CRÍTICA: The Hard Problem, Teatro Dorfman ✭✭

The Hard Problem

O Teatro Dorfman

9 de fevereiro de 2015

2 Estrelas

Tom Stoppard. Duas palavras que fazem o coração disparar de antecipação. Duas palavras que evocam um portfólio de obras teatrais gloriosas, deslumbrantes, inteligentes e inspiradoras - muitas vezes muito engraçadas - desde Rosencrantz And Guildenstern Are Dead, seu primeiro grande sucesso, até Rock'n'Roll, seu último trabalho para o teatro, que estreou no Royal Court em 2006 e depois foi transferido para o West End e a Broadway. Duas palavras que foram associadas ao anúncio do último ato de Nicholas Hytner no National Theatre, prometendo o evento teatral de 2015; mais uma exploração brilhante de ideias, outro exame de questões científicas ou filosóficas, mais um texto repleto de alusões literárias e personagens calorosos e reais.

Essa peça é The Hard Problem, agora em cartaz no Teatro Dorfman, com a primeira parte da temporada praticamente esgotada. No cerne desta peça está a questão: se não há nada no Universo além de matéria, como explicar o conceito de consciência? Explorando questões de mente e corpo (são um só ou separados?), altruísmo e egoísmo, a existência de Deus, o conceito de 'bom', como funcionam os fundos de hedge (sim, realmente) e o poder da coincidência, a peça de Stoppard acompanha as tribulações de Hilary, uma pesquisadora de psicologia. Embora isso soe como um trabalho típico de Tom Stoppard, The Hard Problem é único em um aspecto notável.

É incrivelmente enfadonho.

O real problema desta produção de The Hard Problem é: qual criativo tem a maior culpa - o escritor ou o diretor?

Dizer que a produção é decepcionante é elogiá-la. Em parte, isso se deve ao fato de estar no teatro errado. O Dorfman é um espaço de grande intimidade, e embora esta seja, essencialmente, a história das lutas pessoais, privadas e profissionais de uma mulher, as ideias que a sustentam não são íntimas - são universais, tanto em tema quanto em escopo. Portanto, usar o espaço do Dorfman parece um truque; uma tentativa de criar interesse na situação e nos personagens pelo uso de um espaço de apresentação menor. Uma tentativa que falha.

Isso tem outra consequência também. A peça ocorre em vários lugares distintos. Embora o design de Bob Crowley encontre uma maneira de acomodar todos, só pode fazê-lo com base em mudanças de cena trabalhosas e aparentemente intermináveis, acompanhadas por trechos de música clássica. Um palco maior poderia ter permitido transições instantâneas para cenários mais detalhados e evitado a necessidade das interrupções chocantes necessárias aqui apenas para que a equipe pudesse organizar e reestruturar o mobiliário.

A peça central do design de Crowley é uma escultura de luz fluorescente suspensa do teto, aproximadamente no formato de um cérebro humano, que acende de diferentes maneiras e em diferentes cores, às vezes cores que mudam. É muito impressionante e fornece um lembrete constante de um dos tópicos da peça: a noção das relações entre mente e cérebro e mente e corpo: em ambos os casos, "São a mesma coisa?"

Assim, o texto é complexo e denso, cheio de ideias; a mecânica da apresentação da peça não ajuda especialmente o público a se empatizar com o texto. Então, para que a produção decole, o elenco precisa ser excepcional.

Infelizmente, não é.

A melhor atuação vem de Damien Molony como Spike, o esnobe intelectual que não tem tempo para nenhuma ideia que não esteja de acordo com seu próprio modo de pensar e que é o amante ocasional do personagem central, Hilary. O verdadeiro nome de Spike é Spencer e o fato de ele se chamar Spike é bastante revelador. Ele se acha um garanhão (de fato, ele pensa que qualquer mulher ficaria feliz em fazer sexo com ele, até mesmo uma lésbica em um relacionamento feliz) e aparece em várias etapas de um despido improvável. Molony é excelente ao ser o bad boy, e ele também captura perfeitamente o lado cínico de um acadêmico/pensador que despreza aqueles com quem discorda, mas com quem não está acima de ter relações. Ele incorpora a noção de Egoísmo.

O sempre confiável Anthony Calf faz um trabalho fácil do riquíssimo Jerry, cuja mente trabalha a cem milhas por hora e que mantém suas opções abertas sobre qualquer teoria filosófica ou noção de ciência comportamental que escolhe se interessar. Seu interesse vem do efeito que a ciência tem sobre seus esquemas financeiros de fundos de hedge e Calf se destaca em mostrar a mente quase monotemática de Jerry voltada para ganhar dinheiro. Ele mostra lampejos de altruísmo, mas é essencialmente outro Egoísta supremo.

Há um terceiro Egoísta comprometido: o arrogante Amal, cujo senso de superioridade é do tamanho do Grand Canyon até que Jerry efetivamente o coloque de castigo por dois anos. Parth Thakerar dá vida a Amal com agilidade. No início da peça, ele compartilha opiniões e uma visão que reflete as de Spike, mas após o tempo no castigo de Jerry, ele pode estar reconsiderando suas visões, como este discurso indica:

“Eu não negocio. Eu não faço propostas. Eu trabalho nos modelos de computador que supostamente gerenciam riscos. Enquanto o mercado se autocorrige, os modelos parecem estar funcionando. Em teoria, o mercado é um fluxo de atos racionais por pessoas que agem por interesse próprio; então o risco deveria ser computável, e os modelos podem ser provados matematicamente para falhar uma vez na vida do universo. Mas de tempos em tempos, o comportamento do mercado torna-se irracional, como se tivesse enlouquecido ou se apaixonado. Não é computável. São apenas computadores que computam. Então, estou pensando sobre isso.”

Dado que quando a peça começa, Amal pensa que computadores podem fazer qualquer coisa – e mais – do que um cérebro, isso é uma mudança de posição considerável. Thakerar mostra a jornada de Amal de um ponto de vista acadêmico rigidamente certo, passando por uma humilhação pessoal, a um pensador flexível e adaptável. Dos três egoístas centrais, Amal, de maneira um tanto incrível, acaba sendo o mais caloroso. É um crédito para Thakerar que ele tenha conseguido realizar isso.

Há uma série de outros papéis com variados graus de importância: o chefe de departamento safado interpretado por Jonathan Coy, Leo, que não aceita a visão de Ciência de Spike/Amal; Bo, de Vera Chok, tão desesperada por agradar que faz coisas ruins, cujo papel no enredo é totalmente inacreditável; e o improvável casal lésbico de Julia, de Rosie Hilal, e Ursula, de Lucy Robinson. Suspeita-se que esses personagens estão presentes para mais do que apenas pontos de enredo; eles parecem estar ali para que o público possa se identificar e se importar ou se relacionar com eles. Mas a atuação não tem esse resultado.

Na verdade, nenhum desses personagens é suficientemente simpático para fazer alguém se importar com o que acontece. Alguns deles têm enredos ridículos/óbvios que são, na melhor das hipóteses, banais e, na pior, risíveis. Pior de tudo, a maneira como esses personagens interagem com Hilary a diminui como personagem. Ela é a representação do Altruísmo – precisa de toda a ajuda que puder para navegar na piscina de tubarões científicos na qual nada. Mas a forma como o enredo se desenrola não lhe dá nenhuma; em vez disso, ela é feita para parecer fundamentalmente falha por, pelo menos, Leo, Jerry e Bo.

A peça não pode funcionar sem que o personagem de Hilary seja o resultado de uma atuação transcendente. Muito é exigido do ator que interpreta Hilary - diálogos difíceis, situações difíceis e emoções difíceis - e ela tem que enfrentar desenvolvimentos de enredo improváveis e um abismo de sentimentalismo previsível quando as cartas caem no lugar (o que, a menos que você esteja dormindo, acontece logo no início da peça). É uma tarefa monumental interpretar Hilary em The Hard Problem.

Olivia Vinall consegue a tarefa, mas realmente apenas por pouco. Hilary exige um poder interior, uma incandescência de espírito e uma destreza vocal que Vinall não possui. Ela não é uma Emma Fielding ou Carey Mulligan – para citar apenas duas atrizes que poderiam ter feito justiça a esse papel. Vinall trabalha duro e não se pode criticar seu comprometimento com a tarefa em mãos, mas ela não está à altura do grande desafio que Stoppard impôs e não é, de nenhuma maneira, auxiliada pela encenação de Hytner ou pelo restante do elenco.

No final, porém, a maior parte da responsabilidade recai sobre Stoppard. The Hard Problem simplesmente não se conecta bem o suficiente como uma peça de teatro. Não há enredo e personagens suficientes, não há calor suficiente para tornar o jogo de tênis dos princípios científicos, teorias e enigmas interessante de assistir. Ao contrário de Arcadia, não há surpresas, personagens encantadores, nem interações pessoais intrigantes. Em vez disso, The Hard Problem é povoado por pessoas desagradáveis e pouco simpáticas que cospem jargões científicos difíceis em um mar de banalidade sentimental e previsível. Há algumas boas piadas, mas algumas são insuficientes. As notas detalhadas no programa forneceram mais interesse dramático do que cerca de 100 minutos de tempo de palco. No final da peça, sentiu-se como a Esposa do Padeiro após seu encontro com o Príncipe de Cinderela no segundo ato de Into The Woods: para citar, "É só isso?"