CRÍTICA: Shakespeare Apaixonado, Teatro Noel Coward ✭✭✭✭✭

A companhia de Shakespeare Apaixonado. (C) Johan Persson Shakespeare Apaixonado

Teatro Noël Coward

8 de julho de 2014

✭✭✭✭✭

Não faz muito tempo, um diretor de teatro inteligente lamentava o fato de que as peças modernas são muito "no momento" e não serão, como as de Shaw, Ibsen, Eurípides, Shakespeare, Webster, Inge, Williams, Albee, Chekov, Marlowe, Wilde e Coward (ele mencionou outros, mas você entende) revividas repetidamente daqui a um século. Nenhum escritor do final do século 20 atingiu o padrão, ele disse.

Pelo menos em um aspecto, ele deve estar errado. O trabalho de Tom Stoppard certamente sobreviverá muito depois de sua morte e da nossa.

Em parte, a prova disso pode ser encontrada no palco do Teatro Noël Coward no West End, onde a produção de Shakespeare Apaixonado de Declan Donnellan, escrita por Stoppard com Marc Norman e adaptada para o palco por Lee Hall, está agora em pré-estreia.

É difícil recordar, pelo menos ao longo dos últimos sete anos, uma produção comercial de uma nova peça que tenha estreado diretamente no West End e que seja tão engraçada, dramática, envolvente e educacional (não sobre história, mas sobre a essência do teatro). Excetuando-se Carruagens de Fogo, nenhuma adaptação teatral de um filme de sucesso (musicais à parte) chegou perto do sucesso alcançado aqui.

Vimos sua sexta apresentação pública. Ela estreia em 27 de julho. Assim, ainda está em seus estágios formativos. Mas, mesmo assim, está em forma impressionante e deve ser um sucesso internacional garantido (a Disney está apoiando).

À primeira vista, a peça é uma comédia pastelão com uma história de amor apaixonada em seu centro, e uma completamente bem-sucedida. É genuinamente engraçada em alto e bom som em partes, mas há momentos de beleza dolorida e desespero cru. É tocada com clareza e finesse; extremamente divertida.

Mas a peça é muito mais do que isso. É uma introdução e exploração da linguagem, estrutura e personagens imortalizados por Shakespeare. E nisso é profundamente inteligente, intelectualmente satisfatória, ocasionalmente perspicaz ou questionadora e sempre refrescante e sedutora.

Em forma, é um pouco como Noite de Reis mesclado com O Mercador de Veneza, Henrique V e, claro, Romeu e Julieta. Ao longo da peça, há citações ou referências claras à maioria, se não todas, das obras de Shakespeare e seu Soneto mais famoso. E alguns dos personagens aqui são claras sombras de personagens famosos das peças: O Lorde Chamberlain é um Malvolio apenas disfarçado, até mesmo aprisionado; Sam tem um toque de Tisbe; Wessex tem ar de Andrew Aguecheek mas com inteligência; Burbidge quer sua libra de carne de Shakespeare à la Shylock mas também proporciona um momento impactante estilo Hal; a Enfermeira de Viola ecoa a enfermeira de Julieta; Ned Alleyn personifica Mercúcio com mais do que um toque de Hotspur; O Barqueiro canaliza o espírito do porteiro e coveiro. É tudo inteligente e evocativo.

Essencialmente, Stoppard e Norman pegam este discurso de Dois Cavalheiros de Verona e o usam como a espinha vigorosa dos folguedos teatrais amorosos que seguem:

Que luz é luz, se Silvia não é vista?

Que alegria é alegria, se Silvia não está perto?

A menos que seja para pensar que ela está perto

E se alimentar da sombra da perfeição

Exceto eu estar perto de Silvia à noite,

Não há música no rouxinol;

A menos que eu olhe para Silvia durante o dia,

Não há dia para eu olhar;

Ela é minha essência, e eu cedo a ser,

Se eu não estou sob sua influência justa

Fomentado, iluminado, amado, mantido vivo.

Eu não fujo da morte, para fugir de seu destino mortal:

Se eu ficar aqui, apenas aguardo a morte:

Mas, se eu fugir daqui, fujo da vida.

Se assistir a esta produção não fizer nada além de expor o público a esta passagem gloriosa, já seria suficiente. Mas, felizmente, ela transborda em presentes.

A atuação é soberba.

Lucy Briggs-Owen é excepcionalmente boa como Viola de Lesseps, obcecada pelo teatro e por Shakespeare, a filha de um rico comerciante vendida em casamento ao horrível Wessex. Viola está tão desesperada pelo teatro que se disfarça de homem e faz um teste para a apresentação de estreia da nova peça de Shakespeare, que eventualmente acaba sendo Romeu e Julieta. Briggs-Owen comanda o palco sem esforço e é tão eficaz como o desengonçado e tímido Tom Kent quanto como a borbulhante e sonhadora Viola – mas ela brilha com particular radiância quando interpreta Viola interpretando a Julieta original na cena-chave da sacada e na cena do duplo suicídio do final da peça.

Se isso não tornar Briggs-Owen uma estrela, não há justiça. Ela é infinitamente melhor do que Gwyneth Paltrow foi no filme. Ela é luminosa de todas as maneiras. Seu domínio da linguagem é particularmente maravilhoso; primeiro, quando entrega o discurso "Se Silvia não é vista" para a Rainha Elizabeth 1 (uma atuação tremenda, controlada e altamente habilidosa de Anna Carteret); segundo, quando ela se prova a primeira do elenco a entender como entregar a linguagem de Shakespeare com beleza e cuidado; terceiro, quando proporciona uma Julieta ternamente apaixonada, apaixonadamente e completamente apaixonada na apresentação de estreia da peça para a Rainha.

É uma interpretação magnífica, de classe mundial, cheia de beleza, gentileza, paixão bruta e habilidade impressionante.

Ela é ajudada nisso, em grande medida, pela atuação empolgante de Tom Bateman como Shakespeare. Ele está em seu melhor quando interpreta Romeu, mas suas cenas ao longo com Briggs-Owen são vibrantes, sexy e simplesmente maravilhosas. Ele é masculino e artístico, motivado e sonhador, arrogante e inseguro – é uma atuação em camadas, profundamente considerada e habilidosa. Ele personifica o sexo e a poesia de Shakespeare.

Seu charme viril, Byroniano, garante que a famosa cena da Sacada de Romeu e Julieta seja alegre e robustamente romântica – e proporciona o ponto emocional alto da noite, uma expressão vulcânica de joie de vivre romântico. Ele não tem dificuldade em ser agora vacilante, logo incontrolável, poeta e o amante ágil e caloroso de mulheres.

Mas, igualmente, sua relação com Marlowe (David Oakes, absolutamente fantástico, como o rival gay bem-sucedido que tanto o ama) é fabulosa e o momento Cyrano quando eles compõem uma versão de "Comparo-te a um Dia de Verão" é perfeição. Estes são dois homens do teatro que se amam e se inspiram – e Bateman é notável ao expressar a dor de Shakespeare quando Marlowe é morto, assim como é notável quando percebe o que sua menção casual de sua esposa abandonada faz ao coração inocente de Violet.

Juntos, Bateman e Briggs-Owen são uma verdadeira delícia – e você acredita em cada momento da jornada deles juntos, desde a cena relaxada pós-coital nua (muito impressionante do círculo) até a dolorosa reconciliação após a revelação de um coração partido por causa de uma esposa e então a devastadora despedida final.

O conjunto é excelente. Como Sam, o jovem rapaz que geralmente interpreta os papéis femininos nas peças de Shakespeare, Harry Jardine é pura delícia, embora sua atuação "sem voz" na segunda metade precise de tempero. Paul Chahidi está completamente em casa, deliciosamente mastigável, como o escorregadio Henslowe e Alistair Petrie é o verdadeiro modelo do Bufão Tudor. Doug Rao brilha como Ned Alleyn, o ator narcisista que cria o papel de Mercúcio e Ferdy Roberts é maravilhoso como Fennyman, um investidor que vem a amar o teatro e hilariante como o Boticário de chapéu azul. David Ganly é rude e ursino como o irritável e determinado Burbage, mas brilha em seu discurso de motivação quando oferece seu próprio teatro para a estreia de Romeu e Julieta.

Uma das grandes coisas aqui é que o sentido do conjunto de atores, aquele raro e especial vínculo que vem de ensaiar uma peça e compartilhar um palco, é belamente transmitido. A camaradagem, a alegria de atuar, o deslumbramento das luzes – tudo brilhantemente exibido e verdadeiramente sentido.

E as lutas de espada são exemplares (levantem-se, Terry King), emocionantes em partes bastante inesperadamente.

O cenário de Nick Ormerod é maravilhoso, uma espécie de fusão dos espaços tão familiares no Globe e nos novos teatros Sam Wanamaker. Pisos de madeira e varandas de madeira móveis sugerem facilmente a intimidade dos espaços teatrais daquele tempo e proporcionam mecanismos simples para mover a ação do palco para os bastidores e então para outros lugares. A iluminação de Neil Austin é terrivelmente eficaz, especialmente nas cenas mais românticas e arrebatadoras. O uso de candelabros é inspirado.

Há muita música de Paddy Cunneen que é adequadamente animada ou arrebatadora conforme o momento exige – mas o principal contratenor está completamente fora de sintonia e extremamente alto e isso afeta negativamente o impacto da música e sua apreciação global. A coreografia de Jane Gibson é simples e graciosa, toda adequadamente de época.

Donnellan dirige com estilo e as muitas cenas fluem suavemente, sem confusão, mas com ênfase apropriada e inspirada nos altos e baixos dos personagens centrais.

Esta é uma produção exuberante, completamente envolvente de uma peça de escrita magistral.

Mas...

O teatro estava cheio de pessoas que consultavam seus dispositivos móveis durante toda a noite, frequentemente nos momentos de tensão. Quatro telefones separados foram sacados quando Romeu se suicidou; não para tirar fotos da ação, mas para enviar mensagens de texto ou consultar a bolsa de valores (!) ou verificar redes sociais (não Facebook ou Instagram...)

Quando será uma defesa para uma acusação de assassinato dizer que o falecido usou um telefone móvel durante a apresentação de uma peça teatral ao vivo? Quando os lanterninhas patrulharão os corredores adequadamente e removerão aqueles que usam seus telefones no teatro durante a apresentação?

Melhor ainda, quando as pessoas que querem usar seus telefones durante uma apresentação teatral ao vivo simplesmente ficarão em casa e farão isso na sala de estar?

Nunca se preocupe com os advogados; matem todos os usuários de dispositivos móveis em teatros primeiro! (Com desculpas a Dick de Henrique VI Parte 2)

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