CRÍTICA: Thérèse Raquin, Finborough Theatre ✭✭✭✭

Ben Lewis, Tara Hugo, Matt Wilman e Julie Atherton em Thérèse Raquin no Finborough Theatre, Londres. Imagem: Darren Bell Thérèse Raquin Finborough Theatre, transferindo-se para o Park Theatre

30 de março de 2014

4 Estrelas

O masterpiece literário carregado de erotismo e languidez de Émile Zola, Thérèse Raquin, parece um tema improvável para um musical. Mas você poderia dizer o mesmo sobre a história de Sweeney Todd, ou o pano de fundo do Mágico de Oz, ou um tomo de Victor Hugo. A verdade é que se você encontrar a forma correta, e, crucialmente, um compositor em sintonia com a obra, qualquer coisa pode se tornar um musical.

Atualmente em cartaz no Finborough Theatre está uma "adaptação radical" da obra de Zola por Nona Shepphard, com música de Craig Adams. É uma obra-prima.

Embora Zola fosse um defensor do naturalismo na literatura e no teatro, a abordagem aqui não é inteiramente naturalista, o que não significa que as performances não busquem a verdade e uma honestidade no momento. A ação do romance é truncada e condensada, com sabedoria, e um coro de três mulheres é usado para explorar os pensamentos não revelados de Raquin. Como um coro grego, o conjunto aqui observa, comenta e nota a ação, os pensamentos, as situações dos quatro personagens principais. Muitas vezes, os personagens cantam diretamente para o público, mas isso serve apenas para aumentar o efeito das seções em que os personagens cantam uns para os outros.

Há muitas nuances extremamente eficazes: começa com um pouco de francês e depois se transforma em inglês; a sequência de abertura destaca a dissecação médica objetiva do que acontece, bem como o foco intenso nas emoções e psicologia internas; o quadro inicial estabelece instantaneamente o tom sombrio da peça, ao mesmo tempo que cria uma falsa impressão para aqueles que não conhecem a trama; o pelo de Madame é habilmente convertido em seu amado gato e ganha vida própria; Thérèse não emite um som por um tempo que parece eterno, mas quando o faz, é um grito de liberação desesperado, selvagem, quase orgástico, que não deixa dúvidas sobre o que está acontecendo na escuridão.

A música é complexa e difícil, mas totalmente cativante. James Simpson faz um trabalho notável ao trazer a partitura à vida no piano, mas apesar de suas formidáveis habilidades no teclado, é impossível não ansiar por uma orquestração que envolva, pelo menos, cordas, percussão e sopros. Esta é uma partitura que floresceria e cresceria com um orquestrador talentoso.

Mais Stravinsky do que Sondheim, mais Guettel do que Gershwin, mais Rutherford do que Rodgers, mais Berlioz do que Berlin, a música aqui não é para aqueles que querem musicais que possam assobiar no metrô de volta para casa. Nem é para aqueles que desejam grandes números de produção com sapateado e espalhafato.

Não. O objetivo da partitura aqui é inteiramente focado em iluminar a trama e os personagens, construindo clima, tensão e erotismo, impulsionando e dando vida aos personagens centrais. E o faz de maneira notavelmente habilidosa, seja através das sequências do Órgão Altamente Respeitável (envolvendo dominós, chá e fofoca), ou Doce Perfume de Violetas (a descida de Laurent à loucura entre os corpos no necrotério) ou Se Eu Soubesse (Thérèse e Laurent em seu lamento final) ou qualquer número de momentos musicais notáveis.

Ajuda que o talentoso elenco consiga lidar com a partitura e entregá-la - com paixão, ótimo tom e um excelente ouvido para afinação e harmonias e modulações inesperadas. Eles são uma alegria de ouvir mesmo que a música nem sempre seja alegre.

Julie Atherton é uma performer potente, mas nunca a vi tão boa, tão completamente consumida por um papel, como ela está aqui como Thérèse. A intensidade sombria que ela traz para o primeiro terço da peça, quando não emite um som, é notável e seu senso de estar presa e desesperadamente infeliz é palpável. Seu desejo por Laurent, seu repúdio por Camille, seu medo e irritação com Madame - todos são simultaneamente transmitidos com facilidade urgente. O olhar em seu rosto quando vê Laurent pela primeira vez diz exatamente o que vai acontecer. O contraste entre seu sofrimento antes de sua união com Laurent e sua felicidade avassaladora depois é hipnotizante. Ela não erra nenhum passo e canta com uma clareza e amplitude de alcance verdadeiramente emocionante.

Ben Lewis, fisicamente soberbo e vocalmente magnífico, como Laurent combina com a intensidade e compromisso de Atherton com a peça. Ele também está em silêncio e carrancudo por algum tempo e sua introdução, através de Camille, dá-lhe tempo para criar uma rica caracterização. Suas cenas com Atherton são mágicas, mas também é seu solo quando ele procura o corpo de Camille no necrotério. Há um compromisso total ao longo de tudo: à violência, ao sexo, ao assombramento de Camille, à entrega ao abandono descarado e então o dueto decisivo final que termina seu caso. Lewis é um ator principal notável e aqui ele é levado ao seu limite, dramaticamente e vocalmente, e emerge triunfante.

Como o insuportável covarde e intimidador choramingão que é Camille, Jeremy Legat é deliciosamente vil. Meticuloso e esnobe, ele consegue dar vida a este personagem dos mais enfadonhos, até mesmo um pouco de empatia. Ele canta bem e é especialmente impressionante em suas aparições após seu afogamento: é difícil tornar aparições fantasmagóricas chocantes ou reais, mas Legat consegue aqui. E seu maravilhoso relacionamento com sua mãe, Madame, é lindamente detalhado e completamente crível.

Tara Hugo não tem dificuldade em interpretar os extremos que compõem Madame: sua formalidade rígida; sua adoração inflexível por Camille; sua superioridade e condescendência com todos, exceto Camille; seu amor por seu gato; sua alegria em fofocar com seu grupo de dominós; sua devastação com a perda de Camille; sua paralisação quando descobre a verdade; o veneno em seus olhos ao olhar balefulmente para aqueles que roubaram sua felicidade. Ela desempenha o papel com gosto, estilo e excelente habilidade. Mas, vocalmente, ela não está à altura das demandas extremas do papel e, embora isso não prejudique o show, também não permite que a parte alcance o auge que poderia.

O Finborough é um espaço pequeno, mas o cenário inteligente e inventivo de Laura Cordery não desperdiça espaço e é notavelmente eficaz em estabelecer o período, o local e o senso de foco emocional intenso que a obra de Zola prospera. (Adorei a vidraça que se tornou um cavalete de artista.) A iluminação de Neil Fraser também é soberba e acrescenta imensuravelmente à experiência.

A realização de Nona Shepphard aqui é realmente bastante surpreendente: esta é uma estreia sensacional de uma nova obra. Por que não está sendo exibido no National é um dos mistérios da vida.