AVALIAÇÃO: O Retrato de Dorian Gray, St James Studio ✭✭✭✭✭

Foto: Evolution Photography O Retrato de Dorian Gray

Teatro St James Studio

17 de junho de 2015

5 Estrelas

O dia 20 de junho de 2015 marca o exato aniversário da primeira publicação da versão original e serializada do romance de Oscar Wilde O Retrato de Dorian Gray. Embora tenham sido feitas várias tentativas de transformá-lo em uma obra para teatro e cinema, não há uma versão aceita para apresentações teatrais e, portanto, este novo empreendimento é ao mesmo tempo oportuno e útil. O esboço da história é tão familiar que não precisa ser repetido aqui, mas mesmo assim devo começar registrando minha percepção da contínua e convincente relevância de seus temas principais. Dado o culto às celebridades que invade cada vez mais nossas telas e manchetes, um estudo sobre a natureza e as consequências do narcisismo não poderia ser mais contemporâneo. À medida que os famosos aforismos vêm à tona, você não pode deixar de pensar que 'O gênio dura mais que a beleza' seria hoje uma questão em aberto em vez de uma afirmação, e que Wilde explorou uma verdade mais profunda do que ele sabia quando afirmou que 'apenas pessoas superficiais não julgam o mundo pelas aparências.' A brilhante destreza verbal e a escuridão por baixo demonstram a verdade e a sabedoria de outro dito que passa velozmente logo no início: 'toda arte é ao mesmo tempo superfície e símbolo.'

Um tributo precisa ser feito, antes de tudo, à habilidade da adaptação, realizada com meticuloso cuidado por Merlin Holland, neto de Wilde, e John O’Connor. Crucialmente, eles voltaram aos textos originais da revista e do romance (mais longo) publicado e reinstauraram várias linhas-chave que Wilde prudente omitiu do texto padrão final. Essas linhas tornam mais explícitos os vários temas homoeróticos da peça e, em particular, esclarecem o caráter de Basil Hallward, perdido em adoração desesperada e impotente por Dorian Gray, e tornam a manipulação consciente de Dorian sobre Basil ainda mais calculada e chocante. Há muitos outros pequenos ajustes que, de forma útil, corrigem ou preenchem aspectos dos personagens que apenas são insinuados de forma oblíqua no original.

Qualquer adaptação tem que transformar uma grande quantidade de narrativa, relatada por Dorian, em drama, diálogo e personagem. Uma grande quantidade de escolhas interpretativas precisa ser feita aqui, e na maior parte do tempo a equipe criativa e os atores tomam as decisões corretas. Por exemplo, Sibyl Vane (Helen Keeley) é desenvolvida em um personagem muito mais substancial aqui do que no original. Uma escolha é feita para apresentá-la como uma boa atriz que tem uma noite crucialmente ruim em vez de ser uma atriz canastrona que apenas Dorian deseja colocar em um pedestal. Isso adiciona considerável força e empatia à rejeição dele por ela. Da mesma forma, com a criação de Hettie, outra vítima das ocupações faustianas de Dorian, que só é descrita de passagem no romance.

O enredo é o aspecto menos crível e talvez o menos importante da peça: assim como em qualquer romance gótico, o final em particular parece estranhamente abrupto, um efeito reproduzido com precisão nesta adaptação. Mas então o enredo sempre foi a parte menos importante da arte de Wilde em suas comédias e, como um todo, esta adaptação se compara bem com as grandes peças que sustentam sua reputação. Na verdade, é um protótipo. Existe uma teatralidade central embutida no original: o diálogo já faz parte do trabalho teatral de Wilde – e, de fato, parte dele foi reutilizado mais tarde em O Leque de Lady Windermere. Além disso, muitas cenas realmente se relacionam com ou são baseadas no teatro contemporâneo. Finalmente, todo o conflito de mão dupla entre pintura e sujeito, herói e imagem, beleza externa e corrupção interna da alma implora por representação e encenação além da página impressa. Abrimos com uma sugestão desordenada de um estúdio de artista vitoriano: algumas molduras grandes, tortas, vazias e douradas, parafernália artística, uma chaise longue e um vaso, uma dispersão de cadeiras, e ao fundo as linhas insinuantes de um Nocturno de Chopin. Basil Hallward (Rupert Mason) está dando os toques finais em seu retrato de Dorian Gray (Guy Warren-Thomas) antes de serem interrompidos e subvertidos por Lord Henry Wotton (Gwynfor Jones). Além dos papéis principais, cada um dos atores (exceto Warren-Thomas) contribui com uma infinidade de personagens bem definidos, povoando o palco com os servos conhecedores, duquesas superciliosas e comerciantes astutos que fazem parte da textura social das grandes comédias. Neste livro mais sensual, é crucial que haja muito para prender o olhar e, portanto, grande crédito vai para a equipe criativa por garantir que o cenário esteja bem ornamentado e uma maravilhosa parada de trajes de época de cores e texturas suntuosas passe diante de nós. Mesmo um personagem menor, como a esposa de Lord Henry, realmente parece como se seu vestido esvoaçante tivesse sido 'desenhado em uma tempestade e vestido em uma chuva forte.' Muito pensamento foi dedicado a como atrair a imaginação sensual do público, e em particular o diretor encontrou maneiras de integrar as referências ao livro de Huysmans Contra a Natureza e o Livro Amarelo, ambas importantes inspirações para Wilde, incorporando o caso de amor de Dorian com tecidos e fragrâncias, conforme relatado no capítulo onze do romance.

Seria indelicado destacar qualquer membro do elenco para elogios - há múltiplas formas de excelência em exibição; mas basta dizer que Warren-Thomas não descansa nos louros de sua aparência - ele traça o caminho rumo à crueldade implacável com muita hesitação e detalhe humano. Mason faz de Hallward uma figura muito mais simpática e angustiada do que o habitual, e Keeley cria um personagem real e completo a partir de Sybil. Inevitavelmente, há muitas trocas de cena e figurino, mas elas são realizadas habilmente e sem interromper nossa concentração. De fato, o movimento fluido e flexível é uma característica destacada de toda a produção, e difícil de ser alcançada em um espaço tão confinado e desordenado.

De certa forma, o papel mais difícil de realizar é o de Lord Henry, que tem que entregar a maioria dos epigramas preciosos enquanto os insere em uma fala naturalista. Encontrar o ritmo em Wilde normalmente é a chave para uma grande atuação e produção. Como criar um fluxo plausível quando os epigramas se colocam em seu caminho, exigindo tempo e espaço para entrega e reconhecimento? Às vezes, parece que Wilde atribuiu aos seus atores uma bandeja cheia de geleia e creme de nata, mas sem scones. Gwynfor Jones navega esse desafio muito delicadamente, com muito movimento em cena, e acelerações e pausas cuidadosamente graduadas e variadas, de maneira semelhante a um cantor de ópera que bloqueia uma ária. Esta é uma lição objetiva em retórica.

Lamentavelmente, esta excelente adaptação tem uma temporada muito breve – espero que outro teatro possa ser persuadido a nos permitir experimentar esta peça com este elenco mais uma vez - e em breve... Ela merece ser vista por suas próprias qualidades, pelas novas perspectivas que traz a uma obra que pensamos conhecer muito bem, e pelo que nos diz sobre Wilde. Apresenta de forma exemplar a combinação instável e, em última análise, trágica de talentos e aspirações que compõem a persona única de Wilde. Como de costume, ele percebeu a verdade antes de todos os críticos: ‘Basil Hallward é o que eu acho que sou: Lord Henry é o que o mundo pensa de mim: Dorian é o que eu gostaria de ser – em outras épocas, talvez.’