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CRÍTICA: O Palhaço dos Palhaços, Teatro Arcola ✭✭✭✭✭
Publicado em
25 de agosto de 2015
Por
timhochstrasser
O Palhaço dos Palhaços
Arcola Studio 2
08/04/15
5 Estrelas
Duplas sessões podem frequentemente ser problemáticas. Raramente formam uma combinação harmoniosa: uma pode parecer simplesmente ser um complemento para a outra, um acréscimo para prolongar a noite; ou os temas e assuntos abordados puxam em direções diferentes e confusas; ou um contraste excessivamente agudo entre comédia e tragédia deixa um gosto insatisfatório como demasiados drinques misturados em um casamento. É uma das grandes realizações de O Palhaço dos Palhaços que as duas metades da noite estão perfeitamente integradas e oferecem muitos pontos de contato e insights iluminadores entre as duas. A primeira metade é dedicada a uma performance de Pierrot Lunaire de Schoenberg, uma obra para soprano e grupo de câmara que ainda consegue surpreender e confrontar o público mais de um século após sua estreia. Vale a pena parar um momento para considerar cuidadosamente quais são os desafios. Muito se fala da atonalidade das configurações e do uso de Sprechgesang (ritmo e tom são definidos mas simplesmente não sustentados), mas de fato estes são os menores problemas. Você pode se acostumar com o mundo sonoro após alguma exposição a ele, especialmente porque o uso de dispositivos formais tradicionais na escrita (cânone, fuga, formas de dança etc.) ajuda a torná-lo legível. Mais difícil de entender são os textos inicialmente desconcertantes - 21 poemas simbolistas - e o gênero predominante – melodrama – que agora é um território perdido e alienígena para nós. Embora a figura de Pierrot, o palhaço melancólico, seja uma imagem familiar, a poesia francesa (de Albert Giraud e traduzida para o alemão por Otto Hartleben) nos mergulha em um mundo de associações sombrias e até ameaçadoras que são, ao mesmo tempo, frustrantemente abstratas.
Não há narrativa especificada, apenas uma série de sugestões envolvendo a exploração das consequências destrutivas da busca desinibida do desejo rumo à depravação. A imagem associada ao apelo sensual da bebida, dança, música, joias, perfume e roupas finas é explorada, juntamente com uma gama de significados simbólicos associados à lua, doença, noite, religião – é claro - morte. Há um tom predominante de nostalgia e arrependimento pelo amor, felicidade e pátria perdidos. Embora parte disso transpareça nas traduções paralelas e textos fornecidos no programa, o que agora perdemos totalmente é a forma como esta obra é pensada tanto como uma celebração quanto uma subversão do gênero popular do melodrama – texto falado com acompanhamento instrumental. Conhecemos o melodrama, se é que sabemos algo sobre ele, como um precursor importante da música de cinema; mas o que Schoenberg está fazendo aqui é pegar um gênero cansado e complacente da autocomemoração burguesa e remodelá-lo como um veículo ousado para o Expressionismo Alemão.
Assim, qualquer tentativa de reinterpretar esta obra necessita recuperar um sentido de direção e risco nos atos de comunicação emocional que estão em seu núcleo, e aqui a concepção do Diretor Artístico, Leo Geyer, e do Diretor, Joel Fisher, funciona extremamente bem. Os cinco instrumentistas estão posicionados na parte de trás do espaço de apresentação, e para cada um dos 21 números há uma série paralela de interações baléticas no palco. Estas são entre a cantora, Emma Stannard, vestida no estilo contemporâneo como se tivesse acabado de sair de uma pintura de Klimt, e Pierrot (Matt Petty), vestindo um macacão branco, ou entre Petty e os outros dois personagens principais com os quais Pierrot está associado na tradição da commedia dell’arte – Columbine (Amelia O’Hara) e Cassander (Peter Moir), ou apenas Pierrot sozinho. Cada um destes movimentos é focado não na definição narrativa, mas sim na definição da emoção que é o cerne de cada poema. Isso se mostrou genuinamente iluminador e de bom gosto. Pierrot é uma obra difícil de se apresentar em concerto para não falar em forma encenada, e todos os artistas merecem grande crédito. Stannard estava completamente dentro do papel, assim como dominava as notas, e os instrumentistas foram incisivos e precisos no conjunto. Dentro de um espaço muito limitado, os dançarinos, e Petty acima de todos, esboçaram formas afetivas com habilidade técnica e rara graça poética, enquanto encontravam momentos de violência e perda de controle que externalizavam a natureza instável e desagradável do verso. O trabalho de Petty capturou o pathos, auto-aversão e fúria reprimida de Pierrot com precisão graças à coreografia de Alfred Taylor Gaunt, que estava totalmente alinhado em como interpretar esta obra através do movimento. Leo Geyer dirigiu com autoridade e total comando de uma partitura imensamente exigente. Apesar de ter apenas 40 minutos, essa primeira metade foi emocionalmente desgastante e era difícil imaginar como ela seria ou mesmo poderia ser seguida. No entanto, a segunda metade - uma 'extravagância circense' chamada Sideshows, com texto de Martin Kratz musicado com uma partitura inspirada no jazz por Geyer - foi um deleite completo. Geyer reapareceu para dirigir o evento vestido de Mestre de Cerimônias em traje completo, e os músicos vestiram figurinos (em um caso, drag) reaparecendo como Honker, Scraper e Sra. Scraper, e Tickler. A música de fato era tão descomprometida para o ouvinte quanto Schoenberg, mas o espírito, vigor e estilo dos músicos, dançarinos e cantora (Rachel Maby) criaram os personagens com grande economia. Em rápida sucessão, assistimos palhaços, uma cartomante, um urso dançarino que perdeu o controle, uma cobra que foi muito bem encantada pelo clarinetista Antanas Makṧtutis, e uma criança artista, Delilah, com sua mãe barbada. As convenções tradicionais do circo e do balé e da decoro orquestral foram deliciosamente subvertidas enquanto ainda traçavam continuidades de personagem e humor com a primeira metade da noite.
Este espetáculo é um empreendimento colaborativo entre dois diferentes grupos - Constella Ballet and Orchestra de um lado, e Khymerikal do outro. É uma vindicação da crença de todos os participantes na relação libertadora e mutuamente reforçadora entre dança e música contemporânea. A sinergia e a colaboração interpretativa entre as duas formas de arte foram magnificamente manifestadas no processo. A noite como um todo proporcionou um início soberbamente revigorante ao Festival Grimeborn no Arcola. Recebemos novos insights sobre uma obra antiga que a fizeram parecer muito menos intimidadora e mais acessível do que o habitual; e na segunda metade o lado alegre e louco da vida do palhaço e do circo foi dado total liberdade em uma nova. Tradição e sua subversão, os dois princípios governantes de Grimeborn, estavam neste caso em perfeito equilíbrio.
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