CRÍTICA: Ela Me Ama, Menier Chocolate Factory ✭✭✭

Mark Umbers e Scarlett Strallen em Ela ama-me. Foto: Alastair Muir Ela ama-me 

Menier Chocolate Factory

8 de dezembro de 2016

3 estrelas

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Há uma generosidade poderosa na admiração do gênio que empresta de suas maiores realizações os louros da glória e os confere a suas realizações menores.  E em nenhum lugar isso é mais verdadeiro do que no caso desses gigantes do teatro musical, Jerry Bock e Sheldon Harnick, criadores de um triunfo solitário, mas absolutamente magnífico: a trilha sonora daquele colosso do palco, ‘Um Violinista no Telhado’.  Aquela obra singular e deslumbrante brilha tão intensamente que o resto da produção dessa notável dupla está carregada de suspeitas de que, se pudéssemos discerni-los, poderíamos encontrar ali magia de ordem similar, belezas de felicidade commensurável, percepções sobre a condição humana de igual profundidade, e assim por diante.  Passamos a acreditar que elas devem estar lá: se apenas pudéssemos encontrá-las….

Scarlett Strallen e Katherine Kingsley em Ela ama-me. E assim continua a busca.  As produções de suas obras menos bem-sucedidas multiplicam-se.  Esta propriedade em particular – um show que, por todos os tipos de razões muito boas, nunca encontrou um lugar permanente no repertório - é uma musicalização de 1963 da comédia húngara ‘Perfumeria’ de Miklos Laszlo.  No momento de sua composição, a história já havia sido filmada duas vezes em inglês, primeiro como ‘A Loja da Esquina’ de Lubitsch e depois como o veículo de Judy Garland, ‘Na Velha Primavera’.  Produtores desses empreendimentos se reagruparam e contrataram Joe Masteroff para fazer o livro para as canções finamente entrelaçadas de Bock e Harnick, ainda que, muitas vezes, dramaticamente redundantes.  (OK, nada tão errado nisso: ‘My Fair Lady’ não realmente precisa de suas canções.)  A obra que criaram é um prodígio de integração técnica – até certo ponto.  Um grande problema é a fragilidade da história, construída em material musico-dramaticamente intratável, como reticência, timidez, evasão, embaraço e papéis de gênero que já estavam em desacordo com a história quando a obra cambaleou, por cerca de 300 e poucas performances, na Broadway e depois rapidamente saiu de lá (conseguiu bem menos em Londres).  Um ano depois veio ‘Um Violinista’ com sua corrida alucinante de mais de 3.200 levantadas de cortina, desde então ‘Ela ama-me’ tem lutado com esse fator complicado de ser o parente fraco de um irmão muito mais poderoso, mantido em um sistema de suporte vital bem após a hora de sua morte determinada.

Não está sem encantos, é claro.  Os componentes individuais são muitas vezes muito atraentes.  Eles apenas não – muito – se sustentam firmemente juntos para fazer um argumento convincente.  No entanto, mais recentemente, foi trombeteado os comprimentos e larguras de Broadway como uma 'maravilha', e ultimamente também fez algumas aparições em Londres.  A última dessas que eu vi, a apresentação final da casa de Robert McWhir para seu excelente (e muito saudoso) Teatro Landor, chegou bem perto de conseguir um sucesso retumbante.  Por isso, fui ver a nova oferta do grande Matthew White no Menier repleto de esperanças de que ele também pudesse chegar bastante perto de ser um sucesso.

Scarlett Strallen e Mark Umbers em Ela ama-me. Foto: Alastair Muir A qualificação de White para o trabalho dificilmente poderia ser mais promissora.  Sua recente adaptação e produção do musical de Fred e Ginger ‘Top Hat’ foi um assunto miraculosamente perfeito, demonstrando sua suprema maestria no teatro musical.  No entanto, ele curtiu uma liberdade excepcional nesse projeto, tendo licença para fazer sua adaptação da maneira que julgasse apropriada: este é um evento muito, muito raro na vida de qualquer diretor de teatro musical.  Em segundo lugar, enquanto teatros como (note a comparação) o ‘fringe’ Landor podem dobrar um pouco as regras – ou muito – e fazer ‘emendas’ não oficiais (ou seja, melhorias) no roteiro publicado, locais estabelecidos 'off-west end' como o Chocolate Factory têm que brincar muito mais pelas regras, e quando procuram uma possível transferência para o West End (como é o desejo do Menier), então você pode estar absolutamente certo de que o que está obtendo é capítulo e verso, pelo menos conforme está de acordo com as restrições impostas pela autoridade de licenciamento.

Alguns diretores dizem que seu trabalho principal é disfarçar as fraquezas de um roteiro.  E eles não estão errados.  As forças tendem a falar por si mesmas, mas os pontos fracos gritam em nome de seus detratores.  Então, não gostamos de ouvi-los.  Quando ela ou ele assume um trabalho, é com uma esperança e uma oração de que será possível navegar um curso bastante seguro através das armadilhas e obstáculos colocados em seu caminho por escritores e produtores e diretores anteriores (cujo imprimatur pode facilmente durar mais que o século da criação da obra).  Ao apresentar uma peça que é demonstravelmente menos do que perfeita, como neste caso, então as apostas na aposta são realmente altas.

Bem, tanto para a teoria.  Agora para esta produção.  Aqui, as coisas começam de forma suficientemente promissora.  O inestimável design de cenário e figurino de Paul Farnsworth começa com um pano de fundo ondulante com ‘aquela’ vista do prédio do Parlamento Húngaro, visto do outro lado do Duna, e serenado por um violino cigano brilhantemente virtuoso de primeira água (Phillip Grannell ou Darius Luke).  (Conhecemos outro musical de Bock e Harnick que começa com um violino cigano, não é, crianças?)  De fato, a MD e Supervisora Musical Catherine Jayes entende este teatro bem, e escolheu uma banda de habilidade e estilo verdadeiramente maravilhosos: o trompete brilhante de Edward Maxwell; o trombone fino de Stephanie Dyer ou Jane Salmon; as belas palhetas de Bernie Lafontaine (flauta e uma variedade de clarinetes, incluindo um baixo deslumbrante); o acordeão autêntico de Romano Viazzani; o contrabaixo de Paul Moylan e a percussionista inteligente de James O'Carroll.  Também acreditamos que estamos ouvindo uma harpa e um glockenspiel, mas esses são truques suaves das habilidades de teclado de Jayes, tenho certeza.  Jason Carr fez um trabalho hábil de abreviar os arranjos originais: e o som da banda está perfeito para as dimensões deste local.

Scarlett Strallen em Ela ama-me. Foto: Alastair Muir O canto do score é tão agradável quanto.  Callum Howells faz um Arpad simpático; Alastair Brookshaw é um Sipos de olhar aguçado e coração mole; Katherine Kingsley soa uma nota de por necessidade bem-vinda de firmeza feminina como Ilona; Dominic Tighe saísse melhor – como os atores neste papel sempre fazem – como o rato Kodaly; Mark Umbers soa deliciosamente como Jeremy Brett como o encantador e cavalheiresco Nowack; Les Dennis é um agradável Sr. Maraczek; Scarlett Strallen aproveita todas as oportunidades como Amalia, embora desejemos constantemente que o score dê à sua magnífica voz ainda mais chances de empolgar e que o roteiro forneça à sua personagem mais espinha; Peter Dukes é um bom Keller; Cory English eu vi como o Garçom (ele será substituído de 10 jan a 6 fev por Norman Pace) e certamente White o vê em um tipo de papel ‘Eric Blore’ aqui.  Rachel Bingham, lindamente emocionante Matt Crandon, Luke Fetherston, Olivia Fines, Aimee Hodnett, Sarah-Jane Maxwell e Vincent Pirillo compõem o excelente conjunto.

Quanto ao score em si, é parte ‘A Garota da Loja Czarda’ e parte ‘Mandem-me Meus Cumprimentos à Praça Vorosmarty’: em uma direção somos puxados para o delirante absurdo da opereta vienense, e na outra nos inclinamos para o glamour da Broadway dos anos sessenta; e quanto mais eu ouço o score, menos compreendo as razões dessas escolhas estilísticas opostas (considerando que existam algumas).  A música é sempre ótima de ouvir, mas como um todo ela simplesmente se recusa a coalescer.

Então, para o roteiro de Mr Masteroff: estamos recebendo um texto muito mais longo e palavroso do que recordo de ouvir jogado no Landor.  Temos muito, muito menos em termos de coreografia (embora quando Rebecca Howell tem a chance, ela mostra alguns movimentos realmente estilosos) do que recordo ser o caso em Clapham.  Isso é uma pena.  O uso de movimento de Howell é absolutamente fascinante: ela pode evocar as pinturas de Otto Dix ou Tamara de Lempicka em um instante; a sequência do café é um magnífico conjunto, mas parece passar sem se firmar completamente em qualquer nível visceral.

Enquanto isso, o design da perfumaria, na qual a maior parte da ação ocorre, inicialmente impressiona – um interior exuberante com muito dourado e ornamentos moldados, um tipo de rococó de rua principal: uma senhora de classe média sentada perto de mim disse que lhe lembrava a Penhaligon's, com prateleiras de garrafas de perfume aparentemente iluminadas de dentro.  Paul Pyant é quem controla a iluminação, e ele geralmente mantém as coisas luminosas e alegres (embora haja algumas pinturas de humor sazonal maravilhosas na montagem do Ato 1).  Isso é provavelmente deliberado.  Toda a produção é leve, amiga, agradável, tendendo para o conforto, luxo, lazer e a graciosidade das classes comerciais razoavelmente bem-sucedidas.  A ausência de tons mais escuros cria um ambiente sem problemas, mas possivelmente à custa de qualquer tensão dramática ou sentido de conflito.  Até o adultério e suicídio vêm e vão sem causar muita agitação.  Se você está procurando uma experiência sem dor, você terá uma.  Mas se você precisa de algo mais robusto, pode achar tudo um pouco leve demais e até trivial.  Isso funciona para ‘Die Fledermaus’ ou ‘A Princesa Czarda’, mas aqui parece um tanto errôneo.

Afinal, estamos em Budapeste na década de 1930.  O fascismo é uma força crescente em todo lugar, incluindo em casa sob o ferro do Almirante Horthy, enquanto o comunismo floresce no leste.  O antissemitismo está prestes a impulsionar a Europa ao Holocausto.  Nada disso ganha mais do que um sussurro no roteiro.  Graças aos céus Masteroff não poupou nenhum soco quando escreveu o livro para 'Cabaret'!   Graças aos céus Rodgers e Hammerstein não quando escreveram ‘A Noviça Rebelde’ apenas alguns anos antes.  E graças aos céus Bock e Harnick falaram mais de coração em ‘Um Violinista no Telhado’.  Quanto a este show, é tudo bastante bonito e bem-comportado e não causará nenhum mal.  Nada para se envergonhar, apenas não espere que a terra se mova.

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