CRÍTICA: A Megera Domada, New Wimbledon Studio ✭✭✭✭✭

A Megera Domada

New Wimbledon Studio

27 de maio de 2015

5 estrelas

RESERVE INGRESSOS Um desabrigado desleixado e falador com uma lata de cerveja estava jogado na entrada do New Wimbledon Studio quando cheguei para a noite de imprensa desta nova produção de A Megera Domada. Pensei que não tivesse importância até que o mesmo indivíduo surgiu no teatro antes de começar o espetáculo, interagindo de forma barulhenta com o diretor de palco, virando algumas cadeiras e causando pequenos incômodos aos espectadores. E então a ficha caiu: a peça já havia começado e estávamos no meio, não de um incidente envolvendo a polícia, mas de uma brilhante versão improvisada de 'A Indução', o dispositivo de enquadramento para a peça dentro da peça, que é esta comédia inicial de Shakespeare. Como Christopher Sly, o bêbado a ser acalmado e entretido, Christopher Neels nos deu o primeiro de muitos novos e perspicazes olhares sobre o que se tornou mais uma ‘peça problema’ na tradição de produções recentes, em vez de uma das obras mais leves e efervescentes de Shakespeare. Esta peça tem um passado obscuro. Datada do início da década de 1590, existem duas versões, cujo relacionamento e a exata contribuição de Shakespeare a cada uma permanecem como uma questão de disputa acadêmica. O texto é 'foul' no sentido literal, pois pode derivar de um dos 'quartos ruins' obtidos de cópias de prompt e publicados antes do Primeiro Fólio. Além disso, teve uma má recepção crítica, não menos por George Bernard Shaw, que a descreveu como 'um insulto vil à feminilidade e masculinidade do início ao fim'. E nos últimos anos, tem sido criticada por perspectivas feministas que consideram a confrontação sustentada entre Petruchio e Katerina como impossível de ser representada plenamente sem ironia ou dispositivos de enquadramento. Para mim, esses argumentos, junto com os paralelos sobre o antissemitismo em O Mercador de Veneza, podem ser exagerados e, de certa forma, perdem o alvo. Devemos reconhecer, antes de tudo, que o fato de Shakespeare ter feito Shrew uma peça dentro de uma peça significa que ele próprio colocou um dispositivo de enquadramento ao levá-la a sério literalmente, e, em segundo lugar, que são, em última análise, as escolhas feitas pelo diretor e companhia que determinarão nossas reações a este texto – pode ser representada ironicamente, de forma farsesca ou histórica (ou seja, como uma expressão das ideias modernas sobre hierarquia social e homem e mulher pós-lapsarianos). Existem muitas opções disponíveis, e precisamos suspender o julgamento até a cortina final. Arrows and Traps e o diretor Ross McGregor nos trazem uma versão invertida de gênero da peça como parte de uma temporada intrigante dedicada ao tema de 'Amor em Tempo de Guerra'. Com base nesta produção inovadora e animada, as versões deles de Titus Andronicus e All’s Well That Ends Well serão uma visão essencial mais tarde no verão. Encontramo-nos em um cenário simples e flexível que funciona bem tanto para cenas de rua quanto para interiores, com pouco tempo perdido nas trocas de cena. É uma noite longa em termos de tempo, mas não parece assim em ritmo, pois os episódios passam com rapidez e economia admirável, enquanto permitem que os poucos discursos de reflexão e repouso tenham peso total. Com exceção dos papéis principais, cada ator desempenha múltiplos papéis e aqui vemos o benefício de trabalhar com uma companhia central regular que todos se conhecem bem e estão à vontade no trabalho flexível em conjunto. Há energia, criatividade e fluidez sobre o progresso da ação e um forte senso visual ao criar tableaux eficazes. Isso significa que não importa que o orçamento seja limitado: por exemplo, o coro de cozinheiros e serviçais tímidos durante a cena do banquete é coreografado de forma tão divertida que você esquece que apenas os mínimos adereços estão em exibição. Este é o Shakespeare onde os valores e o foco estão no lugar certo, ou seja, uma reinterpretação minuciosa do texto, com um olhar sobre como essa visão pode ser melhor comunicada com ritmo e sagacidade de entrega e um movimento contínuo e chamativo no palco. Há também alguns interlúdios encantadores cantados que emergem naturalmente da peça, na melhor tradição do teatro musical, que servem para encapsular o humor em vários pontos da ação. Então, o que aprendemos com a inversão de gênero na peça? O que isso acrescenta à nossa compreensão? Em primeiro lugar, as bordas são de certa forma reduzidas das confrontações, que parecem de alguma forma mais humorísticas e menos cruéis. As disputas dos pretendentes ainda são mordazes, com excelente trabalho em particular de Jean Apps como Gremia; as mães ameaçam e intimidam tão eficazmente quanto os pais fariam - aqui, uma impressionante Vincentia brandindo uma bolsa (Bridget Mastrocola) se destaca. Bianco (Samuel Morgan-Grahame) é reformulado como um 'menino da mamãe' mimado e estragado, e Trania (Gemma Salter), impersonando Lucentia (Remy Moyes) durante grande parte da ação, brilha com invenção cômica e leveza. Mas a peça se sustenta ou cai na interação entre Petruchia (Elizabeth Appleby) e Cajetano (Alexander McMorran). Eu senti que McMorran poderia ter sido ainda mais difícil e irracional na atuação das cenas iniciais – a jornada percorrida de lá para a sua interpretação digna e convincente do discurso final da 'submissão' precisa ser longa, se o consideramos como uma vítima ou não. Mas o retrato ingênuo e alegre de Appleby sobre Petruchia foi uma completa delícia cômica. Sua recusa contínua em engajar com o ponto de vista e desejos de Kajetano tinha algo de Jennifer Saunders em pleno fluxo de Ab Fab. E então, ao habitar um mundo cômico alternativo durante grande parte da peça, seu reconhecimento final de amor foi ainda mais emocionante – e certamente a primeira vez que isso me emocionou. Isso leva à minha segunda observação sobre o conceito invertido da peça – que é que o humor e a vivacidade competitiva das trocas estão, de certa forma, acima do gênero, e precisam ser representadas com uma espécie de precisão militar determinada na execução das viradas de humor para levar o público junto com a piada e a ação em um sentimento de antecipação ansiosa sobre o que pode acontecer em seguida. Suponho que seja outra versão do comentário de Noel Coward de que a comédia é mais engraçada quando interpretada com seriedade mortal.....

O problema que sempre tive no passado com esta peça é o puro alívio do processo de ‘domar’, que em produções anteriores que vi apenas se destacou como enfadonho, em vez de cruel, quanto menos engraçado. Por esse motivo, tenho sido mais atraído nos últimos anos pelo charme gentil, urbano e sedutor da versão de Cole Porter do que pela original de Shakespeare. O melhor elogio que posso oferecer a esta excelente produção é que ela me fez pensar com muito mais carinho a peça original e tranquilizou muitas das minhas ansiedades sobre o material. Não deixe de assistir enquanto puder.

A Megera Domada fica em cartaz no New Wimbledon Theatre Studio até 20 de junho de 2015.