CRÍTICA: Os Rivais, Teatro Arcola ✭✭✭✭✭

The Rivals

Arcola Theatre

16 de outubro de 2014

5 Estrelas

Crítico - Tim Hochstrasser

Produções de duas grandes peças de Sheridan, The Rivals e The School for Scandal, parecem menos frequentes atualmente, o que é uma grande pena, dado o maravilhoso leque de oportunidades que cada peça oferece para encenação de alta qualidade de todos os tipos para atores cobrindo todo o espectro etário, com papéis de peso e sagacidade iguais para homens e mulheres. Quando todas as peças de Wilde, até mesmo as suas menos conhecidas, recebem apresentações regulares, é intrigante que essas duas obras-primas, tão semelhantes em seus desafios estilizados, sejam muito menos visíveis. É, portanto, muito bem-vinda a oportunidade de saudar uma nova e excelente versão do primeiro grande sucesso de Sheridan, ainda em exibição por mais alguns dias no Arcola Theatre, Dalston. Não perca enquanto ainda pode....

The Rivals não é uma peça perfeita. Foi um fracasso quando produzida pela primeira vez em 1775, e mesmo após cortes substanciais e reescritas a segunda metade pode arrastar-se. Grande parte da trama já foi desvendada nesse ponto, e a atenção do público pode dispersar-se caso o texto não seja desempenhado com ritmo e uma grande dose de inventividade cênica e negócios. As produções também podem facilmente ser excessivamente confortáveis, tratando-a como uma peça de época que proporciona uma vitrine estelar para os atores que desempenham Mrs Malaprop, Sir Anthony Absolute, e os dois pares de casais cujas manobras em torno uns dos outros, afastando-se e, por fim, aproximando-se, fornecem o principal eixo dramático. No entanto, deveria ser uma peça arrojada que só finalmente e com relutância embarca num ritmo de casamenteiro.

Constantes explosões de raiva, frustração sexual, discriminação da cidade contra o campo e ingleses contra irlandeses, e hostilidades de filho contra pai, criado contra mestre e amante funcionam como um conjunto de guias através de cada cena; e categorias variadas de vaidade de gênero, tanto misóginas quanto misantrópicas, são raiz de muito do humor, parte dele ainda desconcertantemente cruel e zombeteiro. Foi a crueza da peça, não sua refinada comédia de costumes, que dominou sua recepção escandalosa original; qualquer produção precisa capturar essas qualidades para nos fazer olhar para a peça de novo.

É muito mérito do elenco e da equipe criativa que tiveram a coragem de resistir à tentação de atualizar a peça por uma questão de novidade e, em vez disso, aprofundarem-se no texto em busca de respostas novas e persuasivas.

A diretora Selina Cadell escreve no programa que ‘atores hoje estão muito acostumados a impor humor ao conteúdo, sua relação com a linguagem é bem menos segura. O desafio para o ator na Comédia da Restauração, portanto, é descobrir como o personagem existe através da linguagem e apenas da linguagem.’ Em vez de um naturalismo espúrio, eles abraçam o desafio de encontrar a natureza na artifício como se já fosse a ‘comédia trivial para pessoas sérias’ de Wilde. Os atores desempenham seus papéis com a máxima seriedade e o humor é naturalmente ainda maior por isso. Além disso, encontram exatamente o ritmo certo para o texto ao não apressarem a entrega dos belamente elaborados discursos de Sheridan. Surfar nessas longas frases, com seu acúmulo de cláusulas equilibradas e qualificadoras, requer habilidade como a de um surfista na crista de uma onda quebrando... segurando-se muito atrás e você perde o público; apressar as sequências e você perde a piada.

Cada um dos membros do elenco aqui foi exemplar ao levar o tempo necessário quando preciso e avançando no ritmo quando a cena requeria dinamismo e interação física. Ao confiar na linguagem do texto e desenvolver o personagem cuidadosamente através dela, os resultados finais foram ainda maiores nas cenas finais, quando o impulso da trama se afrouxa: tais performances detalhadas oferecem um humor próprio até essa fase. Cada ator percebeu que em uma era onde o contato e o toque humano eram restritos e formais, a linguagem em seu espectro completo, desde a inteligência delicada até a lascívia ousada, deve apresentar a gama de emoções, frustrações e ciúmes que em uma peça moderna seriam indicados pela linguagem corporal. É e foi plenamente aceitável quebrar a 'quarta parede' frequentemente e nos lembrar de que estávamos em uma peça, que foi como um público do século XVIII viu essa experiência, mas para que isso funcione, a linguagem precisa ser tratada com absoluto respeito e interpretada a todo custo. Foi um raro prazer ouvir o texto entregue com tanta segurança e puro prazer tridimensional de suas possibilidades imaginativas.

Não há elos fracos neste elenco bem afinado e é inevitavelmente injusto destacar performances específicas. Mas pela habilidade técnica em nos fazer pensar de novo sobre um texto familiar, devo elogiar Jack Absolute de Iain Batchelor e a performance de Nicholas Le Prevost como seu pai. Ao ameaçar raiva mas não entregá-la até o ponto em que você não a espera, Le Prevost deu uma aula magistral de timing cômico; e Batchelor preencheu cada aspecto de seu papel multifacetado como Capitão Jack e Alferes Beverley com invenção charmosa.

Gemma Jones espumou e se agitou eficazmente como Mrs Malaprop, uma bola de seda cinza e tule rosa, e merece crédito por NÃO sinalizar seu uso criativo da linguagem de forma muito óbvia. 'O abacaxi da polidez' encontrou seu lugar como o clímax de um parágrafo maravilhoso e não como uma piada isolada.

Jenny Rainsford languideceu elegantemente como Lydia, com mais mordacidade e briga neste papel do que é habitual, e Justine Mitchell foi um modelo de quietude, mas contida precisão de discrição, como a sobrecarregada Julia. Adam Jackson-Smith interpretou Faulkland como se fosse John Cleese, o que ajudou a nos dar um ponto de referência útil para os escrúpulos cansavelmente autossabotadores do personagem.

Os papéis típicos do Irlandês e do fazendeiro do campo novo na cidade são menos bem desenvolvidos na escrita, mas foram bem assumidos na noite. Todos os criados aproveitaram seus momentos de intervenção e comentário com elegância.

Se eu tivesse uma crítica então seria com a encenação. O Arcola tem uma forma de espaço complicada e necessita de um manuseio muito cuidadoso se as cenas devem fluir facilmente entre si (como foi feito tão bem na recente produção de Carousel). Aqui houve um pouco negócio demais entre as cenas, seja movendo o cenário (por exemplo, um desnecessário recorte de uma urna levantado e abaixado para indicar uma cena ao ar livre), ou nos interlúdios musicais ou piadas recorrentes. Em uma peça tão longa quanto esta e onde a entrega da linguagem estava tão certa, foi uma pena que as cenas não pudessem ter fluído de forma mais contínua e especialmente na segunda metade estruturalmente mais fraca. Embora seja ambientado em Bath, na verdade, não precisamos ver Bath, ou pelo menos não em qualquer extensão elaborada.

No entanto, este ponto à parte, esta produção é uma interpretação memorável e instigante de um velho favorito e uma das noites mais engraçadas atualmente em cartaz no teatro. Você não precisa concordar com meu ‘desvario de epítetos', apenas não perca....