CRÍTICA: A Casa de Bernarda Alba, National Theatre ✭✭✭✭

Paul T Davies analisa The House Of Bernarda Alba de Lorca no National Theatre.

Harriet Walter. Foto: Marc Brenner The House of Bernarda Alba. National Theatre.

28 de novembro de 2023

4 Estrelas

Começando no dia do funeral de seu marido, Bernarda Alba anuncia oito anos de luto, e se enclausura junto com suas cinco filhas na sufocante casa. Última obra-prima de Lorca, encenada apenas semanas antes de sua morte por fuzilamento, Bernarda é vista como uma metáfora do fascismo espanhol e da guerra civil de 1936. O cenário de Merle Hensel literalmente cria uma prisão, dividida em três níveis, onde cada quarto é efetivamente uma cela, e pouco é escondido, parece uma mistura de Lorca e Prisoner Cell Block H. Para mim, essa é a maior fraqueza desta produção. A diretora do momento, Rebecca Frecknall, (Cabaret, Um Bonde Chamado Desejo), joga literalmente uma luz fluorescente sobre coisas e emoções que normalmente estão escondidas, sugeridas e subtis. Normalmente, nenhum homem é visto, e os moradores locais estão todos fora de cena. Aqui, Frecknall traz o garanhão local Pepe El Romano, (noivo da irmã mais velha Angustias, um arranjo financeiro já que ela herdou o dinheiro do pai, mas ele está dormindo com a irmã mais nova Adela), para o palco desde o início, dançando como o garanhão sedento no Ato Três. Ele, e os aldeões buscando vingança contra a pobre jovem que matou seu filho ilegítimo, estão inseridos ao longo da produção, e parece desnecessário. A peça começa a nos dizer como devemos nos sentir, em vez de nos mostrar como os personagens estão se sentindo.

The House of Bernarda Alba. Foto: Marc Brenner

Para mim, isso cria uma cisão na produção, pois, enquanto os artifícios da diretora chamam a atenção, o elenco é magnífico. O tema e a opressão são horrivelmente relevantes, e liderando o grupo está uma performance magnífica de Harriet Walter como Bernarda. Muitas vezes, o perigo é que Bernarda pode ser apresentada como uma tirana pura, unidimensional em sua crueldade. Não aqui. A vantagem da casa aberta é que vemos sua angústia privada, enquanto não está diante de suas filhas e criados, e vemos as pressões que ela autoimpôs, além das pressões sociais. Sua primeira e última palavra dita na peça é “Silêncio”, e ela faz algo com esse silêncio final que eu nunca vi uma atriz fazer antes. É de partir o coração e um dos momentos teatrais do ano. Ela é igualada por Poncia soberba de Thusitha Jayasundero, uma empregada sofredora e de longa data, a mãe substituta das meninas, encantando-as com seus contos picantes de seu marido, vendo a tragédia se desenrolar, embora Bernarda esteja cega para isso. Eileen Nicholson chega quase a roubar a cena como a mãe de Bernarda, Maria Josef, afetada pela demência, o membro mais livre da casa, dizendo verdades sobre as filhas enquanto lamenta a perda de seu filho e a falta de homens na casa. As filhas são uniformemente excelentes, a panela de pressão da situação tornando-as carcereiras umas das outras, e eu teria ficado igualmente envolvido se elas tivessem se apresentado em um palco vazio.

Foto: Marc Brenner

A versão de Alice Birch, possivelmente após seu trabalho com Clean Break, salpica o roteiro com a palavra F, e soa muito incongruente saindo da boca dessas mulheres reprimidas dos anos 1930, embora sublinhe a uniformidade da situação delas. Para mim, isso realça a dicotomia no coração da produção. Indiscutivelmente inventiva, a atuação é tão poderosa que a produção muitas vezes desvia a atenção do conjunto.