CRÍTICA: A Casa de Bernarda Alba, National Theatre ✭✭✭✭

Paul T Davies analisa A Casa de Bernarda Alba, de Lorca, no National Theatre.

Harriet Walter. Foto: Marc Brenner A Casa de Bernarda Alba. National Theatre.

28 de novembro de 2023

4 estrelas

Começando no dia do funeral do marido, Bernarda Alba anuncia oito anos de luto e encerra-se, com as suas cinco filhas, na casa abafada onde vivem. Última obra-prima de Lorca — encenada poucas semanas antes de ele ser fuzilado —, Bernarda é frequentemente vista como uma metáfora do fascismo espanhol e da guerra civil de 1936. A cenografia de Merle Hensel cria literalmente uma prisão, distribuída por três níveis, em que cada divisão funciona, na prática, como uma cela, e pouco fica escondido; parece um cruzamento entre Lorca e Prisoner: Cell Block H. Para mim, esta é a maior fragilidade desta produção. A encenadora do momento, Rebecca Frecknall (Cabaret, A Streetcar Named Desire), lança — de forma bem literal — uma luz fluorescente sobre coisas e emoções que normalmente permanecem ocultas, apenas sugeridas, subtis. Habitualmente, não se vêem homens e os habitantes da aldeia ficam sempre fora de cena. Aqui, Frecknall traz para o palco o garanhão local Pepe el Romano (noivo da irmã mais velha, Angustias, num arranjo financeiro — ela herdou o dinheiro do pai —, mas que todas as noites anda a dormir com a irmã mais nova, Adela), logo desde o início, a dançar como o cavalo fogoso do terceiro acto. Ele — e os aldeões que procuram vingar-se da pobre rapariga que matou o filho ilegítimo — atravessam toda a encenação, e isso parece-me desnecessário. A peça começa a dizer-nos como devemos sentir, em vez de nos mostrar o que as personagens estão a sentir.

A Casa de Bernarda Alba. Foto: Marc Brenner

Para mim, isto cria uma fratura no espectáculo: enquanto os artifícios da encenação puxam o foco, o elenco é soberbo. O tema e a opressão são terrivelmente актуais, e a liderar o grupo está uma interpretação magnífica de Harriet Walter como Bernarda. Muitas vezes, o risco é Bernarda ser apresentada como uma tirana pura, unidimensional na crueldade. Aqui não. A vantagem da casa “aberta” é que vemos a sua angústia privada quando não está diante das filhas e das criadas, e percebemos tanto as pressões que ela própria se impõe como as pressões sociais. A primeira — e a última — palavra que pronuncia na peça é “Silêncio”, e ela faz algo com esse silêncio final que nunca vi um actor fazer antes. É dilacerante e um dos grandes momentos teatrais do ano. À altura está a soberba Poncia de Thusitha Jayasundero, criada de longa data, sofrida e dedicada, mãe substituta das raparigas, que as entretém com histórias atrevidas sobre o marido, pressentindo a tragédia a desenrolar-se enquanto Bernarda permanece cega. Eileen Nicholson está quase a roubar a cena como Maria Josefa, a mãe de Bernarda afectada pela demência, o membro mais livre da casa, dizendo verdades sobre as filhas enquanto lamenta a perda do filho e a ausência de homens naquele lar. As filhas são, sem excepção, excelentes; a situação, em modo panela de pressão, transforma-as nas guardas umas das outras — e eu teria ficado igualmente preso ao que acontecia mesmo que tivessem actuado num palco nu.

Foto: Marc Brenner

A versão de Alice Birch — possivelmente influenciada pelo seu trabalho com a Clean Break — salpica o texto com o palavrão com F, e isso soa bastante incongruente na boca destas mulheres reprimidas dos anos 30, embora sublinhe a uniformidade da sua condição. Para mim, isso intensifica a dicotomia no coração da produção. Inquestionavelmente inventiva, a interpretação é tão poderosa que, muitas vezes, o espectáculo acaba por desviar o foco do conjunto.