CRÍTICA: O Chefe da Estação, Teatro Tristan Bates ✭✭✭

O Chefe da Estação

Teatro Tristan Bates

11 de novembro de 2015

3 Estrelas

Musicais vêm com um requisito embutido de suspensão da descrença; cantar em vez de falar garante isso até certo ponto. Portanto, workshops ou leituras encenadas de novos musicais costumam começar em vantagem - as pessoas esperam abrir concessões e fazem isso. Mas há algo de contraponto nisso: a música pode ser julgada muito severamente, por exemplo, porque não há orquestrações orquestrais ou suporte, ou nem todas as vozes são tão ideais quanto poderiam ser em uma produção completa. A menos que você possa orquestrar na sua cabeça, isso pode ser um grande problema; imaginar um canto melhor geralmente não é um problema.

Esses problemas podem parecer acentuados ou ofuscados pelo livro. Onde o livro é uma quantidade conhecida ou esperada, a partitura recebe apoio inerente; onde o livro é novo ou inesperado, a partitura pode ser abafada pela atenção dada ao livro ou suas letras. Adaptações de obras conhecidas podem exacerbar esses problemas: se a adaptação não segue o espírito ou a forma do original, o mistério de "por que a mudança?" pode sobrecarregar todo o resto.

Essas ponderações se tornam nítidas ao considerar a produção de Bronagh Lagan de O Chefe da Estação, atualmente em cartaz no Teatro Tristan Bates, como parte da importante temporada anual Page To Stage da Aria Entertainment, que busca incentivar o desenvolvimento e o refinamento do novo teatro musical. Com música e letras de Tim Connor e um livro de Susannah Pearse, esta é uma adaptação muito livre da famosa peça alemã, O Dia do Julgamento, de Ödön von Horváth.

Em sua forma original, a peça é um thriller psicológico construído sobre emoções reprimidas, sentimentos subjugados, paixões despertadas e culpa com G maiúsculo. Um chefe de estação meticuloso, cuja esposa amargurada está se afastando dele, é momentaneamente distraído de suas obrigações pelas atenções sensuais de uma jovem atraente. Enquanto distraído, ele falha em parar um trem de passageiros em sua estação, resultando em um acidente no qual vidas são perdidas. O casal mente sobre o que aconteceu, mas a esposa do chefe da estação testemunhou o ocorrido e fala. Segue-se uma torrente de dor, recriminação, desculpas, aceitação e uma morte acidental adicional. Os aldeões deixam suas simpatias balançarem como uma pipa ao vento. Quando o chefe da estação decide que o suicídio é a resposta apropriada, sua esposa intervém.

A peça é conduzida pelos pensamentos, ações e comportamento da esposa do chefe da estação. O que a leva a dizer e fazer o que faz, como ela muda e se adapta, como afeta o comportamento dos outros é o verdadeiro pulso da peça. O senso germânico de precisão é palpável também, assim como as noções de classe e uma suposição de que a paixão é contida, controlada.

A versão musical adota um pouco disso, mas o foco nunca é realmente na esposa ou suas ações. Em vez disso, o prisma é alterado para refletir mais intensamente o próprio chefe de estação. Além disso, a ação é relocada para o interior da Inglaterra, no Distrito dos Lagos, não um lugar onde a precisão dos horários ou a sexualidade reprimida (do tipo aqui em jogo) pareceriam características óbvias. Embora tornar o cenário mais local melhore o acesso a tipos de personagens e alguma comédia ampla, há uma perda desproporcional das correntes emocionais evocativas do original.

Em parte, essa perda se deve à direção e ao elenco. A direção de Lagan é também superficial, na melhor das hipóteses, e não imaginativa e excessivamente irritante na pior. Mesmo levando em consideração, como é necessário, a falta de recursos aqui disponíveis, não há muito na produção que mereça atenção.

Os três personagens centrais precisam de performances bastante específicas para fazer o musical, bem, cantar. O chefe da estação, adorado e em um pedestal tanto quanto os aldeões estão preocupados, é um tipo John Proctor - um homem carismático e viril que pode fazer amizade com qualquer um e ganhar a confiança de qualquer um. Sua esposa é uma espécie de Esposa do Padeiro, perdida e procurando, principiada e dolorosa. E Anna, a jovem da aldeia, que mata as pessoas com um beijo mal calculado, é bonita, popular e desesperada para escapar, um tanto semelhante a uma figura de Rapunzel. Obtenha essas três funções escaladas perfeitamente e a peça se encaixará.

Aqui, nenhum desses papéis é desempenhado exatamente certo, embora cada um tenha seus momentos e todos possam cantar. Os tons próximos à ópera de Jessica Sherman, embora não consistentes, colocaram sua Catherine em contraste marcante com o tom mais voltado para Broadway de Nigel Richards como Chefe da Estação, mas isso não foi uma coisa ruim. Separadamente, eles serviram bem à obra, musicalmente e narrativamente. A Anna de Emily Bull poderia se beneficiar de uma subreta mais encantadora; tons vocais idiossincráticos ajudariam o poder e a tentação sedutora que o personagem representa a florescer mais intensamente.

Claro que esses artistas tiveram comparativamente pouco ensaio e a partitura de Connor é tecnicamente muito exigente. Mas o trabalho duro que fizeram deixa claro que se Julian Ovenden, Jenna Russell e Anna O'Byrne (apenas para nomear alguns dos muitos suspeitos óbvios) fossem liberados neste material, algo espetacular poderia ser o resultado.

A partitura de Connor deve uma dívida considerável a Sondheim, mas, dito isso, trilha caminhos muito interessantes. Complexas e intricadas, as melodias e harmonias recompensam a audição cuidadosa, mas não há perigo de obter uma "canção assobiável" na maior parte, embora números individuais e linhas vocais sejam bastante sedutores, instantaneamente agradáveis.

A música que abre o Ato Dois é mal concebida e precisa ser substituída. No meio de uma disputa sobre integridade, verdade e consequências, um pobre primo de segunda classe de The Lonely Goatherd não é apenas chocante, mas incompreensível. Da mesma forma, a filha óbvia de "Being Alive", que concluiu o Ato Um, deve ser reformulada; algo mais próximo de Climb Every Mountain em sentimento pode ser mais persuasivo.

Vocalmente, o resto do elenco foi excelente nos números de conjunto maiores e alguns dos trabalhos individuais foram sólidos. Annie Wensak, como a Margo Leadbetter da aldeia, fazendo geleia de framboesa, elitista crítica, Sra. Deakin, trouxe alguns toques de comédia sutis (muito necessários, dada a escuridão da narrativa), mas sem coerência.

Ainda assim, o ponto desta produção é mostrar uma peça de teatro musical como um trabalho em progresso e, como tal, não há dúvida de que tem êxito: apesar de falhas óbvias e uma necessidade de refinamento dramatúrgico, O Chefe da Estação claramente tem potencial. Os rumores sobre a morte do novo musical britânico foram amplamente exagerados.

Parabéns à Aria Entertainment por fazer o trabalho duro de garantir que os rumores permaneçam exagerados. De Page To Stage vai até 21 de novembro e vale a pena o tempo de qualquer um interessado em teatro musical.

O Chefe da Estação está em cartaz no Teatro Tristan Bates até domingo, 15 de novembro de 2015