CRÍTICA: Sunny Afternoon, Teatro Hampstead ✭✭✭

Sunny Afternoon

Hampstead Theatre, prestes a se transferir para o West End

5 de maio de 2014

3 Estrelas

O que faz um bom musical? Qual é a diferença entre uma peça com música e um musical? Essa distinção importa ou realmente existe? Um ator é diferente de um intérprete de teatro musical ou um intérprete de teatro musical é um ator com habilidades extras? O que torna um novo musical válido? Há diferença entre um musical jukebox e um musical de livro? E se há, deveria haver?

Todas estas questões são trazidas para o foco ao se assistir à produção de estreia de Sunny Afternoon (música e letras de Ray Davies, livro de Joe Penhall) a mais nova produção de Edward Hall no Hampstead Theatre.

Esta é a história dos The Kinks, uma banda inglesa que foi uma força major na música na Grã-Bretanha por três décadas, dos anos sessenta até o final dos anos noventa. Seu catálogo de sucessos fornece a música para a peça. A história da banda fornece a narrativa.

Ou deveria.

Mas é possível sair desta produção sem saber muito sobre os motivos que uniram a banda ou por que trabalhavam bem juntos ou por que duraram tanto. Pois o livro de Penhall carece de detalhes ou precisão.

No entanto, é impossível deixar a produção sem querer ouvir imediatamente a música que os prolíficos Kinks produziram. Esse é o indicador determinante de um bom musical? Um desejo pelas músicas que foram incluídas no musical? Se sim, esta produção é um triunfo.

No entanto, os requisitos de um grande musical são mais abrangentes do que isso. Pelo menos desde o tempo de Rodgers e Hammerstein, a trilha de um musical precisa ser melodiosa assim como avançar em caráter e narrativa. No mundo dos musicais jukebox, Jersey Boys é o ponto alto; lá a história das músicas está entrelaçada com as próprias músicas e a história de seus criadores.

Nos últimos vinte minutos de Sunny Afternoon, Penhall, Davies e Hall acertam o equilíbrio exatamente e essa sequência, desde o momento em que o guitarrista Pete expressa dúvida sobre permanecer na banda até o final, é mágica, envolvente, aquecedora: tudo que um bom musical deve ser. E cada performance atinge o nível certo nesta seção, tanto vocalmente quanto em termos de atuação honesta, cheia de coração. Nesta seção, tudo importa, tudo é sentido e tudo funciona.

Não é de se estranhar então que a plateia vá à loucura na cortina final e permaneça de pé e histericamente alegre durante o encore. Eles testemunharam essa rara besta teatral: um musical jukebox que funciona, pelo menos em parte, como um musical de livro, com as canções de sucesso familiares impulsionando a narrativa e os personagens sempre em frente.

Imagine então o resultado se o refinamento e estilo das cenas finais tivessem sido trazidos para todo o espetáculo? Se a clareza, a interligação perfeita de música e narrativa tivesse sido constante?

Mas o primeiro Ato é irregular, com algumas músicas encaixadas de forma desajeitada entre trechos de diálogo e outras funcionando bem. A inconsistência é a tônica. Nunca é terrível ou irremediavelmente tedioso, mas tampouco é o que claramente poderia ser, como as cenas finais deixam claro.

O início do Ato Dois, as cenas na América quando os Kinks estão em turnê, é bastante lamentável, recheado de clichês e anacronismos, e, mais gravemente, o mais desconectado a música se torna da narrativa, e os personagens de suas motivações e verdade narrativa.

No primeiro Ato e no começo do Ato Dois, a peça parece mais uma peça com música. As palavras são o principal motor; a música serve meramente para pontuar ou fornecer contraste. Mas nos últimos vinte minutos, é definitivamente um musical, e um muito bom.

Penhall é citado no programa dizendo:

“As canções de Ray são exclusivamente adequadas para o teatro, de uma forma que o trabalho de nenhum outro compositor é.”

Mesmo? Suspeita-se que Bernstein, Rodgers, Sondheim, Flaherty, Guettal, Robert-Brown, Lippa, Shaiman, John, Tesori e Kitt (de modo algum uma lista exaustiva) todos escrevem canções exclusivamente adequadas para o teatro e mais adequadas do que as que Davies escreveu.

Mas talvez isso explique o problema central deste espetáculo. As canções de Davies, por mais brilhantes que sejam, não foram escritas para esta peça e assim, apesar de sua capacidade inerente de contar histórias, precisam de uma integração cuidadosa em uma narrativa que precisa delas e se beneficia delas. Além dos últimos vinte minutos, Penhall não forneceu essa narrativa.

Edward Hall dirige, mas suspeita-se que ele pensa estar dirigindo uma peça e não um musical. Não há musicalidade na apresentação, algo que clama por isso. Adam Cooper, contudo, fornece coreografia excelente, hábil e envolvente e o elenco a executa de forma luxuriante.

O design de som de Matt McKenzie decepciona continuamente. O Hampstead Theatre não é um espaço grande, mas o equilíbrio entre voz e instrumentação raramente está correto, com o resultado de que as letras, especialmente as cantadas por John Dagliesh como Ray, desaparecem ou são inexplicavelmente silenciadas. Isso é desesperadamente vergonhoso - pois quando você o ouve, Dagliesh é impressionante.

Ray é o personagem central aqui, muito é pedido de Dagliesh e ele está à altura da tarefa na maioria das vezes. Não é tempo suficiente gasto em permitir que o público goste e se simpatize com ele, com o resultado de que o show parece mais fragmentado do que seria se o público estivesse apaixonado por ele, como certamente precisa estar. Dagliesh é confiante e capaz, mas não suficientemente cativante e ele não desempenha o papel com o tipo de coração que um musical precisa de sua estrela.

Os co-estrelas de Dagliesh têm um melhor desempenho. Seus papéis, embora secundários, têm mais coração impressos neles - com efeito cativante. O melhor é Pete de Ned Derrington, o guitarrista sério e quieto que não conhece seu próprio valor. Derrington é fantástico o tempo todo, canta bem e quando tem seu grande momento no segundo Ato, brilha.

Igualmente bom, como o irreverente guitarrista irmão caçula pronto para qualquer coisa, Dave, é George Maguire, que é simplesmente formidável, uma bola de energia contida e fúria anti-establishment incandescente, todo cabelo longo desgrenhado e indulgência hedonista. Ele é engraçado, mas pode mudar instantaneamente e ser verdadeiramente sério - e tem um tenor sem esforço que adiciona vigor à música.

O membro final do quarteto, o preguiçoso baterista Mick, vê Adam Sopp em excelente forma. Ele é lânguido onde os outros são sérios ou egoístas, seco e capaz de extrema violência - a perfeita encapsulação de um baterista garoto raivoso de Londres.

Lillie Flynn é linda, em todos os sentidos, como a namorada/esposa de Ray, Rasa. Ela canta docemente e infalivelmente e traz calor real a cada cena sua. Philip Bird desempenha vários papéis, todos extremamente bem, mas ele é inspirado como o Sr. Davies, o humilde pai de Ray.

Miriam Beuther fornece um cenário vistoso, mas não evoca realmente o sentido da jornada interior íntima de Ray, que é o principal motor narrativo aqui, ou permite muito em termos de locais credíveis para a multiplicidade de lugares onde a ação ocorre. Inexplicavelmente, o auditório foi dividido para permitir uma longa passagem central e entradas pelo público em ambos os lados. Mas permanecem inutilizadas na maior parte e quando são usadas, o resultado é simplesmente atenção dividida em vez de qualquer senso de proximidade ou espetáculo.

Mas seus figurinos são outra questão: são divinos e há dezenas deles. Coloridos, de época e animados, os figurinos fornecem muita ajuda para contar a história do tempo e lugar desses Kinks e seus triunfos e tribulações.

Há muito o que gostar em Sunny Afternoon e, no geral, a experiência é mais do que satisfatória. É muito divertido. Vale a pena ver e difícil não curtir.

Mas... Deveria ter sido um triunfo absoluto. Infelizmente, o livro de Penhall e a direção de Hall impedem isso.