CRÍTICA: The Crucible, Old Vic Theatre ✭✭✭✭✭

O Crucible no The Old Vic. Foto: Tristram Kenton O Crucible

Teatro Old Vic

30 de junho de 2014

5 Estrelas

O auditório está repleto de fumaça ardente. Você pode sentir o cheiro do feno queimado e o traço persistente de cinzas a cada respiração. O palco está vazio, embora espalhado com cadeiras antigas e gastas e com um monte de botas de fazenda descartadas ominosamente no centro do palco, como uma pira ou talvez um memorial.

Está escuro, quase como em Sexta-feira 13, e uma sensação palpável de medo é inevitável. Fragmentos de luz rompem a escuridão em intervalos irregulares. Flocos de cinzas descem esporadicamente do teto. Sendo teatro em arena, o desconforto e a inquietação dos outros espectadores são cristalinos - e surpreendentes. Mais do que qualquer outra coisa, ao olhar para as cortinas e painéis cinza que se estendem até o auditório e serpenteiam ao seu redor, você tem a consciência de estar em um julgamento.

E assim, antes mesmo que a primeira linha seja falada, o glorioso revival de Yaël Farber da obra-prima de Arthur Miller (bem, uma delas), O Crucible, agora em pré-estreia no The Old Vic, começa como pretende continuar: com uma precisão arrepiante e desconcertante.

O Crucible é uma peça longa (aqui começa às 19:30 e termina por volta das 23:15 com um intervalo de 20 minutos) e em mãos erradas pode ser realmente terrível: melodramático absurdo nas piores produções.

Mas Farber não comete erros na escolha do elenco, no design, no ritmo, no tom ou na intensidade, resultando em uma peça que pulsa com vitalidade, é tanto visceral quanto sensual e, mesmo que você conheça a trama, se desenrola como o thriller psicológico assustador que é.

Ela adota um estilo temático para criar e mudar cenas que funciona espetacularmente bem. Figuras silenciosas e sombrias, todas vestidas em tons de marrom ou preto ou branco sujo - não há nada colorido nesse mundo - movem-se quase de forma balética, estabelecendo a gravidade e criando a impressão de uma dança da morte enquanto mesas, cadeiras, bancos, bacias de água e assim por diante são dispostos. Nada disso acontece rapidamente; é quase insuportavelmente fúnebre, mas cria e sustenta o clima de forma triunfante.

A imagem inicial de Tituba cantando ambiguamente sobre um monte de calçados descartados é poderosa - e configura o espaço do palco como um cadinho onde estranhas ações serão realizadas. Ferve, borbulha, trabalho e encrenca: essa é a motivação subjacente aqui. À medida que o segundo ato começa, o progresso silencioso de uma única mulher segurando um pedaço de corda que se arrasta atrás dela fala mais eloquentemente sobre as mortes que ocorreram desde que o primeiro ato terminou do que qualquer passagem de diálogo ou representação real de enforcamento poderia. É ao mesmo tempo radiante e apavorante.

O cenário de Soutra Gilmour é magnificamente adaptável; casa de fazenda, quarto, igreja, tribunal, masmorra. Torna-se o que precisa ser sem esforço, mas com uma facilidade e fluidez que enfatizam o período no qual a peça se passa e as incertezas conflitantes das vidas dos personagens. A iluminação dolorosamente evocativa e assombrosa de Tim Lutkin aprofunda a eficácia do cenário e, junto com a música impressionante, assustadora e frágil de Richard Hammarton, cria o cenário perfeito para o embate entre o bem e o mal, interesse próprio e pressão dos pares, vingança e condescendência teimosa.

O elenco está impecável. Há 24 atores na companhia; cada um é impecável.

Esta peça pode cair em risadas de desdém se as jovens que compõem o grupo de Abigail não forem convincentes, especialmente na cena chave onde todas podem, ou não, compartilhar uma visão gestalt que arranca da noção de verdade a aluna quebrada Mary Warren, de Natalie Gavin, selando o destino de John Proctor e Rebecca Nurse.

Mas não houve problemas aqui. Uniformemente, as jovens eram excepcionais, seus gritos guturais, demoníacos e penetrantes e suas erupções corporais são assustadoramente bem feitos. Causam arrepios e são incrivelmente críveis. Samantha Colley é uma Abigail sensual, provocadora e, por fim, vil e cruel. Nunca vi uma melhor. Ela é a definição viva de uma mulher desdenhada.

William Gaunt está verdadeiramente maravilhoso como o enérgico e surpreso Giles Corey e o calor e profundidade que ele traz ao personagem garantem que a descrição de seu massacre seja dolorosa de suportar. Ann Firbank é igualmente maravilhosa como a serena e resignada Rebecca Nurse; ela despedaça a alma de qualquer um com seu comentário casual sobre não ter sido oferecido café da manhã enquanto é levada à execução. Ela observa tudo o que acontece e sua quietude e expressão beatífica são um contraponto soberbo aos histrionismos dos membros mais justos da comunidade.

Jack Ellis incendeia e explora com um zelo religioso venenoso como o pretensioso e repugnante Danforth, um homem tão seguro da bruxaria que ignora todo senso para erradicá-la. É um papel maravilhoso e Ellis o desempenha em sua totalidade. A precisão de sua linguagem e entrega é deliciosa e, nos raros momentos em que a incerteza lampeja em suas feições, as camadas de complexidade política inerentes ao seu personagem são habilmente desenhadas.

Adrian Schiller torna cada momento importante para o Reverendo Hale. Da estatura de Hale, é ele quem tem a maior jornada, movendo-se da hesitação para a convicção e de volta novamente - e o fardo é claramente mostrado por Schiller. Outra performance cheia de alegria sutil.

Não listarei todos, mas cada membro do elenco dá sua contribuição, deixam sua marca - de Harry Attwell como o asqueroso e zombeteiro Putnam a Neil Salvage como o aflito e desolado Francis Nurse. Christopher Godwin é a pretensão personificada como Hathorne.

Mas o núcleo da peça, seu coração e fibra sinewy fica com John e Elizabeth Proctor. E aqui, ambos os atores trazem uma intensidade forte, profunda e compartilhada em suas atuações.

Anna Madeley é perfeita como Elizabeth, seu senso de esposa e mãe é profundo e tudo consome. Ela carrega a tristeza do que sucedeu entre John e Abigail antes do começo da peça com um dever estoico - há um momento maravilhoso quando ela serve água para a lavagem pré-jantar de John e onde o tempo gasto e o desinteresse empregado na tarefa falam volumes de suas vidas simples e da ligeira distância que atualmente separa o casal.

O maior momento da peça ocorre quando Danforth interroga Elizabeth sobre se seu marido foi ou não adúltero. Não querendo envergonhar seu marido, Elizabeth inesperadamente e de forma pouco característica mente, dizendo que ele não foi adúltero com Abigail, sem saber que John confessou e que sua mentira o condenará. Madeley interpreta essa cena de forma notável, dilacerada pela dor e medo, não querendo mentir, mas querendo salvar seu homem. Mesmo sabendo o que acontecerá, a tensão que Madeley produz aqui permanece inabalável. E a explosão de paixão e medo que se segue, seguida pela aceitação tranquila final da necessidade de homens honestos morrerem em vez de serem coagidos a falsos testemunhos - é tudo feito com maestria. Magistral. Discreto. Profundamente comovente.

Então há Richard Armitage como John Proctor.

Há muitas maneiras de abordar esse personagem: atormentado, desafiador, intelectual, selvagem, não compreendendo - todas são escolhas legítimas, dependendo da produção. Armitage o interpreta como um simples fazendeiro, que trabalha infindavelmente para sustentar sua família, que considera sua fé importante, mas não mais importante do que as vidas de sua esposa, filhos e amigos. Um homem que traiu seu próprio eu por prazer carnal com Abigail e, assim, quebrou Elizabeth; um homem que nunca se perdoará.

Armitage é pura músculo e fúria, mas há momentos de grande e sincera ternura, e ele maneja as partes líricas da peça com grande beleza. Ele grita muito - mas não é mal colocado ou em excesso; essa é mais uma resposta do urso simples que seu Proctor é, encurralado, preso e maltratado. Um John Proctor hipnotizante e único. Ele é melhor ao lidar com o desprezo pugnaz de Danforth e a duplicidade do Reverendo Parris (um adorável Michael Thomas), mas não há como negar o sentimento genuíno, a total compreensão que ele traz para suas cenas de arrependimento e perda com Elizabeth de Madeley.

Na verdade, este é o grande feito da produção de Farber. É cristalina na narração da história, implacável na entrega dos detalhes e romântica e sensual em seu sentimento geral.

Uma representação brilhante, sublime e terrivelmente eficaz da maravilhosa peça de Miller.

Imperdível.