CRÍTICA: As Pequenas Grandes Coisas, @SohoPlace ✭✭✭✭✭

Tim Hochastrasser analisa o novo musical britânico The Little Big Things, que agora está em cartaz no @SohoPlace.

Foto: Pamela Raith The Little Big Things

@sohoplace

5 Estrelas

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Este novo musical britânico chega com grandes expectativas que são triunfantemente atendidas. Na noite de estreia recebeu uma das maiores ovações que já ouvi em um teatro em anos, e é merecidamente. Para um musical funcionar nesse nível, assim como na ópera, muitos elementos móveis precisam se sincronizar perfeitamente. Aqui temos um roteiro excelente, música bem elaborada, letras espirituosas, valores de design deslumbrantes e todos os ricos recursos técnicos do @sohoplace – não menos importante, instalações nos bastidores totalmente adaptadas para permitir que atores com deficiência atuem em igualdade, um aspecto central da produção em si.

Foto: Pamela Raith

A origem deste espetáculo está nas memórias e experiências de vida de Henry Fraser, que aos 17 anos ficou paralisado do pescoço para baixo em um acidente de mergulho em Portugal. Ele teve um futuro promissor no rúgbi tirado de si e teve que reconstruir sua vida completamente com a ajuda de seus pais dedicados, irmãos e equipe médica. No final, ele foi capaz de se reeducar como artista usando um pincel adaptado para a boca e também se tornar um autor best-seller.

Foto: Pamela Raith

Como o próprio personagem principal diz no início, à primeira vista isso não parece material promissor para um musical. Mas a produção desafia expectativas em dois aspectos. Primeiro, demonstra sua própria mensagem ao mostrar as habilidades dos atores com deficiência em destaque notável; em segundo lugar, evita os óbvios clichês do que um dos membros da equipe criativa chama de 'pornô de inspiração'. Esta não é absolutamente uma história de como ‘uma pessoa com deficiência animada faz as pessoas sem deficiência se sentirem melhor sobre o mundo.’ O excelente roteiro de Joe White é muitas vezes duro com todos – sim, a coragem é celebrada, mas o mesmo espaço é dedicado aos momentos de desespero sombrio e as tensões nos membros da família são destacadas. Acima de tudo, piedade autoconsciente e melancolia são banidas em favor de grandes momentos de humor e diversão envolvendo todo o elenco, e muitas vezes um humor médico bastante sombrio no estilo de Adam Kay.

Foto: Pamela Raith

Fundamental para isso é ter o personagem principal interpretado por dois atores que nos permitem ver Henry antes e depois do acidente e permitir um diálogo e comentário interno crucial que deve ocorrer antes que Henry possa deixar o passado para trás. Há uma relação naturalmente maravilhosa entre Jonny Amies e Ed Larkin e alguns dos momentos mais impressionantes do espetáculo envolvem suas sinceras revelações mútuas incorporadas em alguns efeitos especiais notáveis, até mesmo aéreos.

Foto: Pamela Raith

Não há fraquezas em um elenco habilidoso que claramente mergulhou neste espetáculo de corpo e alma. É desagradável destacar apenas alguns, mas qualquer resenha deve apontar as magníficas contribuições de Linzi Hateley, Malinda Parris e Amy Trigg em três papéis chave. Como a mãe de Henry, Fran, Hateley exala uma determinação de 'mãe tigre' de nunca desistir. Ela carrega o peso emocional de muitas das cenas iniciais e é seu quase colapso nos estágios posteriores que revela plenamente o impacto na família. Parris interpreta a cirurgiã de atitude prática Dr. Graham e demonstra uma rara capacidade vocal em uma série de números de ritmo acelerado, ‘Obra de Coração’ e ‘Uma Vida’, que fornecem um contraste emocional à pungência do drama principal. Amy Trigg é um furacão de tempo e energia em uma cadeira de rodas, cuja interpretação de uma fisioterapeuta baseada em amor duro fornece alguns dos momentos mais emocionantes e puramente engraçados da noite.

Foto: Pamela Raith

Nem toda a música é memorável de forma alguma, mas todas as canções impulsionam a ação adiante ou adicionam profundidade extra ao personagem ou aos eventos significativos. O compositor Nick Butcher e o letrista Tim Ling fornecem nove músicas em cada metade e as melhores são aquelas que começam no realismo e depois se desenvolvem em fantasias elaboradas ou aquelas que mergulham fundo nas emoções do personagem em foco. Elas abrangem um amplo espectro de gêneros musicais e o diretor Luke Sheppard e sua equipe combinam meticulosamente alguns efeitos especiais cativantes, enquanto astutamente guardam surpresas para as cenas finais.

Foto: Pamela Raith

A importância da arte e dos efeitos pictóricos na vida e recuperação de Henry significa que – corretamente – o aspecto visual deste espetáculo é absolutamente central para seu sucesso. O palco em si é relativamente vazio, com espaço para os móveis para ambientes domésticos e hospitalares serem movidos e um retângulo central que se eleva para se tornar uma plataforma separada. Mas sobre esta superfície plana são projetados uma série de vídeos de Luke Halls que fornecem momentos super saturados de cor para encaixar certo humor ou energia no drama. É como se de repente você fosse levado para dentro da moldura de uma tela de Rothko ou Hodgkin, sentindo a paixão e poder da cor pura através dos olhos de Henry. Esses tableaus preparam você para um momento mágico no qual todas as pinturas de Henry descem dos aros como o símbolo de seu renascimento.

Espero que um elemento forneça um senso de como cada aspecto desta produção foi cuidadosamente intercalado com a jornada psicológica das memórias; para que ao final você realmente compreenda como Henry pôde valorizar sua nova vida independentemente do que deixou para trás e como reaprender a apreciar as 'pequenas coisas' na vida através do olhar de um artista acaba sendo a maior lição de todas.

Por permanecer fiel ao espírito de um livro e vida notáveis e não seguir as rotas emocionais óbvias, este musical consegue ser uma experiência jubilosa e um comentário reflexivo e edificante sobre o que a deficiência pode possibilitar tanto quanto o que ela tira.

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