CRÍTICA: Solaris, Lyric Hammersmith ✭✭✭✭

Julian Eaves critica Solaris, atualmente em cena no Lyric Hammersmith.

Jade Ogugua, Polly Frame, Keegan Joyce e Fode Simbo em Solaris. Foto: Mihaela Bodlovic Solaris

Lyric Theatre, Hammersmith

14 de outubro de 2019

4 estrelas

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"É um enigma, envolto num mistério, dentro de um enigma", disse Churchill sobre a Rússia.  Bem poderia estar a pensar nesta estranha história de ficção científica do polaco de Lvov e de herança judaica Stanislaw Lem, que irrompeu no panorama internacional durante o degelo pós-Stáline em 1961, e que nove anos depois foi filmada de forma tão memorável por Andrei Tarkovsky. No final dos anos 1970, o filme — aclamado como um dos melhores alguma vez feitos no género — passou na BBC e deixou-me uma impressão indelével.  Ao rever recentemente o remake de Soderbergh, de 2002, e agora esta brilhante adaptação para palco do dramaturgo David Greig e do encenador Matthew Lutton, é surpreendente perceber até que ponto a versão de Tarkovsky desta história se fixou na minha memória.

Fode Simbo e Polly Frame. Foto: Mihaela Bodlovic

Tudo isto é relevante porque, acima de tudo, a história é uma meditação sobre a natureza da recordação e o poder que ela tem sobre nós.  Como tantos agnósticos ou ateus antes dele, Lem é obcecado pelo indizível e pelo misticismo: na verdade, este conto de amores e tormentos pessoais, situado numa estação espacial em órbita de um planeta exótico e distante coberto por oceano, pode ser lido de forma plausível como uma metáfora para o papel da religião (isto é, do cristianismo) no bloco soviético — e para muito mais além disso: ciência vs. paixões; a relação entre a humanidade e a natureza; livre-arbítrio e predestinação; a natureza do eu; e mais....

Keegan Joyce. Foto: Mihaela Bodlovic

No cenário e nos figurinos de Hyemi Shin, abundam afinidades com o filme: uma área de representação alongada, iluminada, em formato de “letterbox”, remete para o enquadramento do filme, bem como para os seus muitos travellings lânguidos; as transições entre cenas fazem-se através de blackouts, à maneira de cut-aways, que fazem surgir imagens digitais fantasmáticas de ondas revoltas (magnífica luz de Paul Jackson, com realização de Stephen Hawker); e a composição e o desenho de som de Jethro Woodward ecoam o filme soviético (onde Eduard Artemeyev misturava música eletrónica com J. S. Bach, Woodward mistura a sua eletrónica com Vivaldi).

Hugo Weaving e Polly Frame. Foto: Mihaela Bodlovic

O estilo de interpretação é, no entanto, muito diferente.  Com raízes no estilo “direto” do teatro australiano (Lutton é diretor artístico associado do famoso Malthouse Theatre, em Perth, Austrália Ocidental) e filtrado pela ousadia do Royal Lyceum, em Edimburgo (onde Greig é diretor artístico), o espetáculo ganhou uma naturalidade viva, calorosa e descontraída que soa um pouco estranha no mundo imaginativo frio e hiper-moderno que nos é mostrado.  Na verdade, durante grande parte do tempo, há uma objetividade quase de novela na fala e no comportamento do elenco, o que tende a retirar à ação boa parte do seu fôlego épico.  Lutton imprime um ritmo rápido às trocas de falas, o que — na primeira metade — muitas vezes parece apressado sem necessidade; mas, na segunda metade, a maior intensidade do drama beneficia dessa velocidade.

Polly Frame destaca-se como Kris, uma visitante da estação espacial; é enviada para investigar a fibra moral da tripulação (até aqui, muito Ninotchka) e depressa sucumbe ela própria à estranha sedução do planeta.  Tem uma presença em palco poderosa e, ao mesmo tempo, juvenil, bem como um modo élfico e mercurial que sugere algo para lá do meramente humano.  Isto faz dela uma excelente parceira para o atribulado Ray de Keegan Joyce, um “visitante” enviado pelo planeta sob a forma do seu amante falecido.  Em contraponto à disponibilidade de Kris para se envolver com Solaris, a Satorious de Jade Ogugua é friamente desdenhosa em relação ao hábito incómodo daquele lugar de tornar fisicamente reais as memórias mais marcantes: ignora por completo a sua própria “visitante”, uma filha morta (interpretada por Lily Loya ou Talia Sokal).  Nesta missão, conta com o apoio sólido de Snow, de Fode Simbo, e com as projeções vídeo do agora falecido capitão Gibarian, interpretado por Hugo Weaving (porque é que estas histórias têm sempre de ter um capitão morto?).  Histórias como esta são mais do que narrativas empolgantes; são mitos modernos.  É da natureza dos mitos serem capazes de uma interpretação quase ilimitada.

Keegan Joyce e Fode Simbo. Foto: Mihaela Bodlovic

Quanto à reação do público, bem, parece que cada um pode levar destas peripécias praticamente aquilo que quiser.  Para mim, uma das impressões mais duradouras é a de que os “visitantes” marioneta do planeta Solaris não são menos limitados nas suas ações, pensamentos e sentimentos do que os ocupantes “livres” e humanos da estação espacial.  E, se isto não pretende ser uma alegoria da vida sob uma ditadura comunista, então não sei o que será.  Mas esta história fala de muito mais: em última análise, é, de facto, um debate sobre a própria natureza e propósito da criação e da vida.

Faça a viagem até Solaris — e pode dar por si a não querer regressar.

Em cena até 2 de novembro de 2019