orgásmico de libertação que não deixa dúvidas sobre o que está a acontecer na escuridão.

A música é complexa e exigente, mas absolutamente sedutora. James Simpson faz um trabalho notável ao dar vida à partitura ao piano, mas, apesar das suas formidáveis capacidades no teclado, é impossível não desejar uma orquestração que inclua, pelo menos, cordas, percussão e madeiras. Esta é uma partitura que floresceria e ganharia dimensão nas mãos de um orquestrador talentoso.

Mais Stravinsky do que Sondheim, mais Guettel do que Gershwin, mais Rutherford do que Rodgers, mais Berlioz do que Berlin, a música aqui não é para quem quer musicais que possa trautear no metro a caminho de casa. Nem é para quem procura grandes números de produção com sapateado e brilhos.

Não. O propósito da partitura está totalmente focado em iluminar o enredo e as personagens, construir atmosfera, tensão e erotismo, impulsionando e dando vida às figuras centrais. E fá-lo com uma habilidade notável, seja nas sequências de Highly Respectable Orgy (com dominó, chá e mexericos), em Sweet Perfume of Violets (a descida de Laurent à loucura entre os corpos na morgue), em If I Had Known (Thérèse e Laurent no seu lamento final) ou em qualquer um dos muitos momentos musicais extraordinários.

Ajuda o facto de o ensemble, muito talentoso, conseguir dominar e entregar a partitura — com paixão, ótimo timbre e um excelente ouvido para a afinação e para harmonias e modulações inesperadas. Dá gosto ouvi-los, mesmo quando a música nem sempre é alegre.

Julie Atherton é uma intérprete poderosa, mas nunca a vi tão boa — tão completamente consumida por um papel — como aqui, como Thérèse. A intensidade soturna que traz ao primeiro terço do espetáculo, quando não profere um único som, é notável, e o seu sentimento de estar presa e desesperadamente infeliz é palpável. O seu desejo por Laurent, o seu nojo por Camille, o seu medo e irritação perante Madame — tudo é transmitido em simultâneo com uma urgência impressionante. A expressão no seu rosto quando vê Laurent pela primeira vez diz-nos exatamente o que vai acontecer. O contraste entre a sua angústia antes da união com Laurent e a felicidade avassaladora depois é hipnotizante. Não dá um passo em falso e canta com uma clareza e uma amplitude de registo verdadeiramente entusiasmantes.

O Laurent de Ben Lewis, fisicamente soberbo e vocalmente magnífico, iguala a intensidade e o compromisso de Atherton com a peça. Ele também permanece silencioso e carrancudo durante algum tempo, e a sua apresentação, através de Camille, dá-lhe espaço para criar uma caracterização rica. As suas cenas com Atherton são mágicas, mas o seu solo, quando procura o corpo de Camille na morgue, também o é. Há um compromisso total do início ao fim: com a violência, o sexo, a assombração por Camille, a descida ao abandono desenfreado e, por fim, o dueto decisivo que põe termo ao caso. Lewis é um protagonista excecional e aqui é levado ao limite, dramática e vocalmente, e sai triunfante.

Como o insuportável frouxo e valentão lamuriento que é Camille, Jeremy Legat é deliciosamente repugnante. Pindérico e snobe, consegue dar vida a esta personagem tão cansativa — até com uma réstia de empatia. Canta bem e é especialmente impressionante nas suas aparições após o afogamento: é difícil tornar aparições fantasmagóricas chocantes ou reais, mas Legat consegue-o aqui. E a sua maravilhosa relação com a mãe, Madame, é belissimamente desenhada e totalmente credível.

Tara Hugo não tem dificuldade em interpretar os extremos que compõem Madame: a sua formalidade rígida; a adoração inflexível por Camille; a superioridade e condescendência para com todos exceto Camille; o amor pelo gato; o prazer malicioso em mexericar com o seu grupo de dominó; a devastação com a perda de Camille; a paralisia quando descobre a verdade; o veneno no olhar enquanto fita, sinistra, aqueles que lhe roubaram a felicidade. Interpreta o papel com deleite, estilo e uma técnica formidável. Mas, vocalmente, não está à altura das exigências extremas do papel e, embora isso não prejudique o espetáculo, também não permite que a personagem voe como poderia.

O Finborough é um espaço minúsculo, mas o cenário inteligente e inventivo de Laura Cordery não desperdiça um centímetro e é notavelmente eficaz a estabelecer a época, o local e a sensação de foco emocional intenso em que a obra de Zola prospera. (Adorei o vidro da janela que se transformava num cavalete de artista.) A iluminação de Neil Fraser também é soberba e acrescenta imensamente à experiência.

O feito de Nona Shepphard aqui é verdadeiramente espantoso: esta é uma estreia sensacional de uma nova obra. Porque não está em cena no National é um daqueles mistérios da vida.