CRÍTICA: Strike Up The Band, Upstairs At The Gatehouse ✭✭

Julian Eaves analisa o musical Strike Up The Band de George e Ira Gershwin no Upstairs At The Gatehouse.

Elenco de Strike Up The Band. Foto: Andreas Lambis Strike Up The Band

Upstairs at the Gatehouse

8 de março de 2019

2 Estrelas

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Raridades não ficam muito mais raras do que esta: depois de quase um século, Londres finalmente vê uma produção profissional da comédia musical de 1927 de George e Ira Gershwin, com um roteiro satírico e anti-guerra de George S. Kaufman, sobre um conflito fútil entre os EUA e a Suíça provocado pelo contencioso tema do... queijo. Revivido notavelmente para uma produção em meados dos anos 1990 no Goodspeed Theatre, Connecticut, e para algumas versões em concerto nos EUA desde então, o roteiro ainda impressiona com suas críticas mordazes e relevantes sobre o belicismo americano no exterior e o neofascismo em casa (que reconhecemos tão dolorosamente bem agora na era Trump), o trabalho original de Kaufman aponta com clareza brutal que, após todos esses anos, pouco parece ter mudado.

Foto: Andreas Lambert

Se isso soa como um conteúdo pesado para misturar com o mundo leve e alegre das melodias vivas de George e as rimas intrincadas de Ira, bem, sim, é. O espetáculo oscila para frente e para trás entre tons e estilos com uma imprevisibilidade desconcertante, tentando encontrar um caminho através da mistura densa e volátil. Um momento, temos um conjunto Gilbertiano, com músicas empilhadas umas sobre as outras para criar uma sensação de escala social. Então, temos uma típica rotina de comédia 'estilo vaudeville' para alguns atores, cheia de trocadilhos e palhaçadas. E então, mergulhamos em críticas sociais contundentes do tipo que Elmer Rice ou Cliff Odets poderiam ter escrito - ou estar prestes a. Existem muitos momentos em que você não sabe se deve rir ou chorar, e isso não facilita a vida da equipe criativa ou do elenco.

O diretor Mark Giesser certamente tem alguma experiência em material dessa natureza, mas até ele parece perdido sobre como unir os elementos díspares e mutuamente competitivos dessa estranha criatura, assim como a coreógrafa Orley Quick, cujo histórico parece não tê-la preparado bem para saber o que fazer com material tão idiomático. Além disso, a maioria do elenco tem experiência limitada em lidar com comédia desse tipo particular, e a equipe (se é que eles realmente trabalharam juntos como um) do diretor e da coreógrafa tem apenas sucesso parcial em capacitá-los para descobrir como fazê-la funcionar em cena. Além disso, a direção geralmente é incapaz de oferecer algo além de linhas retas de artistas, entregando seus discursos, aparentemente enquanto esperamos descobrir o que fazer a seguir. Com um tema tão desafiador, a sensação de que não há uma convicção geral e convincente impulsionando a produção torna-se avassaladora. Além disso, parece ter havido um orçamento lamentavelmente inadequado para o cenário, com os figurinos escassos de Camille Etchart parecendo tristes e negligenciados, mesmo no espaço modestamente proporcionado do andar de cima do pub Gatehouse em Highgate. Os trajes de Julia Scrimieri têm um desempenho melhor, mas apenas destacam a aparência de 'peça escolar' da produção. A iluminação de Will Leighton poderia ter ajudado a expandir o mundo 'físico' habitado pela apresentação, mas não opta por fazer nada além do esperado e óbvio. Todo o espetáculo adquire ares de uma performance de 'improviso'. Se você pode suportar isso, então talvez consiga aproveitá-lo.

Foto: Andreas Lambis

Uma área onde definitivamente foi gasto dinheiro, no entanto, e talvez em excesso, é na banda. Bobby Goulder tem uma banda de orquestra completa e o diretor decidiu aproveitar ao máximo esse recurso, colocando-os no centro do palco traseiro. Isso permite que eles abafem o que quer que os artistas cantem na frente deles (o design de som de Harry Emerson mal lhes dá suporte), e as orquestrações - uma fascinante mistura de partes originais de 1927 e os arranjos de Goulder para esta produção - permitem-lhes fazer isso repetidamente. Os cantores são forçados a esforçar suas vozes, muitas vezes jovens – ainda em desenvolvimento – enquanto enfrentam a longa e ruidosa partitura. Você sente que eles relaxam um pouco nos grandes números corais (que são soberbos, cheios de músicas adoráveis de Gershwin), mas igualmente, você realmente sente sua dor em quase todos os outros números. Oh, os problemas não são ajudados pelo tempo de execução da produção, anunciado como 1 hora e 50 minutos, incluindo um intervalo, quando – na verdade – dura quase uma hora a mais do que isso: algo a ter em mente ao planejar suas idas ao banheiro!

Então, no meio de todos esses desafios (muito íngremes), como o elenco se sai? Estou bem certo de que as decisões que tomaram foram todas autorizadas (no mínimo) pelo diretor. Richard Emerson nos oferece uma caracterização única como o rei do queijo americano, Horace J. Fletcher, que rapidamente entedia e gradualmente irrita. Beth Burrows provavelmente é a que tem o melhor desempenho de todos, com um papel que possui a maior parte do peso dramático, a filha do agroindustrial, Joan Fletcher, mas novamente precisa oscilar amplamente entre humores opostos. A outra metade do principal interesse amoroso de Paul Biggin, Jim Townsend, faz uma tentativa enérgica de fundir os elementos contraditórios de seu papel, mas é uma tarefa impossível para ele, especialmente quando se pede que interprete um personagem fraco e humilhado - não é um personagem fácil de se simpatizar. Pippa Winslow é uma das artistas mais experientes da equipe, mas novamente dá a impressão de que está sempre cumprindo as ordens do diretor em vez de fazer a comédia ser sua (o que tenho certeza que ela é mais do que capaz de fazer). Como a soubrette, Anne Draper, Charlotte Christensen está animada e vivaz e tenho certeza que seria ainda mais atraente se pudéssemos ouvir mais do que ela canta. Atuando em sua oposição, Adam Scott Pringle parece tudo o que um juvenil deveria ser, mas - novamente - está exausto por ter que lutar contra essa banda. Dois intérpretes mais experientes, Robert Finlayson (como o mandão Coronel Holmes) e Nicholas McBride (como C Edgar Sloane), estão tão frustrados quanto quase todos os outros parecem estar, assim como Bob desajeitadamente charmoso de Sammy Graham.

Foto: Andreas Lambis

No entanto, sozinho entre toda a equipe, aquele que parece ter captado a essência muito peculiar e estranha da comédia aqui é George Spelvin de David Francis: seu domínio de múltiplos personagens e piadas recorrentes é seguro e ágil; ele também tem a sorte de o roteiro nunca exigir que ele faça coisas em rápida sucessão que sejam o oposto polar uma da outra - uma feliz exceção - nem precisa cantar muito. Que sorte! Quando ele está no palco, portanto, você pode se acomodar e apreciar a produção, contemplando o que poderia ter sido, se tivessem um roteiro melhor, um diretor, um designer, um diretor musical, um coreógrafo, e assim por diante. É bem azar dos outros, que, sem culpa própria, enfrentam uma luta quase constante.

Então, vale a pena? Para pessoas que absolutamente insistem em preencher lacunas incômodas em seu conhecimento enciclopédico de teatro musical, então sim - no geral - vale a pena assistir. Se você está apenas procurando uma noite divertida, pode achar isso bem aquém das expectativas. O Upstairs at the Gatehouse, especialmente nas produções da sua companhia residente Ovation (das quais esta definitivamente NÃO é um derivado), tem uma reputação fantástica por trazer produções de pequena escala de qualidade para uma base de fãs interessada e educada. Esta, no geral, é provavelmente uma que eles desejariam manter em segredo.

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