CRÍTICA: O Dia do Ano, Finborough Theatre ✭✭✭✭✭

Fiona Press, Mark Little e Paul Haley. Foto: Mark Douet The One Day Of The Year

Teatro Finborough

21 de maio

5 Estrelas

Está amanhecendo. O pai está irritável, se vestindo, ordenando a sua paciente e pé no chão esposa que pegue suas medalhas. Ele tem um serviço ao amanhecer para comparecer. Ela se apressa para encontrá-las. O pai grita com o filho que está dormindo. Levante-se, precisamos ir para o serviço. O filho, culpado mas desafiador, grita que não vai. O pai invade o quarto do filho. O garoto não se intimida, de camiseta e roupa de baixo, em pé sobre a cama, firmando sua posição. Nenhum serviço ao amanhecer para ele. O pai pensa sobre isso, percebe que essa batalha não pode ser vencida, pega as medalhas de sua esposa, deixa que ela o vista e sai. Nada vai impedi-lo de aproveitar seu dia.

O filho sente... algo. Talvez indescritível, mas algo. O velho companheiro de guerra do pai chega à casa, pronto para assistir ao serviço ao amanhecer e à Marcha na televisão alugada com a mãe. O filho liga o rádio. Ele pode não ir ao serviço ao amanhecer, mas vai ouvi-lo. Por quê? Hábito? Ou algo mais? Enquanto se veste, o Último Post toca. O velho se enrijece, em posição de sentido, recordando; o filho pausa, refletindo.

A justaposição desses dois homens, divididos por gerações, educação e experiência, mas presos ao poder de uma peça musical, e tudo o que vem com ela, assenta-se permanentemente, inexoravelmente nas mentes e almas do público. Tão evocativo e emocionante quanto o teatro pode ser.

Gregory Doran recentemente declarou Morte de um Caixeiro Viajante o maior drama americano do século XX. Embora muitos discordem dele sobre isso, a questão que continuava surgindo em minha mente era: qual seria a maior peça australiana do século XX? Os palcos londrinos raramente são abençoados com peças australianas, embora atores australianos sejam presenças constantes nesses palcos, alguns em modo expatriado, outros não. É uma surpresa para muitos frequentadores de teatro de Londres que os australianos até mesmo escrevam peças.

Mas eles escrevem. E, muitas vezes, peças bastante boas.

Em qualquer lista sensata das dez principais peças escritas por um australiano, The One Day Of The Year de Alan Seymour certamente apareceria.

Em 1960, quando foi produzida pela primeira vez na Austrália, causou um grande alvoroço, foi banida, e tornou-se alvo de desprezo vitriólico e nu. Policiais mantinham a ordem em teatros onde ela era apresentada. Foi estudada por gerações de escolares na Austrália, caiu e subiu em popularidade, alcançou status icônico, e foi quase esquecida. Que apropriado, então, que o industrioso Teatro Finborough a tenha escolhido para reviver no ano do centenário da Campanha de Galípoli; o Finborough tem uma reputação bem justificada por redescobrir joias teatrais perdidas, esquecidas ou negligenciadas, então a peça de Seymour é a casa perfeita para isso.

Porque, não se engane, ela é uma joia.

Tão bem elaborada quanto qualquer drama de pia de cozinha ou realista da época, a peça perdura porque trata de conceitos universais que têm a capacidade de tocar e afetar a vida de todos que a veem, sejam eles australianos ou não: a futilidade da guerra; a noção de valorizar o ponto de vista do outro; as consequências da educação ou a falta dela; e a peculiar fragilidade e dificuldade do vínculo entre pai e filho, mãe e filho, marido e esposa.

Apesar de seus cenários e narrativa, esta não é uma peça sobre o Dia de Anzac, o feriado público na Austrália onde atenção é dada àqueles que lutaram pelo seu país em guerras, aqueles que foram mortos ou mutilados, ou pior, sobreviveram. Não. Da mesma forma que Morte de um Caixeiro Viajante é fundamentalmente sobre o Sonho Americano, The One Day Of The Year é sobre o Sonho Australiano, ou talvez mais exatamente, sobre o sonho do que é ser um australiano aspiracional.

Existem outros paralelos óbvios com a peça de Miller: a figura central do pai sabe que é um fracasso, mas lida com isso de formas diferentes; a tensão na peça vem do pai e do filho, e atinge seu ápice em um confronto onde o filho força o pai a encarar a realidade; há uma mulher fiel, cansada, tentando manter sua família unida; e há um velho amigo sábio, pensativo, e perspicaz do pai que tenta estabilizar a situação e evitar o desastre.

Mas aí as semelhanças (além da grandeza inerente) terminam. Miller escreveu uma peça sobre grandes temas e grandes cenários da nação na forma de um drama doméstico; Seymour escreveu um drama doméstico sobre classe, valores e compromisso, na forma de uma luta épica sobre um marco fundamental da identidade australiana.

O diretor Wayne Harrison, cuja reencenação de The One Day Of The Year estreou na noite passada no Finborough, entende isso completamente. Ele colaborou com Alan Seymour nesta versão da peça, atualizando-a de formas sutis, mas eficazes. É uma grande pena que Seymour tenha falecido em abril deste ano e não tenha podido testemunhar o renascimento de sua peça mais famosa.

Porque esta é uma reencenação impecável de uma grande peça. Harrison explorou a obra com cuidado, encontrou as verdades, os marcos, a profundidade, e trouxe tudo à vida de maneira vívida e extraordinária. Esta é, de longe, a versão mais engraçada dessa peça que já vi e, como consequência direta disso, também é a versão mais comovente, tocante e perspicaz que já vi. E, ao longo dos anos, eu vi dezenas de produções dessa peça.

Harrison, sabiamente, usa as limitações do espaço do Finborough a seu favor. O cenário simples (Catherine Morgan) estabelece precisamente a vida frugal e descomplicada que a família Cooke leva. Há uma cozinha e o quarto de Hughie, com sua cama de solteiro dobrável. Não há extravagância no lar dos Cooke. Harrison aproveita bem o ambiente esparso - os personagens podem se mover de espaço em espaço para efeito. Quando Hughie explica seu constrangimento com sua família e suas peculiaridades, ele pode vagar para o espaço onde eles estão e eles podem demonstrar sua indignação.

Inesperadamente, há uso inteligente de projeções como parte da tapeçaria da linguagem da peça. No entanto, alguém pode elogiar o desfecho que Jonathan Munby adicionou a O Mercador de Veneza atualmente em exibição no Globe, o novo final para esta peça é nada menos que brilhante, refletindo, de maneira clara e concisa, os temas de tradição, sacrifício e perda que Seymour entrelaça no texto.

Esta é uma peça tão lindamente e cuidadosamente dirigida quanto qualquer outra atualmente em exibição em um palco londrino. Não tem os recursos de Morte de um Caixeiro Viajante do RSC, mas supera essa produção em termos de sensibilidade dramática e coesão teatral.

O elenco, na maioria das vezes bem escolhido, auxilia imensamente a visão de Harrison.

Mark Little, provavelmente na performance de sua vida, é um Alf seguro, complexo e muito engraçado, muito humano. Veterano da Segunda Guerra Mundial, Alf é um tipo tradicional, que é descaradamente da classe trabalhadora (ele trabalha em um elevador para pagar as contas) mas economizou e poupou para garantir que seu filho, Hughie, tivesse uma educação e pudesse ter as oportunidades que ele, Alf, foi negado. Barulhento, muito fã de uma bebida e um reclamão arquetípico (ele provavelmente tomaria algumas cervejas com Nigel Farage), Alf é quase uma paródia de si mesmo.

Quase. Na verdade, ele é aquele maravilhoso velho bêbado e desonesto que fica excessivamente bêbado e tolo, mas quem todos perdoam porque, quando tudo é dito e feito, ele é apenas um cara comum fazendo o melhor que pode. Há uma corrente de violência sobre ele também e isso estabelece seu pior aspecto, os limites externos de seus excessos. Esta é uma peça escrita em uma época quando a masculinidade era definida de forma diferente. Alf trata todos que ama igualmente mal, principalmente porque teve seu próprio caminho por tanto tempo, mas, igualmente, ele realmente os ama, e demonstra isso. Quando pode.

Alf é um papel enorme, e Little dá a cada aspecto da parte a devida e detalhada atenção. A exuberância efusiva, o lampejo de raiva súbita e imprevisível, os silêncios cansados, o temperamento insistente, a determinação feroz, a aparência confusa, o senso de humor malicioso, o estupor alcoólico, a narrativa à la Falstaff, a devoção não falada - Little interpreta tudo isso, de maneira coerente, sensível e incrivelmente eficaz. É uma performance corajosa e destemida; Little não tem medo de revelar o lado feio de Alf, e está absolutamente certo nisso. Sem isso, o papel e a peça não funcionam.

Little é abençoado com um apoio soberbo, impecável, de Fiona Press (sua esposa de longa data, Dot) e Paul Haley (Wacka, o veterano de ambas as Guerras Mundiais, que foi companheiro de guerra tanto de Alf quanto de seu pai).

Press torna Dot completamente real em todos os sentidos. Dot é a porta-voz da verdade na peça - ela observa tudo e comenta sobre os acontecimentos com uma precisão infalível, uma sabedoria sem igual e uma sinceridade profundamente sentida. Press transmite sem esforço todas as qualidades de Dot; sua imobilidade é inspirada, mas seus olhos e boca nunca param de registrar seu humor e pensamentos. Como uma força de amor verdadeiro e perdoado, capaz de brutal honestidade e ironia com desprendimento, Dot de Press é magistral em todos os aspectos. Um absoluto prazer assistir.

O papel de Wacka é uma armadilha para atores ruins; a escrita de Seymour pode ser uma oportunidade para sentimentalismo extremo, açucarado, exagerado. Mas não aqui. Haley é requintado como o velho veterano, que ama os Cooke como se fossem seus próprios, e que não quer se gabar de suas conquistas em batalha. Taciturno, e um verdadeiro contraponto às demandas imperiosas de Alf, Haley apresenta um Wacka de grande profundidade, de estoicismo inabalável. Você realmente acredita que ele estava em Galípoli, enfrentando as armas mortíferas, e então, mais tarde, uma vida inteira de empurrando as memórias para o lado, silenciosamente severo. Quando, finalmente, Dot o persuade a falar sobre sua dor, Haley é cativante, arrepiante, excepcional. Ele também é inegavelmente engraçado. É uma performance sutilmente ajustada, perfeitamente calibrada.

James William Wright interpreta Hughie, o único filho de Dot e Alf, com habilidade e aplomb. Alto, desengonçado, bonito e perdido, o Hughie obcecado por fotografia de Wright é o descendente perfeito, zangado e rebelde. Ele mostra claramente a submissão de Hughie aos encantos femininos de sua talvez namorada Jan e as consequências quase catastróficas que isso tem para sua família. Sua relação com ambos os pais é bem ajustada, da adoração gentil por sua mãe, de quem ele amargamente se arrepende de ter chateado, passando pelo arrependimento e vergonha humilde que sente por seu tratamento ao avô substituto, Wacka, até o medo e o desprezo que rapidamente lança ao pai que momentaneamente despreza, mas que sabe que trabalhou arduamente sua vida inteira para o bem-estar de Hughie. É uma atuação crua, exposta, apelativa e fracionada em partes iguais.

Dois momentos particularmente marcam a ampla gama de habilidades de Wright aqui. Ele faz com que o agressivo ataque de Alf sobre ele seja completamente crível; você quase sente os hematomas se formarem em seu próprio corpo enquanto assiste à resposta temerosa e infantil de Wright. Então, mais tarde, quando ele segura a mão do pai em uma demonstração aberta e inequívoca de amor paternal, ele parte o seu coração de uma maneira diferente. Embora ele precise relaxar mais, e confiar em sua performance o suficiente para permitir pausas e momentos reflexivos que sustentem a tensão, Wright oferece uma performance de primeira linha em um papel complicado.

Não há dúvida de que o papel mais difícil na peça é o de Jan, a garota de classe alta que está passando um tempo com Hughie, usando-o para seus próprios fins, sexuais e profissionais. É um papel ingrato de muitas formas, mas crucial. Jan representa a aspiração que Alf e Dot se esforçaram para permitir que Hughie acessasse, mas ela também incorpora tudo o que ambos desprezam nas pessoas privilegiadas e suas desconsiderações casuais pelo valor das classes trabalhadoras. Sem Jan, não há grão na areia e Hughie não pode passar de ostra a pérola. Ela tem que ser atraente o suficiente para escravizar Hughie, mas fria e condescendente o suficiente para provocar a ira tanto de Alf quanto de Dot.

É uma tarefa quase impossível para uma atriz, o papel de Jan, mas Adele Querol se esforça valentemente. Ela não tem dificuldade com o lado espinhoso e horrível de Jan; Querol administra isso deliciosamente e com um verdadeiro talento, mas precisa dar mais profundidade àquela parte de Jan que hipnotiza Hughie. Querol precisa jogar a carta do sexo de forma mais determinada, mais vibrante, mais totalmente envolvente. Jan reduz o, de outra forma, eloquente e articulado Hughie a um emaranhado de confusão e testosterona, e é crucial ver isso. Dot vê isso - ela questiona o valor de Jan. O público, e Hughie, precisa ver isso também.

Os figurinos (Holly Rose Henshaw) evocam com soberba o senso de Austrália nos anos 60 e o design de iluminação de Marec Joyce é realmente belo, evocando profunda beleza em alguns quadros. Há um som inteligente também - pontuando e sublinhando pertinentemente a narrativa, Chris Drohan faz um trabalho discreto, mas muito eficaz.

Harrison conseguiu algo bastante notável aqui. Uma reencenação, um renascimento de uma peça clássica sem sinos e apitos, apenas confiando na narrativa inteligente e visionária e atuação de primeira categoria. O mercurial, bombástico e, em última análise, desesperado Alf de Mark Little é uma performance para os livros de história e o suporte que ele tem de Press, Haley e Wright é excepcional.

Não há masturbação diretorial aqui, nenhum desperdício de fundos ou talentos, nenhuma atualização sem sentido, nenhuma relocação idiota, nenhuma esperteza ou indulgência "só por isso". Há simplesmente uma bela produção de uma peça de classe mundial, iluminada por uma direção sensível, profundamente habilidosa e performances soberbas.

Quem dera Wayne Harrison dirigisse mais para o palco londrino.

Esse é o melhor drama direto (ou seja, não um musical) em exibição em qualquer teatro de Londres no momento.

Faça qualquer coisa para vê-lo.

The One Day Of The Year está em cartaz até 13 de junho de 2015 no Teatro Finborough