RESENHA: The Gin Game, Teatro Golden ✭✭✭

The Gin Game

Golden Theatre, Broadway

15 de outubro de 2015

3 Estrelas

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Ela é frágil, ágil, inteligente. Ela pode estar doente, mas há um vívido senso de vida em cada fibra dela. Ela pode ter 90 anos, mas o tempo não a dispensou. Tem um sorriso rápido, uma língua afiada, olhos penetrantes - não parece que deixa passar muito. Mas ela é inegavelmente velha. E parece muito sozinha.

Ele é um bruto de um homem, ou melhor, os restos de um homem. Ele também parece muito velho, embora não tão velho quanto ela. Ele é muito mais alto, mais largo, mais forte, um grande urso de um homem. Seus olhos são brilhantes, mas não tanto quanto os dela; ele se move mais devagar, mas há um claro senso de que ele poderia se mover rapidamente se quisesse. Seu temperamento é explosivo, algo demonstrado muito cedo.

Ele a encoraja, a coage a jogar Gin Rummy com ele. Ele quer vencer; ela sempre vence, quer conheça as regras, o jogo ou o caminho mais seguro ou não. Quando ele vira a mesa de cartas em fúria incontrolável por causa de sua proeza com as cartas, você não pode deixar de temer pela segurança dela. Ele poderia facilmente quebrar seu pescoço em uma ira temível.

Meus colegas de plateia, no entanto, acharam engraçado.

Esta é a revivificação de The Gin Game, a peça vencedora do Prêmio Pulitzer de D.L. Coburn, dirigida por Leonard Foglia e agora em exibição no Golden Theatre da Broadway. Quando foi produzida pela primeira vez na Broadway, em 1977, estrelou o duo marido e esposa, Jessica Tandy e Hume Cronyn. Não ganhou um Tony Award de Melhor Peça, mas Tandy recebeu o prêmio de Melhor Atriz. Como ganhou um Prêmio Pulitzer é um mistério, pois é uma peça de escrita leve e descomplicada, a primeira peça de Coburn para o teatro.

O segredo, suspeita-se, está na química dos dois atores. Com Tandy e Cronyn, vinha embutido: esta é uma peça sobre estranhos descobrindo suas semelhanças, seus pontos de fusão, testando os limites um do outro. Para Tandy e Cronyn, deve ter sido como respirar, como o filme de sua performance sugere. Outras produções dependeram de química semelhante: Mary Tyler Moore e Dick Van Dyke; Julie Harris e Charles Durning. A química entre os dois velhos combatentes é realmente a chave.

E não há como negar que Cicely Tyson e James Earl Jones têm química, do tipo que um marido brutamontes e sua esposa longamente sofrida têm. É assustador, temível, emocionalmente carregado e totalmente crível: milhares de mulheres ao redor do mundo, Ocidente e Oriente, conhecem bem esse tipo de relacionamento.

Simplesmente não é engraçado. Pelo menos, não engraçado na minha opinião. Os membros do público ao meu redor gargalhavam incansavelmente, mesmo quando as lágrimas se formavam tragicamente nos olhos de Tyson, mesmo quando Jones estava ele mesmo horrorizado com o que havia feito, mas continuava a fazê-lo. O que, no entanto, é engraçado sobre um homem violentamente agredindo uma mulher, com palavras, intenções, pensamentos e ações, especialmente quando ele sabe que a deixa assustada?

As performances me pareceram serem bem julgadas, talvez indo para um lugar onde produções anteriores não foram. Há uma crueza, uma borda machucante na exasperação de Jones que está imersa na violência doméstica de homem contra mulher. Não há nada de errado com isso, é uma leitura que funciona perfeitamente. Apenas não resulta em uma noite agradável de risadas fofas no teatro.

Este é o grande problema aqui. Esses atores amados são amados pelo que são, pelo que fizeram antes, em vez do que fazem aqui. Em típica e obsequiosa elegância da Broadway, eles são aplaudidos na entrada, antes de terem feito algo para merecer aplausos. Este senso de "eles são estrelas" permeia a ação, tranquiliza ou permite que o público acredite que a peça será divertida. Ou talvez o público simplesmente espere isso e insista nisso como sua reação.

Para mim, no entanto, isso é incompreensível.

Ambos os atores aqui estão fazendo algo bem diferente de uma comédia de sala de estar. Eles estão tentando fazer um ponto e, bravamente, um que se estende além da comunidade caucasiana. Maus tratos contra mulheres estão em toda parte e devem ser interrompidos — é isso que esta versão de The Gin Game grita. É só que ninguém parece estar ouvindo.

Tyson é particularmente eficaz. Ela está maravilhosamente viva e ágil como Fonsia, a residente do lar de idosos que ainda quer viver e que, acima de tudo, quer companhia. Ela praticamente implora que Jones a adote como sua companheira, e suas "rebeliões" contra o mau comportamento dele têm todos os traços de uma esposa leal e maltratada. A cena em que dançam juntos é tragicamente dolorosa — mostra o que poderiam ter, se apenas ambos, não apenas Jones, mas ambos, deixassem acontecer.

Porque Fonsia de Tyson insiste em ser a mais esperta. Justo, já que claramente é. Mas sua persistência nisso tem consequências para ela; a raiva e o desapontamento de Jones e, possivelmente no final, rejeição absoluta. Este é o resultado certo para ela? Deixar ele vencer de vez em quando — chamado de compromisso na terapia de casais, eu acredito — permitiria uma coexistência mais feliz?

É melhor para Fonsia afirmar sua astúcia intelectual sobre o Weller de Jones sempre? Enquanto mergulham nas vidas e fraquezas um do outro enquanto jogam Gin Rummy, é necessário para ela esfregar o nariz dele em sua inteligência? Deve importar tanto para ele que ela o faça? Ela deve perdoar sua agressão física violenta e tempestuosa ou fazer o que puder para garantir que essa agressão nunca se consolide?

Estas são questões que estão no coração do grande drama. The Gin Game pode não estar na liga dos grandes dramaturgos modernos, mas esta produção lhe dá uma chance de atingir esse nível. Tyson entende isso; não está claro se Jones entende, ou poderia.

Sem dúvida, Jones tem uma das grandes vozes teatrais. Seus sons profundos, do fundo do oceano, são realmente extraordinários, e quando ele dedica tempo para permitir que sua voz suavize e brilhe, ele é verdadeiramente notável de se ouvir em qualquer palco. Há um rigor sonoro que é sedutor. Mas, igualmente, ele não consegue se desligar do brilho e imagem de Darth Vader (e por que ele faria!) então, a menos que trabalhe muito nisso, a sensação de perigo é uma constante.

Então, nesta produção, Jones se torna o Stanley Kowalski do lar de idosos, capaz de violência real mas não necessariamente violência intencional. Ele se alimenta da Fonsia de Tyson, tipo coelho, com verdadeira habilidade - ambos deixam claro o caçador e o caçado. O problema é que o texto realmente vê Fonsia como a caçadora...

Sendo atores, eles seguem o público. Risos vêm. E assim as performances são ajustadas para conseguir mais risos. É compreensível.

Mas, também é simplesmente errado. Com este elenco, não é uma comédia. É um drama marcante e maravilhoso sobre as batalhas dos sexos e como essas batalhas não diminuem com o passar do tempo. Anthony e Cleopatra podem ser encontrados em lares de idosos, jogando Gin Rummy e testando e provocando um ao outro. A idade não diminui traços embutidos reforçados pela sociedade.

Foglia deve levar a responsabilidade aí. Se isso foi para ser uma chance de reimaginar esta peça para um novo público, para novos tempos, com combatentes centrais completamente diferentes, falha. Poderia ter sido uma exploração ardente e incisiva da disfunção sexual e social - e com este elenco, poderia ter sido. Tyson definitivamente poderia fazer isso; Jones, provavelmente, com a visão certa do diretor.

Em vez disso, a peça busca o terreno médio, onde a violência contra as mulheres é engraçada e o público acha que é. Tomar o caminho menos percorrido, como Robert Frost sabia muito bem, teria feito toda a diferença.

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