CRÍTICA: Sir John In Love, British Youth Opera, Opera Holland Park ✭✭✭✭

Tim Hochstrasser analisa Sir John in Love, de Vaughan Williams, interpretado pela British Youth Opera numa residência convidada na Opera Holland Park.

Foto: Alastair Muir Sir John in Love

British Youth Opera

Opera Holland Park

25 de agosto de 2022

4 estrelas

Website da British Youth Opera O pano desce este ano na Opera Holland Park com uma breve residência convidada da British Youth Opera, que realiza um trabalho muito importante — e pouco reconhecido — na formação das próximas gerações de profissionais de ópera no Reino Unido: não apenas cantores, mas também músicos de orquestra e equipas técnicas. Foi uma noite duplamente prazerosa porque ofereceu ainda a rara oportunidade de ouvir Sir John in Love, de Vaughan Williams — obra que teve uma apresentação de destaque na ENO em 2006, mas pouco se viu desde então.

Foto: Alastair Muir

Foi uma escolha arrojada do compositor explorar o mesmo território de Verdi apenas trinta anos depois; mas, na verdade, trata-se de uma abordagem bastante diferente da história de Falstaff face à cobertura cuidadosamente estratificada que Boito constrói, tanto a partir das peças de Henrique IV como de As Alegres Comadres de Windsor. Vaughan Williams segue muito mais de perto esta última e acrescenta ainda textos de outros autores contemporâneos. O resultado é um misto “tudorbethan” bem-intencionado, mas algo confuso, com alguns momentos de humor involuntário. É mais bem-sucedido ao seguir a sua predileção pela canção tradicional, incluindo muitas melodias modais da época com as suas letras originais. A partitura orquestral mais ampla é densamente orquestrada, com todos os elementos familiares do universo sonoro maduro do compositor — um pastoralismo luxuriante, incluindo um belo interlúdio baseado em “Greensleeves”, escrita coral vigorosa e de traço carregado, episódios laterais sinistros e delicados momentos de melancolia serena e fantasia.

Foto: Alastair Muir

Sendo a história tão conhecida e o humor de As Alegres Comadres mais amplo do que subtil, uma produção que queira marcar precisa de ritmo, direção coerente das muitas cenas de multidão e interpretação criativa e dinâmica por parte dos protagonistas. Caso contrário — por mais bem construída que seja — a energia dramática da partitura pode esmorecer. O encenador Harry Fehr e a maestrina Marit Strindlund impulsionam a ação de forma impressionante e tiram pleno partido dos espaços abertos da Opera Holland Park. Um cenário minimalista e flexível sugere o suficiente dos interiores, e os figurinos e o desenho de luz combinam-se de forma muito agradável, sendo especialmente eficazes a evocar a Floresta de Windsor no desfecho. Mas, inevitavelmente, com um elenco jovem, a minúcia de caracterização necessária para que as várias personagens ganhem verdadeira vida só esteve presente de forma intermitente.

Foto: Alastair Muir

Ainda assim, grande parte do canto foi, de facto, muito impressionante. Há dois elencos e os comentários que se seguem dizem respeito apenas a 25 de agosto. Conrad Chatterton, como o cavaleiro gorducho, mostrou bluster e bravura em abundância, embora talvez lhe faltasse encontrar um pouco mais de astúcia subterrânea. Philip Costovski, Toki Hamano e Armand Rabot, como os seus companheiros brejeiros, tiveram bons momentos a solo, e os casais centrais — os Ford e os Page — estiveram vocalmente muito bem equilibrados. Nancy Holt foi uma Mistress Quickly particularmente vivaz, e houve trabalho excelente de Justin Jacobs como Dr Caius, Joshua Saunders como Justice Shallow, James Micklethwaite como o seu sobrinho Slender, e Emyr Lloyd Jones como o pároco — papéis aqui muito mais desenvolvidos do que na versão de Verdi. Clara Barbier Serrano e Sam Harris enfrentaram com segurança a música, radiantemente exigente, dos jovens amantes Anne e Fenton.

Foto: Alastair Muir

A execução orquestral também foi impressionante. Um pouco mais de tempo de ensaio teria, sem dúvida, ajustado o equilíbrio sonoro entre a fossa e o palco e evitado alguns problemas de sincronia; mas, de resto, foi uma interpretação segura de uma partitura complexa, com um som rico e confiante em todos os sectores — especialmente nos vários interlúdios que cobrem mudanças de cena essenciais. A maestrina Marit Strindlund lidou com os grandes clímax e algumas transições difíceis com verdadeira perícia.

Esta foi uma excelente escolha de ópera como exercício de formação — há muitos papéis de dimensão moderada que proporcionam experiência útil, e uma boa parte das personagens é também jovem em idade. Há muita ação em cena para afinar as competências das equipas de palco, e a paleta orquestral exigida é variada, com bastantes momentos de desenvolvimento sinfónico em que a orquestra é, na prática, uma personagem da ação — novamente muito útil para os músicos apreenderem.

Para o público, foi uma rara oportunidade de ouvir uma obra subvalorizada que fazia parte importante do manifesto global do compositor: a música inglesa deveria beber de materiais ingleses — tanto da história como da tradição de canção popular — em vez de seguir modelos continentais. Em suma, uma noite continuamente envolvente e plenamente satisfatória.